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Curiosidades, anécdotas e historias sorprendentes para ser cada día un poco más listos.

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¿Sabías que Orson Welles dirigió una escena lésbica para una película porno?

Orson Welles destacó por ser uno de los artistas más versátiles que ha dado la Historia. Trabajó en la radio donde se hizo inmensamente famoso por su retransmisión de ‘La guerra de los Mundos’ en 1938, fue actor, director, productor y guionista, cosechando numerosísimos premios a lo largo de su fructífera carrera.

¿Sabías que Orson Welles dirigió una escena lésbica para una película porno?

En 1975 (a los 60 años de edad) estaba en pleno proceso de creación de la que debía ser su última película ‘The Other Side of The Wind’, la cual llevaba rodando desde hacía cinco años y le tenía algo desesperado porque no lograba finalizarla. En su equipo de rodaje contaba con Gary Graver, quien realizaba las tareas de director de fotografía y a quien tenía trabajando sin remuneración alguna.

En aquellos momentos Graver quería hacerse un hueco en la industria del cine y el hecho de trabajar para Welles le compensaba enormemente, aunque fuese sin cobrar.

Al mismo tiempo este director de fotografía se encontraba rodando como director películas para adultos bajo el seudónimo de Robert McCallum (rodó alrededor de 135 filmes porno, la mayoría bajo ese nombre y unas cuantas como ‘Akdov Telmig’) y Orson Welles quiso devolverle el favor de haber trabajado gratis para él dirigiendo una escena de la película pornográfica que tenía en marcha en aquellos momentos.

Su título era ‘3 A.M.’ y Welles dirigió una escena lésbica, de seis minutos de duración que se producía en una ducha, protagonizada por las actrices Georgina Spelvin y Claire Lemmiere (que eran pareja en la vida real).

De ese modo Orson Welles devolvió el favor a Gary Graver, quien agradecido por el regalo del genial director trabajó para él en los siguientes proyectos que tenía como productor.

Eso sí, durante cuatro décadas se mantuvo el secreto la participación de Orson Welles en la filmación de la escena porno y no fue hasta la publicación del libro ‘Orson Welles’s Last Movie’ de Josh Karp, en 2015, cuando se hizo pública esta curiosa anécdota.

 

Si tienes curiosidad por visionar la escena lésbica que dirigió Orson Welles, puedes hacerlo a través del siguiente enlace: https://es.tubepornclassic.com/videos/1410/3-am/ (la encontrarás a partir del minuto 28:20)

 

 

Te puede interesar leer también el post relacionado: Orson Welles no fue el primero, 12 años antes otro locutor creó el pánico en Londres a través de la BBC

 

Lee en este blog otras curiosidades relacionadas con el sexo

 

 

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Fuentes de las imágenes: Wikimedia commons / todocoleccion

¿Por qué se llama ‘Óscar’ a las estatuillas de la Academia estadounidense de cine?

¿Por qué se llama 'Óscar' a las estatuillas de la Academia estadounidense de cine?

Los Premios Oscar fueron entregados por primera vez el 16 de mayo de 1929 por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas. La estatuilla fue diseñada por Cedric Gibbons, el director artístico de Metro Goldwyn Mayer y esculpida por George Stanley.

En un principio estaban hechas de bronce macizo bañado en oro, y aunque durante la Segunda Guerra Mundial pasaron a hacerse de