Archivo de la categoría ‘#cinelgtbi’

La doncella

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

Película producida en Corea del Sur, dirigida en 2016 por Park Chan-wook y protagonizada por Kim Min-hee y Kim Tae-ri. Se basa en la novela Falsa identidad de la escritora galesa Sarah Waters, con un cambio de ambientación del Reino Unido de la época victoriana a la ocupación japonesa de Corea.

Según comentó el director, había razones prácticas para trasladar la historia de la época victoriana a la era colonial de 1930. Pensando en los elementos argumentales, en la época colonial aún había clases sociales separadas y existían las doncellas. En esa era todavía quedaban elementos tradicionales, pero la modernidad se estaba abriendo paso. Por estas circunstancias, al cineasta ese cambio de localización histórica le pareció la única opción razonable.

Durante la ocupación japonesa de Corea, un estafador que se hace llamar Conde Fujiwara contrata a una carterista llamada Sook-hee para que se convierta en criada Lady Hideko, una heredera japonesa, con la que Fujiwara pretende casarse para quedarse con su herencia. Sook-hee, bajo el nombre de «Tamako», entra en la casa de Hideko que es controlada por su autoritario tío Kouzuki. Hideko está atormentada por el suicidio de su tía y afirma oír su voz por la noche. La joven Hideko estaba muy unida a su tía, que la había enseñado a leer ante la mirada severa de Kouzuki , que la sometía a severos castigos físicos si cometía el más mínimo error. Incapaz de tolerar el abuso hacia su sobrina, la tía de Hideko se había colgado de un cerezo durante una tormenta.

Sook-hee y Hideko entablan una relación muy estrecha. Como Hideko está preocupada ante la perspectiva de casarse con Fujiwara, Sook-hee le hace el amor de forma apasionada para que Hideko sienta los placeres que le esperan con su nuevo marido. Sook-hee no quiere continuar con el plan de Fujiwara, Hideko no quiere casarse, pero Sook-hee le insiste para que lo haga. Hideko y Fujiwara huyen y consuman su matrimonio. Después de retirar la herencia de Hideko, Sook-hee, Hideko y Fukiwara viajan al manicomio. Sook-hee piensa que el plan se acerca a su desenlace y que van a ingresar a Hideko. Entonces se revela que esta última se había aliado con Fujiwara. Juntos hacen creer a los responsables del manicomio que Sook-hee es la verdadera condesa y que en su locura cree ser una doncella. Sook-hee intenta resistirse pero al final acaba encerrada con la identidad de la condesa.

Sook-hee logra escapar del manicomio. Hideko droga a Fujiwara con una copa de vino antes de que éste la viole. Hideko y Soo–hee se reunen de nuevo. Las dos mujeres abandonan el país con pasaportes falsos en un transbordador y celebran su victoria haciendo el amor.

Las escenas sexuales explícitas entre las dos protagonistas levantaron cierta controversia y parte de la crítica especializada. Laura Miller en Slate, las tachó de repetitivas achacándoles que presentaban clichés visuales de la pornografía centrada en relaciones lésbicas. Sin embargo, Jia Tolentino en The New Yorker, afirmó que las mujeres saben cómo son, parece que se están comportando conscientemente la una con la otra, y Park es hábil a la hora de mostrar la sensación particular de libertad que se puede encontrar a la hora de representar un cliché sexual.

El realizador escogió esta narración porque las dos mujeres protagonistas tienen mucha vida. Una arrastra un pasado oscuro y la otra vive en un presente desesperado, pero ambas tienen un fuerte sentido de la individualidad.
Respecto al diseño de producción, en la película la casa tiene un papel destacado. Kim Hae-sook dice al principio: Ni siquiera en Japón puedes encontrar una casa que combine estilo occidental con japonés. Refleja la admiración del

Maestro Kouzuki por Japón e Inglaterra. Así que cuando los personajes entran en las zonas japonesas se tienen que quitar los zapatos y cuando andan por el ala occidental se los tienen que poner de nuevo. La personalidad de esta casa es un elemento muy importante. La habitación de Hideko se encuentra en el ala occidental por lo que duerme en una cama y vive como si fuera una dama británica. Sin embargo, la habitación de la doncella en la puerta de al lado tiene estilo japonés, Sookee vive en un «oshiire», una especie de armario para guardar ropa de cama.

El espacio más importante en cuanto a diseño de producción, es la biblioteca. El exterior tiene una arquitectura tradicional japonesa y el interior es una biblioteca estilo occidental. Dentro de la biblioteca hay también una sección de alfombras tatami, que durante las lecturas parece un jardín japonés con guijarros blancos, piedras y agua. Los jardines japoneses están hechos para representar el mundo en miniatura (montañas, ríos, lagos y bosques), por lo que Kouzuki pretende recrear el mundo dentro de su propio reino. Para este personaje la biblioteca tiene un valor fundamental. Un día, cuando Sook-hee va a buscar a Hideko a la biblioteca, Kouzuki le corta el paso ya que, según él, ese era el límite entre el conocimiento y la ignorancia.

La película combina planos cortos con movimientos de cámara más efectivos. En la primera parte el punto de vista es el de Sookee mientras que en la segunda parte la historia se narra a través de la perspectiva de Hideko. En la cinta hay una especie de «juego de miradas» en el que un personaje mira a otro o lo ignora o le sostiene la mirada.

El director contaba que en un principio había planeado rodar en 3D. Normalmente se usa para ciencia ficción o películas de acción, pero el realizador pensó que usarlo para este tipo de drama podría ser interesante porque el 3D podría haber enfatizado la perspectiva de cada personaje de una forma más pronunciada. Al final no pudo hacerlo por el aumento de presupuesto que conllevaba, los movimientos de cámara funcionan como reemplazo de este efecto que él usar.

El realizador destacó el interés del director de fotografía por unir lentes anticuadas con la nueva cámara digital. Para Pak Chan- Wook, el look que se ha creado es casi único y parece apropiado para el período durante el que ocurre la historia.

Para que el equipo técnico y artístico sintieran la atmósfera de la película mientras se preparaban, el director les dio tres cds de música que les permitieron entrar en situación.
Según el director, cuando incluye el humor en sus películas, éstas funcionan. Sobre el humor en La doncella, Pak Chan-Wook comentó: El humor en esta película está en el hecho de que los personajes están escondiendo sus verdaderas identidades y actuaciones. Hay muchas escenas en las que esconden sus sentimientos y están pensando algo muy diferente de lo que están diciendo. Incluso si el espectador no rompe a reír en el cine, creo que puede ser capaz de disfrutar esta clase de humor en la película.

Kim Min-hee comentó sobre su personaje, Lady Hideko: Hideko parece muy afectada por cómo la han criado. Piensa diferente a otra gente y tiene mucho guardado en su interior. En medio de toda esa opresión no ha sido capaz de vivir como una persona normal. Viviendo en un entorno donde no siente amor ni afección, simplemente esconde todas sus emociones.

La interpretación de Kim Tae-ri como la carterista Sookee que se hace pasar por doncella, muestra la dureza de su carácter atenuada por una amable y vibrante personalidad. La actriz expresa una astuta falsedad y al mismo tiempo una ingenua inocencia. Sobre la elección de esta actriz, el director comentó: Quería una cara nueva, una actriz desconocida por lo que realizamos un gran casting en el que vimos a 1.500 chicas. Descubrí un montón de actrices jóvenes con potencial y sobre todo, descubrí a Kim Tae-ri. Ella tiene un look único y cuando habla tiene agallas.

La doncella es un thriller, una historia dramática sobre estafas con muchos giros inesperados y por encima de todo, es un romance.

Al igual que ocurría en el momento histórico en el que se desarrolla la película, si las protagonistas de esta cinta vivieran en Corea del Sur en la época actual, no podrían contraer matrimonio ya que este país no reconoce el matrimonio entre personas del mismo sexo. En el caso de que hubieran decidido tener descendencia, tampoco podrían acceder al subsidio de los tratamientos de fertilidad, ayudas a familias ni a guarderías gratuitas. La madre no gestante no tendría ningún derecho legal sobre sus criaturas. Por estas dificultades, hay parejas de mujeres coreanas que deciden emigrar a otros países para formar una familia sin tantas complicaciones.

 

Maestro

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Maestro es una película estadounidense estrenada en 2023 dirigida y protagonizada por Bradley Cooper que narra algunos retales de la vida del compositor y director de orquesta Leonard Berstein. La cinta en un principio la iba a dirigir Steven Spielberg, pero finalmente se la cedió generosamente a Cooper quien también se mete en la piel de Berstein. Le acompaña en la historia, Carey Mulligan que interpreta a la actriz chilena Felicia Montealegre, esposa del compositor. Algunas partes de la historia se han omitido a través de elipsis por respeto a los hijos de Berstein, que dieron su aprobación a la película. Estamos ante una historia de amor que se sostuvo a lo largo del tiempo a pesar de las relaciones que el músico, que era bisexual, mantuvo con otros hombres durante su matrimonio con Felicia. Bernstein estaba muy enamorado de su esposa, tal y como aseguró a ‘The New Yorker’ la hija de la pareja, Jamie: Él no podía vivir abiertamente como un hombre gay, pero tampoco podía dejar de amar a su esposa, y se sentía terriblemente culpable por lo que hizo pasar a Felicia. Ambos aprendían y encontraban estabilidad e inspiración en el otro.

La cinta comienza en blanco y negro, con un plano secuencia que nos traslada junto a Berstein desde la intimidad de su piso hasta el Carnegie Hall dónde dirigirá por primera vez a la Filarmónica de Nueva York sustituyendo al indispuesto director titular. Sin tiempo para ensayar, Bernstein asume la batuta con brillantez en lo que supone su salto al estrellato con veinticinco años. Enseguida aparece ocupado escribiendo la banda sonora de un musical, On The Town (En la ciudad). Cooper y Josh Singer, evitan contar todos y cada uno de los triunfos y dificultades de Bernstein en el guión. En cambio abordan un estudio profundo del personaje con sus luces y sus sombras.

Ha sido discutida la bisexualidad del músico, pero la película parece dejarlo claro desde el principio cuando, tras una escena en la que aparece el director en su apartamento con otro hombre, vemos en el plano siguiente, a la adinerada actriz chilena Felicia Montealegre, que a la postre se convertiría en su mujer. Felicia quiere mantener a raya la vanidad de Berstein y le dice al principio de su carrera: No lo olvides, eres un hombre. Algo parecido le decían a los emperadores romanos cuando celebraban públicamente sus triunfos: Recuerda que solo eres un hombre. Felicia siempre fue consciente de la atracción de Berstein hacia los hombres: Sé perfectamente quien eres, le dice, aun así le pregunta ¿Y si Lo intentamos? Los primeros momentos de su romance se presentan como un melodrama en blanco y negro de los años 40, un torbellino de diálogos ágiles, ritmo acelerado y secuencias oníricas.

En una entrevista concedida a la revista Varety el 8 de diciembre de 2023, Cooper comentaba: Siempre he creído que podría interpretar a un director de orquesta, pero ¿puedo investigar y ver si puedo escribir y dirigir yo la historia? El actor contó que estuvo seis años aprendiendo a dirigir para poder dominar la batuta en la cinta durante seis minutos y 21 segundos de música. Se trata de una escena en la que Leonard Bernstein dirige a la Orquesta Sinfónica de Londres, por lo que el intérprete se aprendió todos y cada uno de los movimientos para replicar la escena.

Bradley Cooper se sumergió a fondo en la preparación de su papel: Yo amaba la dirección desde pequeño, pero me refiero a jugar a que dirigía. Le pedí a Santa Claus una batuta cuando tenía como ocho años y dirigía todo el tiempo, porque en mi casa siempre se escuchaba música clásica. El actor también reveló que durante su tiempo en la escuela de posgrado, escribió un monólogo sobre un director de orquesta, consolidando aún más su conexión con esa figura: Sabía que había pasado tanto tiempo creyendo que era un director que, si en algún momento tenía la oportunidad de interpretar a uno , ya habría estado ensayando durante años, aclaró.

En su investigación para dar vida a Berstein, Cooper obtuvo grabaciones exclusivas del maestro que le permitieron conocer de una forma más precisa su manera de dirigir. Además, descubrió la profunda conexión de Bernstein con la música de Gustav Mahler, lo que marcó un punto de inflexión en su enfoque para construir el personaje.

Él (Leonard) amaba a Gustav Mahler y cuando estaba investigando su vida, por alguna razón, nunca escuché la música de Mahler y no sé cómo se me pasó. Para mí es la música más poderosa que he escuchado en mi vida y él la dirigió. Hay un video de él dirigiendo en una catedral y encapsula todo lo que debes saber sobre él como director. Pensé: ‘si puedo aprender a dirigir como lo hizo en esos seis minutos, ese puede ser el pilar de la película’, explicó.

La conexión de Bernstein con Mahler y su dirección apasionada fueron la guía que siguió Cooper para dar vida al aclamado director de orquesta.

Bradley Cooper también asistió a la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Gustavo Dudamel, quien dirigió la misma pieza que Bernstein. Se comprometió con el papel desde el primer ensayo hasta el último, sumergiéndose de lleno en el mundo de la dirección orquestal. Tres años y medio después, viajé con él a Berlín y pasé dos semanas en su compañía y la Filarmónica de Berlín, agregó Cooper. Esta experiencia le permitió comprender mejor a Berstein y solidificó su capacidad para capturar el talento del legendario director en la pantalla.

Además contó con la colaboración de Yannick Nézet-Séguin, director musical del Metropolitan Opera, quien desempeñó un papel esencial en la conexión musical entre ambos. Durante toda la grabación de la película, Séguin estuvo presente para proporcionar orientación y dirección. También creó videos para respaldar la preparación de Cooper. Me guiaba desde un auricular para asegurarse de que estaba en el tempo correcto, contó.

La cuestión antisemita también está en la cinta. En una escena a Berstein le recomiendan que cambie su apellido para no parecer judío porque eso sería un obstáculo en su carrera. Además ya le advierten que para triunfar su vida deberá ser intachable. Esto le llevaría a mantener siempre en secreto sus relaciones con otros hombres. Esas relaciones eran conocidas por su mujer, que, en un momento, al encontrarlo en actitud cariñosa con otro hombre, le advierte: Te estás descuidando. Otra de las escenas que muestra la bisexualidad del compositor sucede en la ópera donde Berstein toma la mano del joven que se sienta a su izquierda mientras su esposa, a su derecha, lo observa con evidente disgusto. En otro momento de la cinta, Felicia le advierte: Si no vas con cuidado, morirás siendo una vieja reinona solitaria.

En la cinta, varios planos sobrios en los que únicamente aparece Felicia, expresan a la perfección su soledad. Sobre las relaciones de Berstein con otros hombres, su mujer advierte al músico que no se atreviese a contarle a su hija la verdad de los rumores que planean sobre él. Entonces Berstein niega a su hija que esos chismes que ha oído sobre su sexualidad sean ciertos.

Respecto a la puesta en escena, la cinta combina formas de cine clásico con notas más contemporáneas. Es una película de escenas ambientadas en un entorno bohemio de Nueva York. Maestro transita por varias épocas sin necesidad de flashbacks. El maquillaje de los actores va anunciando el paso del tiempo. Respecto a la caracterización del protagonista, hay que apuntar la polémica desatada a raíz de la prótesis de nariz que utiliza Cooper porque surgieron voces críticas que lo consideraron un gesto antisemita.

Cooper realiza un homenaje a los musicales de Berstein introduciendo en la cinta pequeños fragmentos de West Side story y Un día en Nueva York.

En la conversación que Berstein mantiene con un periodista durante la película, se define la relación que el director mantiene con la música:

La música es lo más grande que puedo hacer. Amo tanto la música que me aferra a la vida cuando estoy deprimido y puedo estar muy deprimido Amo tanto a la gente que me cuesta estar solo, y eso para componer es complicado. Tengo que creer que siempre, en un remoto lugar de mi alma hay una salida. Sin embargo, Felicia le reprocha que se sube a la tarima solamente para restregarles su talento: Tu verdad te hace fuerte y valiente pero nos impide a los demás vivir con fuerza y valentía, le espeta .

Su forma de entender la vida queda reflejada en lo que les dice a los músicos de su orquesta:

A medida que se acerca la muerte, un artista debe desprenderse de todo lo que le coarta. Un artista debe entonces dedicarse a crear todo el tiempo que le pueda quedar en absoluta libertad. Tengo que hacer esto para mí mismo tengo vivir que vivir todo el tiempo que me queda de vida, sea o mucho, exactamente como yo quiera, mucha gente piensa así hoy en día.

Berstein no solo fue un director, fue un compositor y un pianista y todo lo hizo con excelencia. También fue un gran comunicador que hizo mucho por cambiar la visión que tenía el público en general de la música clásica. La cinta cuenta el talento musical de Berstein sin dejar de lado sus momentos más íntimos que describe con naturalidad.

 

La amiga de mi amiga

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Película española de 2022 dirigida por Saida Carmona que cuenta las vicisitudes de una pandilla de lesbianas treintañeras, muchas de las cuales son amigas en la vida real de la directora. Las protagonistas viven como si tuvieran veinte años, saltando de unas relaciones a otras, enredándose entre ellas en busca del amor, que es de lo que, en realidad, están enamoradas. Esta es una cinta con look amateur y vocación underground rodada en 11 días. Un homenaje a Eric Rohmer y a la nouvelle vague. La realizadora adapta la fórmula de Rohmer a su mirada personal sobre el cine, la vida y las relaciones , dándole a la historia un toque queer con la frescura que envuelve todo el metraje y sin que esa naturalidad refleje descuido en la factura.

Esta historia empieza cuando Zaida, después de una ruptura, vuelve a Barcelona y se encuentra con Rocío, su amiga, que tiene una novia, Lara, que tiene una amiga Aroa, que tiene una novia, Julia. A Zaida le gusta Lara, pero también Aroa. Julia deja a Aroa para enrollarse con Rocío. A Rocío le gusta Julia pero no quiere dejar a Lara y Lara está hecha un buen lío. Además cantan y juegan al tenis y van al cine…

Según contó Zaida Carmona a Ana Satchi en el programa Artisteando de InOutRadio, todo surgió, como tantas cosas, en confinamiento .Yo tenía un guión escrito, pero era muy difícil de rodar con los escasos, nulos medios que tenía. Necesitábamos financiación y entonces, un buen amigo, Marc Ferrer me dijo: ¿Por qué no escribes sobre tu entorno, sobre tus amigas y sobre tus líos? Y fue como bueno, eso quedó ahí y en esa época yo estaba viendo pelis de los noventa sin parar y me obsesioné con el cine de Eric Rohmer y entonces pensé: ¿Cómo sería una peli de Eric Rohmer pero llevada a mi entorno, a un entorno bollero. La amiga de mi amiga está basada muy libremente en El amigo de mi amiga que igual no tiene nada que ver pero que es el germen de la idea. Me puse a escribir junto a Marc, yo hacía una versión, se la pasaba, peloteábamos…Y lo que fue muy curioso, que me encantó, que yo soy muy lenta escribiendo, y aquí me puse a hablar de mis amigas, me puse a hablar de bollerismo y el primer borrador del guión me salió como muy rápido. Luego sí que hubo mucho retrabajo pero salió bastante del tirón. Son cosas que igual no nos han pasado exáctamente, pero si no muy similar y si no a mí a mi amiga.

Y porque el hecho de representarnos y escribir una historia sobre nosotras y hablar así tan libremente y desde esta celebración de nuestra identidad era algo que me animaba mucho y me animaba tanto a escribirlo como a imaginar como a generar este universo que yo creo que fue que se juntaron muchas cosas. La necesidad de escribir algo desde un sitio honesto también, vamos a contarnos. Pasó una cosa muy sorprendente, y es que estamos ávidas de ese tipo de historias. Esta película tiene un presupuesto muy pequeño, está hecha desde los márgenes, que es desde donde creo que se pueden hacer este tipo de películas. Lanzamos un Verkami y se cumplió el objetivo en dos días, sin tener yo una carrera detrás. Yo creo que es por la necesidad de contar nuestras historias, necesitamos contarnos. Tenía muy claro desde el primer momento que quería filmar a mi amiga Rocío Saiz, porque me parece una persona que tiene mucho carisma, la he visto actuar y es increíble, pensé seguro que para este tipo de proyecto se apunta y tiene el morro de ponerse delante de una cámara. Ella se apuntó antes de leer nada. También me apetecía mucho hacer algo con Alba Cross que es una de las protas que en un momento iba a ser ella, luego no iba a ser ella, al final sí que fue. Y luego hay una persona que es clave, que es la persona que hizo de ayudante de dirección, producción, coordinando la pospo, que es Gema Arquero, que es de esas personas que en el equipo técnico queda siempre queda como en la sombra y al final es una persona que sin ella esto no habría sido, al final necesitamos estas redes, este apoyo y más , yo creo, las mujeres y más las bolleras que siempre nos estamos como cuestionando, tener un equipo que esté ahí y a partir de ahí se empezó a unir la gente . Yo escribo esto en 2020, y empezamos a rodar en febrero 2021, durante 11 días en Barcelona y todavía había toque de queda, a las diez teníamos que estar en casa, los bares cerrados. Fue un poco bestia rodar en ese contexto, cada persona del equipo compatibilizando sus trabajos con el rodaje.

Nos costó un poco llegar a las fechas, poder cuadrarlas y cuando empezamos a rodar salió todo superbién, era una maravilla. En el equipo de rodaje todas las jefas de equipo eran tías, tias bisexuales o bolleras , luego el resto del equipo también han sido chicos gais, ha sido casi todo un equipo enteramente LGTBI y eso se notó para bien, había un cuidado y un vamos todos a una que yo no sé si en otros rodajes pasa esa magia . Yo había rodado algún corto, muy pequeñito, con un equipo muy pequeño. Era la primera vez que me metía algo así. Estaba un poco aterrada y, sobre todo, lo complicado era tener la mente dividida en cuándo estoy actuando y cuándo estoy dirigiendo. Porque es como, yo ahora me lo tenía que estar pasando superbién rodando con mi amiga Rocío y estoy agobiadísima porque tenemos una hora para rodar y es algo imposible. Era como estar todo el tiempo en esa disociación. Yo no sé cómo soy como directora, la verdad es que el equipo lo puso muy fácil. Yo soy una persona muy nerviosa, llevo fatal la presión y la verdad es que yo creo que estuve bastante tranquila y lo disfruté mucho. Fue un esfuerzo titánico y colectivo. Las expectativas las hemos superado con creces. La acogida fue muy emocionante. Vienen chavalas súper jóvenes, que yo creí que a una generación más joven esto no le iba a interesar, y me dan las gracias por contar esto y también tías más mayores. Haber conseguido esto en diferentes generaciones, que puedan reflejarse en la pantalla a mí me emociona un montón.

Te estoy amando locamente

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Esta película española estrenada 2023 y dirigida por Alejandro Marín, nos sitúa en Sevilla, año 1977, con la ley de peligrosidad y rehabilitación social vigente. Miguel (Omar Banana), un adolescente gay de diecisiete años quiere ser artista y dejar a un lado la carrera de derecho que Reme, su madre (Ana Wagener) quiere para él. En ese contexto el joven se involucra en la lucha por los derechos de las personas LGTBI.

Alejandro Marín en una entrevista concedida a El cine de la Ser comentó que para hacer la película realizaron un proceso de documentación que les permitió tener un escáner de la situación de la época. Hablaron con personas que vivieron esos momentos, incluso con la familia y de ese proceso surgieron unas conversaciones muy interesantes. El realizador apuntó que quiso hacer un homenaje, desde el cariño, a las personas que enarbolaron la lucha por los derechos LGTBI en esa etapa histórica. Sobre la implicación de los sindicatos y los curas obreros en esta lucha, Marín afirmaba: Queríamos trasladar al presente como la lucha era tan transversal, era totalmente a una y lo que importaba era la causa por la que se luchaba y no tanto desde donde se hacía. Los movimientos feministas estaban mano a mano con el movimiento LGTBI, las luchas sindicales… Comisiones Obreras dejó el lugar para hacer el mitin previo a la manifestación. la participación de los curas obreros, era todos a una . Desde el principio fue esa idea: Esa lucha tan transversal, ¡qué bonita!, hay que recordarla. Decía el cineasta que era importante la lucha sindical porque la Ley de Peligrosidad Social era súper clasista. Había como el informe de buena conducta en el que iba un policía fiscal a tu casa a hablar con los vecinos, en tu puesto de trabajo y si eras de buena familia esos expedientes se perdían, pero si eras de una clase más desfavorecida decían: Uy no este es un peligroso. Y al final es normal que quienes empezaron estas luchas fueran personas de las clases más desfavorecidas. Sobre las escenas de baile y de cante de la película Alejandro Marín contó que él todo lo piensa entorno a la música que es de donde le vienen las ideas. El título le vino porque la intro de Te estoy amando locamente le parecía muy cinematográfica, además pretendía reivindicar la cultura underground sevillana.

Por su parte, la actriz Ana Wagener, también en El cine de la Ser, comentaba que su personaje le parecía muy atractivo: Quería mostrar a una mujer de aquella época sola, viuda, con un hijo de diecisiete años. Que ve pero no quiere ver. Que tiene ya estipulado para su hijo el camino de un buen porvenir: abogado, y de pronto, se le sale de la melodía el niño pero ella no quiere ver. Con Alejandro hablamos que Reme querían que fuera como un elefante en una cacharrería. Una mujer que no sabe lo que le está pasando a su hijo, entonces tira para acá, tira para allá y al final lo que realmente le queda es el amor. Tiene una mirada que finalmente termina reconociendo a su hijo y viendo que la gente le quiere, porque lo que yo creo es que ella tiene miedo de que le dejen de querer, le hagan daño y al final termina abriendo su mirada y haciendo un viaje maravilloso. La verdad es que era una gozada. Ha sido meterme en la piel de una mujer del 77 pero que realmente tiene una fuerza como la que podía tener ahora. Creo que es una película también muy actual, que habla de cosas que deben de escuchar la gente. Que la gente de hoy sepa los derechos que se han conseguido. Los derechos que se pueden perder. En la película me doy cuenta de la sensación de colectivismo que había, porque ahora el individualismo del ser humano es tremendo. En aquella época, yo creo que se vivía mucho más el colectivo.

Omar Banana decía sobre su rol en la cinta: Ha sido muy bonito, por dar voz a un personaje que representa a tantas personas que han pasado por tantas cosas, en el 77 y 78 y que siguen pasando. Es un poco el arquetipo de la persona abusada por la sociedad antilgtb o la sociedad fascista. Era dar voz a algo bastante necesario. Y meterme en el Miguel de diecisiete años del 77 y no en el Miguel de diecisiete años de 2022. En cuanto a la música y el baile, el actor decía que cuando Miguel decía que quiere ser cantante, no es que quiere ser cantante como tal. Vaya o no vaya a Gente Joven, lo importante para él es la liberación. El cante y el baile es un medio de liberarse, de ser quien quiere ser, cortar las ataduras que en su entorno familiar tiene. Entonces hemos usado el cante y el baile para transmitir a la gente una idea de liberación y de poder ser tú mismo.

El deseo de libertad, de ser sin miedo está presente también en Yo solo quiero amor, de Rigoberta Bandini, la canción de la película:

(…)Tengo ganas de no explicar por qué.
Yo te quiero querer sin miedo a que puedan
volver. Tengo ganas de saltar a tus pies,
levantar el parqué. Contarle a Dios, quién
quiero ser.

Orlando, mi biografía política

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

En 2023 el filósofo trans Paul B. Preciado dirige y guioniza este ensayo filmado producido en Francia. Preciado escribe una carta a Virginia Woolf para contarle que su Orlando ha salido de la ficción y lleva una vida que jamás habría imaginado. Utiliza el cine como herramienta para reflexionar sobre la transexualidad.

Alguien me preguntó: ¿Por qué no escribes tu biografía? Porque la capulla de Virginia Woolf la escribió por mi en 1928, comentó Preciado en una entrevista concedida a El cine de la Ser. Según el filósofo burgalés, la película surgió de la idea de enviarle una carta a Virginia Woolf para decirle que, contra toda expectativa, su Orlando ha sobrevivido, está vivo, ha salido de su ficción y no solamente ha salido de su ficción sino que hay miles y millones de Orlandos. Para el filósofo, estamos viviendo un momento orlandesco y que ese momento no es como hubiéramos podido imaginar, como una historia de ciencia ficción como la gente pensaba que lo era en 1928 sino que es un momento de transformación política increíble. Preciado quiso añadir al título biografía política porque dijo que en parte la vida de las personas como yo ha sido siempre puesta en cuestión, amenazada y si estamos vivos estamos vivos gracias a una reivindicación política, por tanto, quería añadir esa pequeña “política” ahí, aunque luego es verdad que la forma de política que defiende la película es una política poética, es una política de cambiarle el nombre a las cosas, de cambiar la manera en la que deseamos, en la que sentimos.

Cuando le ofrecieron la posibilidad de hacer una película sobre su vida pero que no la iba a hacer él sino que la iba a hacer otro director, la idea le espantó. Entonces pensó: Esto es horrible, porque además harán una biografía, es decir si imaginamos una biografía casi ya tenemos el relato hecho. Si es un hombre, ya sabemos cómo va a acabar la historia, si es una mujer más o menos también. Y luego está como el relato ese tan normativo de lo trans, antes y después. Y yo tenía claro que no quería que mi vida fuera representada de ese modo, digamos con esa mirada binarie. Por eso al final acabé yo haciendo la película. Pero desde el principio supe que yo no estaría en frente de la cámara . Yo soy muy tímido, yo odio todo lo que tiene que ver con las fotos que para mí es como un sufrimiento constante. Entonces yo sabía que sería mi vida pero que mi vida, en parte, está tejida de millones de otras vidas. Aparte es una cosa que yo aprendí con Virginia Woolf realmente: que la vida siempre empieza y acaba mucho antes de que nacemos y mucho después de que morimos y eso realmente es fascinante. Como que vives la vida de otras personas y empiezas a vivir la vida de otros que seguirán viviendo y por eso, al final la película es casi como un taller micro político colectivo. Yo la he hecho de una manera muy punk, una forma muy háztelo en casa. Yo tenía muy poco presupuesto y hubo que inventar recursos. Pero al final está hecha con la generosidad y la valen toda la gente que ha participado.

La idea de Preciado no es convencer a nadie con su película sobre cómo es lo trans sino también a invitar a mirar su propia vida como una vida mutante, como una vida en un momento de cambio global. Se plantó hacer una adaptación documental del Orlando de Virginia igual que un libro, como un proyecto filosófico. Empezó a hacer pruebas distintas con los Orlandos que vinieron al casting y se dio como una consigna de libertad absoluta en la experimentación visual. Pensó que utilizando el leguaje de Virginia Woolf podía dejar a un lado los lenguajes de la patología médica, como los lenguajes ultra legalistas, todos esos lenguajes quedaban fuera.

El filósofo/director afirmó que la película lo que dice a las personas binarias es en un momento de cambio epistémica es posible que no tengáis nuestra experiencia pero es posible que tengáis otra; es posible que estéis desplazados, es posible que estéis divorciados y que estéis en un litigio para recuperar a vuestros hijos incluso para recuperar vuestras casas. Todo el mundo, incluso con la experiencia del Covid, la gente ha tenido la experiencia de como su cuerpo ha sido regulado de forma casi totalitaria por el estado. Entonces yo creo que compartimos muchas experiencias. No se trata de decir “todo el mundo es trans”. Se trata de decir todo el mundo vive una vida orlandesca. La experiencia de confrontarse a la mutación es también válida para las personas binarias. No es una película pedagógica, no se trata de convencer a nadie sino de invitar a las personas a ver su propia vida como una vida mutante.

Beautiful Thing

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Película inglesa de 1996 dirigida por Hettie McDonald. Jamie, un chico de 16 años, vive en un barrio humilde de Londres con su madre, Sandra. Jamie sufre bullying en el instituto por lo que falta a clase cada vez que tiene ocasión. El joven vecino de Jamie, Ste, tiene que soportar constantes palizas por parte su padre y de su hermano. Cuando Sara encuentra Ste llorando lo lleva a su casa para apartarlo del maltrato que sufre. Entre Jamie y Ste surgirá una relación de amor.

La cinta se estrenó en un canal privado de televisión del Reino Unido como una tv movie más, pero su éxito fue tal que dio el salto a la gran pantalla llegando a estar presente en festivales de la talla de Cannes y San Sebastián.

El guión está basado en la obra de Jonathan Harvey también dirigida por McDonald que se estrenó en el teatro Bush de Londres el 28 de julio de 1993. En 2014 se representó en España bajo el título Maravilloso y la dirección de Noé Muñoz

La cotidianidad de las situaciones aporta naturalidad a la relación que surge entre los dos jóvenes a través de una narración sincera en la que afloran los sentimientos de los protagonistas, sus deseos, miedos y preocupaciones. Estamos ante una historia de amor apartada de los convencionalismos visuales sobre la homosexualidad. La cinta se acerca al tema a través de una narración honesta, neutral y sin dramatismos. Beautiful thing es la historia de dos jóvenes que descubren sus sentimientos y deciden afrontarlos en el entorno en el que les ha tocado vivir. El acierto de las localizaciones, nos permite sumergirnos en el ambiente propio de los barrios obreros de Londres. .

La banda sonora se apoya en el soul y en canciones de los 70 y 80. Mama Cash se convierte con su música en un personaje más de la cinta que además, nos ayuda a acercarnos al personaje de Leah, la excéntrica vecina de Jamie. Destacan los temas Dream a little dream of me y Make your own Kind of music, que suena en uno de los momentos más especiales de la cinta.

El final feliz de la película contrasta con los finales trágicos desafortunadamente frecuentes en películas sobre relaciones homosexuales. Hay que recordar que en 2006 se había estrenado Brokeback Mountain, historia de amor entre dos vaqueros de triste final. Durante mucho tiempo, el cine y la literatura, han transmitido un mensaje negativo sobre las personas LGTBI con el fin de reprimir, demonizar e invisibilizar la diversidad sexual y de género: Si te apartas de la heteronormatividad tu vida será un infierno. Esta cuestión es el tema central de El celuloide oculto, documental estadounidense de 1995 dirigido y escrito por Rob Epstein y Jeffrey Friedman que analiza el tratamiento de los personajes LGTBI en el cine de las grandes productoras de Hollywood. El documental entrevista a personas vinculadas a la industria de Hollywood que comentan, en base a escenas de películas, sus propias experiencias sobre el tratamiento de personajes LGTBI en el cine estadounidense; desde la ridiculización del homosexual a través del mariquita o los gais amargados y crueles y la codificación de los personajes LGTBI debido a la censura impuesta por el Motion Picture Production Code, más conocido como Código Hays.

 

Ammonite

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Dirigida por Francis Lee en 2020, realizador de Tierra de Dios (2017). La película, coproduccida por el Reino Unido y Australia, está basada en la vida de la paleontóloga Mary Anning a la que da vida Kate Winslet. El argumento de la cinta se centra en la relación entre Anning y Charlotte Murchison, personaje interpretado por Saorise Ronan.

La acción se sitúa en los años 40 del siglo XIX. Mary Anning, elogiada paleontóloga, trabaja sola en la indómita costa sur de Lyme, Inglaterra. Anning, apartada de éxitos pasados, se afana en buscar fósiles para vender a turistas adinerados y sustentar así el hogar que forma con su madre, viuda enferma que depende de su hija. Uno de esos turistas, el adinerado Roderik Murchison, pide a Mary que cuide de su esposa aquejada de melancolía. Quiero que camine por la costa con usted, que aprenda de usted, le solicita el atribulado caballero. Anning no puede negarse a aceptar un encargo que, aunque no le agrada, aliviaría la maltrecha economía familiar. A pesar de las diferencias sociales que separan a ambas mujeres, entre ellas surge una conexión que les hace comprender que pueden ofrecerse mutuamente aquello que necesitan. De esta forma, surge una historia de amor que desafiará las convenciones morales de la época. Esta película viene a reivindicar la figura y la obra de Mary Anning cuyo aporte a la paleontología es indudable a pesar de que su labor ha sido invisibilizada, como ha ocurrido con otras grandes mujeres a lo largo de la historia.

Kate Winslet admiraba el trabajo de Lee en Tierra de Dios, película que a la actriz le había gustado por el ritmo y la emoción que el realizador imprimió a la historia. La actriz contó para Attitude que cuando el director le ofreció el papel no se lo pensó, aceptó antes de leer la primera página del guión. La relación entre las dos mujeres le pareció muy convincente. Kate Winslet siente admiración por Anning, una mujer autodidacta, dedicada a la paleontología en una sociedad patriarcal, en un entorno salvaje, con gran talento y a la que acabaron hurtando la autoría de su trabajo simplemente por el hecho de ser mujer. Winslet piensa que fue un acierto contar la historia de amor entre Mary y Charlotte. Para la actriz, si se hubiese emparejado a Anning con un hombre, éste no se hubiera sentido digno de ella puesto que Mary, a pesar de ser duramente tratada por la sociedad y habitar en un ambiente dominado por los hombres, era mejor que todos ellos.

Sobre la construcción de su personaje, Winslet contó que dado que Ammonite está ambientada en una época en la que las mujeres estaban silenciadas socialmente, su personaje era callado e introvertido. Tuve que conectarme mucho en el movimiento y la expresión de Mary, su forma de comunicarse. Debía elegir cuando sonreiría. Ella no sonreía habitualmente. Cuando lo hacía significa que era un momento importante.

Respecto a la relación íntima que aparece en la película entre Mary y Charlotte, hay quien criticó ese aspecto de la película argumentando que no existen evidencias históricas de que esa estrecha unión entre ambas mujeres hubiese existido. Sobre esta cuestión, Winslet afirmó que tampoco existen evidencias históricas de que Anning se casara o tuviese relaciones con hombres, por lo que es lícito explorar otras hipótesis sobre su vida afectiva, profundizar en lo que pudiese haber ocurrido. No entiendo por qué eso importa. No entiendo qué diferencia que hay entre quien era Mary y sus extraordinarios logros, al empajarla con una mujer. Yo amo y defiendo las historias de amor entre personas del mismo sexo y cualquier historia LGTBQ que podamos tener en nuestras manos. Y espero que podamos normalizar estas relaciones en el cine sin duda, secreto ni miedo. Y lo que me encanta de esta película es que no hay ningún elemento de vergüenza en la relación entre Mary y Charlotte. Su amor no está oculto de ninguna manera. Simplemente se aman. Y si incorporáramos más historias LGTBQ a la historia principal, contribuiríamos de una manera honesta a normalizar estas historias. Me sentí honrada de contribuir a la evolución de la forma en la que se presentan a las personas LGTBQ en las películas. Si la relación que muestra la película fuese heterosexual, no habría ningún comentario, por qué tiene que haberlo cuando la relación es entre personas del mismo sexo. Una persona es una persona.

Kate Winslet, que ya había interpretado personajes lésbicos en Criaturas celestiales (1994) y en Iris (2001), afirmó que todavía hay una gran falta de películas LGTBQ y esto debe cambiar. La película está construida a base de miradas furtivas y roces fugaces. Preguntada por la conexión que tuvo con Saorise Ronan en la película, Winslet afirmó que lo que hicimos en el ensayo fue trazar el arco emocional de Mary y Charlotte asegurándonos todo el tiempo, no solo de planificar los momentos específicos de conexión física porque hay muy pocos, aunque obviamente tenemos esas dos escenas íntimas muy significativas, porque se dicen tanto con las miradas y en los pequeños toques, como cuando Charlotte deja su mano en el hombro de Mary durante unos segundos demasiado largos. Respecto a las escenas íntimas, la actriz dijo que al hacer esta película se dio cuenta de que al eliminar los estereotipos heterosexuales, se abre el espacio para la libertad, la igualdad, el anhelo y la conexión reales. Simplemente se abre la tapa y fue realmente increíble. Ttener ese tipo de vínculo femenino, no solo ese vínculo de comprensión, las mujeres saben lo que quieren, los hombres no siempre lo saben y, a veces, hay que decírselo En realidad fue muy diferente, me enseñó mucho.

Abundando en el tema de las escenas de sexo que aparecen en la cinta, Winslet comentó que las rodaron como si fuera una coreografía. Afirmó que se sintió muy segura grabando esas escenas con Saorise. Las dos actrices acordaron los movimientos que iban a realizar con la intención de que todo resultase lo más natural posible. Winslet contó que sentía que Saorise y ella tenían la misma idea sobre lo que querían expresar en la escena. Para la actriz lo más importante era la conexión emocional entre las dos mujeres. Cuando vio el resultado terminado dijo sentirse enfadada por cómo se había comportado como mujer cuando participó en escenas íntimas en el pasado. Afirmó que , aunque nunca se sintió dominada o anulada, ahora era más consciente de cómo la mayoría de las escenas de sexo cinematográfico están informadas narrativamente únicamente por personajes masculinos y la mujer es dirigida de alguna manera. Sin embargo, para ella, Ammonite resultó muy igualitaria, muy segura, completamente neutral, respetuosa y conectada. Fue un diálogo entre dos personas. Kate Winslet reprogramó la escena de amor para que coincidiera con el cumpleaños de Saorise y la joven actriz tuviese un buen recuerdo de la película.

En cuanto a la puesta en escena, la cinta nos traslada por momentos desde la inmensidad de los paisajes abruptos, donde las protagonistas buscan fósiles, hasta la intimidad de las dos mujeres a la luz de la velas. El director nos transporta con voluntad realista a 1840 apagando la paleta de colores, estrechando el marco del plano y limpiando la narración de diálogos y música.

Francis Lee nos muestra dos veces a una mujer arrodillada fregando el suelo dejando suficientemente claro el papel de las mujeres en la sociedad de la época. Además la aparición en la historia de otro personaje femenino que tiene un encuentro áspero con Mary o las miradas de su madre, sugieren el pasado de la paleontóloga.

Los hallazgos más destacados de Mary Anning fueron el primer esqueleto de ictiosauro , los dos primeros esqueletos de plesiosauros, el primer esqueleto de pteosaurio encontrado fuera de Alemania y algunos fósiles de peces importantes. El sexo y la clase social de Anning fueron las razones de que le impidieran participar en la comunidad científica del siglo XIX ,dominada por ricos hombres anglicanos, y de que no se reconociesen sus contribuciones.

 

 

20.000 especies de abejas

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Estrenada en 2023, 20.000 especies de abejas es una película escrita y dirigida por Estíbaliz Urresola Solaguren y protagonizada por Sofía Otero, Patricia López Arnáiz Ane Gabarain e Itziar Lazcano. Seleccionada para competir en el Festival de Cine de Berlín, su protagonista, la niña Sofía Otero, ganó el Oso de Plata a la mejor interpretación protagonista. Además, la película fue nominada al premio Teddy y Urresola obtuvo una nominación al Premio GWFF a la mejor dirección novel. También consiguió la Biznaga de Oro a la mejor película española de la 26ª edición del Festival de Málaga.

Cocó (Sofía Otero) tiene ocho años y no se identifica con el género que le han asignado al nacer. La llaman Aitor pero ella no reconoce ese nombre como suyo ni se ve reflejada en la mirada de quienes la rodean. Durante un verano que pasa en la casa del pueblo del País Vasco, Cocó reflexionará sobre su feminidad junto a otras mujeres de su familia.

En una entrevista concedida por Estíbalíz Urresola durante el Festival de San Sebastián, la directora afirmó que desde el principio tuvo claro que no se quería centrar solamente en el viaje del personaje trans de la película, sino que la quería rodear de unos personajes suficientemente construidos, poderosos y fuertes como para poder observar que lo que se transforma ahí no es la niña, que la niña no emprende una transición, que la transición la emprende la familia al completo y cómo esa transición también ofrece a los miembros de esta familia, que son mayoritariamente mujeres, la oportunidad de aprender algo de sus propias vidas. Ese aporte en positivo era importante traerlo al relato. El cómo afrontar este proceso no tiene porqué ser una calamidad, una tragedia, un sufrimiento para la familia, por supuesto sin evitar las sombras y las asperezas pero sí que quería también, incidir en en cómo podía ser una oportunidad de aprendizaje para el colectivo. Ese ha sido uno de los retos más grandes. Quién realmente hace el arco mayor en ese proceso de aceptación quizás es la madre, sin embargo, no es menor el recorrido que hace la niña. La protagonista de la película es la relación entre esa madre y esa hija. Esa forma de mirarse y entenderse que hace que también que la otra se construya a través de esa mirada. Es una relación bidireccional, esa es la relación que se transforma. Conseguir el equilibrio en esa relación ha sido mucho trabajo de guión.

Un traumático suceso ocurrido en el País Vasco desembocó en el guión y en el rodaje de esta película. Ekai un chico trans de dieciséis años, se suicidó en Ondarru, muy cerca del lugar donde vive la directora. Ese suicidio conmocionó a la sociedad vasca y consiguió visibilizar la realidad de la adolescencia trans porque era un tema del que no se hablaba. Este hecho impulsó a la realizadora a acercarse a la asociación de familias de menores trans. Según comentó, nunca quise basarme en la historia de Ekai ni hacer un relato de él, pero sí quería comprender, a través del resto de familias, ya que esta iba a estar pasando por un proceso suficientemente doloroso. En la relación y en el proceso de conversación con estas familias, fui encontrando el enfoque y el valor también que ellas ponían sobre la mesa, de lo que había sido atravesar estos procesos de acompañamiento y que en muchas ocasiones, habían fortalecido los lazos familiares. En algunos casos se habían degradado, pero no porque este caso los degradara, sino porque ya eran frágiles y quizás hacer un acompañamiento así hace que termine por romperse lo que está quebrado ya. Pero en otros casos la familia se había visto más unida porque había visto la oportunidad de mirarse y de comprenderse unos a otros dentro del seno familiar de una forma nueva, con otra atención, desde otro lugar y eso para mí era una de las cosas más reseñables de las entrevistas que hice con estas familias y quise traer esta positividad, sin esquivar las sombras. Esto desde el inicio del guión era algo que quería imprimirle a la peli.

Para Patricia López Arnáiz, según manifestó en el estreno de la película, es el personaje más complejo que ha interpretado. Meterse en el papel de la madre le supuso descubrir la realidad que estaba detrás de la escritura. Contaba que fue un trabajo de ensayo y de generar relaciones entre los personajes para construir la memoria familiar. Para crear su personaje debía explorar la manera de afrontar la situación que se le presenta. Según la actriz , el personaje de Cocó viene a romper el eslabón de la falta de comunicación entre las mujeres de la familia. Les trae un regalo al generar una tensión que rompe la incomunicación. Arnáiz decía que estamos ante una película que habla mucho de la identidad, de cuánto hay de la mirada ajena en tu identidad y de cómo tu identidad se basa en la percepción que tienes de ti. Igual que Cocó, está pidiendo que se le llame de una manera determinada, la madre se está buscando también. Según contaba la interprete, en Ane hay un despertar, gracias a lo que le pasa a Cocó, ella se da cuenta de que quiere que le llamen por su nombre.

La presencia de la apicultura en la película da pie a deslizar la metáfora implícita en el título sobre lo variado de la colmena humana. El abordaje de Cocó y las reacciones que provoca a su alrededor, se realiza con delicadeza, manteniendo una actitud respeto hacia los personajes, sean del signo que sean, siguiendo el precepto consagrado por Jean Renoir: Todo el mundo tiene sus razones.

 

El banquete de bodas

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Ang Lee dirigió esta película taiwanesa en 1993. El guión lo firman el propio Lee junto a James Schamus y Nelll Feng. Simon y Wai-Tung son un pareja gay que vive en Manhattan. Ante la inminente llegada de los padres de Wai-Tung, organizan una boda de conveniencia entre Wai-Tung y Wei-Wei, una joven inmigrante que necesita la carta verde de inmigración para poder permanecer en los Estados Unidos. Todo se complica cuando los padres de Wai-Tung llegan a Nueva York y pretenden organizar el banquete.

Lee es un punto medio entre Woody Allen y Eric Rohmer. El cineasta consigue tener una objetividad sobre los personajes que hace que en sus películas no haya ni buenos ni malos. Esa objetividad no es indiferencia, sino una suerte de simpatía hacia los personajes que recuerda a Renoir. Destaca en el realizador su capacidad para rodar desde la distancia justa, la habilidad para colocar la cámara en el lugar adecuado, la cotidianeidad que imprime a sus escenas y la utilización de elementos cómicos que , a veces, resultan totalmente disparatados pero siempre dentro de un enorme realismo y espontaneidad. Estos toques de comedia el director los mezcla hábilmente con un cierto melodrama para tratar cuestiones de familia y de convenciones sociales. que es común denominador en todas sus películas. Por otro lado señalar el toque oriental de la cinta, que recuerda a El Viaje a Tokio de Ozu . Sobre los puntos en común de ambas películas, señalar que utiliza el mismo material: las relaciones dentro de una familia que está en estado de dispersión .’En este caso la dispersión es cultural y geográfica. En la película, Ang Lee trata a los personajes con objetividad pero siempre con una actitud positiva. Esto hace que la cinta tenga una gran frescura.

El Nueva York de Ang Lee es muy personal y así se refleja en las escenas de esta película con las calles y los restaurantes que filma. Hay una escena, cuando están comiendo, en la que se ve el río y podemos sentir la humedad a través un plano inusual de la gran manzana. Y todo ello sin una impronta orientalista de las localizaciones. Por otro lado, la escena en la que los dos protagonistas hablan por teléfono está cargada de emotividad y afecto. A ello contribuye la planificación que nos muestra una relación pura y consistente llena de amor. El director va subiendo la escena de tono poco a poco hasta que termina en un abrazo. La economía de medios se nota en los planos largos que rueda el director. La forma en la que los actores se mueven por los espacios imprime a las escenas de esa cotidianeidad que, como se ha mencionado anteriormente, caracteriza a Lee. Con esa misma impronta de lo cotidiano , el realizador describe la relación de amor entre los dos hombres de la misma manera que hubiese contado una relación heterosexual.

Las situaciones que se `producen con la organización de la boda están rodadas con gran frescura. La fiesta es una locura que tiene planos de comedia disparatada. Sin embargo también se filma con normalidad lo que permite que cualquier persona que vea la película, independientemente de su nacionalidad o su cultura, se pueda identificar con esos momentos. Hay un momento en la preparación de la boda, cuando están peinando a la novia, en el que esta parece tener la ilusión de que al final se quedará con Simón, lo que nos hace pensar en su soledad. Esta circunstancia también se plasma en la escena de la bienvenida en el aeropuerto. Wei Wei quisiera que esa fuera su familia también.

Un tema que trata la película es la problemática de las personas que están en situación administrativa irregular en Estados Unidos y la frustración que muchas veces les provoca esa circunstancia vital. Es esta circunstancia, la que lleva a Wei Wei a aceptar el matrimonio de conveniencia. Sin embargo hay un instante en la que la chica dice: Quizás no haya merecido la pena tanto esfuerzo para esconderse en Estados Unidos. La cuestión es que hay millones de personas que buscan un lugar estable que difícilmente les llega porque nunca serán como las personas nativas que tienen unas posibilidades de prosperar que les vienen dadas por el nacimiento.

La cinta trata con habilidad la relación entre Taiwan y la China continental. Con destreza nos describe la necesidad que tienen todos los personajes de entenderse a pesar de pertenecer a culturas distintas. La escena de la presentación en el aeropuerto recuerda a Ozú. También destaca la escena del hospital en la que Wai Tung , de espaldas, le cuenta la verdad a la madre y va sintiendo una liberación a medida que habla. Cuando el joven termina, la madre le espeta: Tu padre no debe saberlo, eso le matará. Esta frase describe a la perfección el trauma que, a veces, supone para algunos padres el hecho de que sus hijos tengan una orientación sexual o una identidad de género no normativa.

El guión sabe alternar la comedia de equivoco con el drama. Planea siempre el miedo de que el padre , que está enfermo del corazón, se entere de la relación entre su hijo y Simon. Los secretos familiares que provocan el drama se mezclan con los momentos de comedia de enredo.

Dentro de los personajes principales solo hay un occidental, Simon que aparece habitualmente en un segundo plano sin embargo siempre eso no disminuye su peso en la historia. Es un personaje muy bien tratado. El joven americano tiene un gran encanto, se enfada en un par de ocasiones, pero con motivo. En la despedida, el padre le dice a Simon que cuide de Wai-Tung, mostrando así su aceptación a la relación entre el joven americano y su hijo.

El director dedica la película a una pareja de amigos suyos que cuando vienen los padres tienen que cambiar la decoración de su casa para que no se diesen cuenta de la relación que ambos tienen.

Retrato de una mujer en llamas

Por Charo Alises (@viborillapicara)

#CineLGTBI

 

Película francesa dirigida por Celine Sciamma en 2019. La acción se sitúa en Francia, año 1770. Marianne debe pintar, por encargo de una condesa, el retrato de bodas de la hija de ésta, Héloïse, que abandonó el convento y no tiene claro su próximo matrimonio, al que ha accedido por guardar obediencia a su madre. La artista tiene que llevar a cabo la encomienda sin que Héloïse lo sepa ya que aborrece la idea de dejarse retratar solo para complacer a su futuro esposo. Con el propósito de cumplir su cometido, Marianne investiga todos los días a la muchacha. La negativa de Heloïse a permitir que la pintora la retrate dará lugar a acercamientos y rechazos que acaban por entrelazar los anhelos de las dos mujeres.

Sciamma se centra en representar el surgimiento del amor. Marianne, al tiempo que plasma en el lienzo la imagen de Héloïse, se va enamorando del cuerpo de su modelo. Desde los cuidados títulos de crédito – breves trazos de pincel sobre un lienzo en blanco, anticipo de lo que vendrá después- cada una de las imágenes, cada encuadre pretenden aprehender el magnetismo entre la pintora y su modelo. Adèle Haenel y Noémie Merlant, a través de medidas expresiones y, sobre todo, de las miradas y los silencios que se intercambian, dan forma a la pasión que las consume.

La simplicidad expresiva de Sciamma provoca que la belleza se desborde sin hacer alardes visuales. La realizadora utiliza la panorámica para trazar el dramatismo de las imágenes. Con el plano-contraplano encierra los rostros de las actrices en ajustados encuadres. Los primerísimos planos mantienen a las protagonistas separadas y en el momento en el que nace el amor, aparecen juntas en el encuadre.

Una de las escenas más relevantes de la película es el momento del aquelarre. A través de un travelling lateral, las brujas empiezan a cantar y a dar palmas y al acabar el travelling, con la música que llena el fondo sonoro, Marianne mira a Héloïse a través del fuego, se distorsiona la imagen por el calor y vemos el vestido de Héloïse en llamas, imagen que da título al film.

Otro momento destacable de la cinta tiene lugar cuando se ha practicado un aborto y las dos mujeres acuerdan reproducirlo para que Marianne lo pinte, convirtiéndolo en un evento público y comunitario. Esto se le ocurre a Sciamma después de leer El Acontecimiento , libro en el que Annie Ernaux describe su propio aborto clandestino. A raíz de esa obra, la realizadora decide incluir la escena. Al elevar a lo público el aborto, Sciamma empodera a las protagonistas y las hace partícipes de su propia historia.

Los trabajos de fotografía comenzaron en octubre de 2018 y duraron 38 días. Sciamma y la directora de fotografía Claire Mathon, se dedicaron a visitar museos para ver obras de pintoras del siglo XVIII.

El rodaje se desarrolló en Saint-Pierre-Quiberon en Bretaña y en un castillo en La Chapelle-Gauthier, Seine-et-Marne. En este castillo no se podía instalar ningún tipo de de aparato de luces, por lo que las escenas están rodadas con luz natural y de candelas. Las pinturas y bocetos que aparecen en la película son obra de la artista Hélène Delmaire. Pintó 16 horas todos los días durante la filmación. Sus manos también aparecieron en la película.

Retrato de la mujer en llamas bebe de la pintura, la literatura y la música, con el acompañamiento del magistral Vivaldi.

La película reivindica a las mujeres pintoras de épocas pasadas invisibilizadas por siglos de hegemonía masculina en el arte. Noémie Merlant afirmó no considerar la cinta como una película de época. Para ella es muy actual, habla de mujeres, entramos con ellas en la intimidad en la que rompen con todas las reglas y los protocolos, todo eso que las ahoga y las constriñe. Y también está esa asociación en el arte y en el hecho de que no haya una musa y una pintora. No, aquí hay una colaboración. Esa mirada de igualdad me conquistó. Para Sciamma se trata de una historia de amor e igualdad donde los personajes se relacionan como iguales, no importa de quien se trate. Yo quería una horizontalidad en las relaciones amorosas y de amistad. Igual que entre el artista y la modelo, es una película sin verticalidades. En ese sentido creo que es bastante subversiva.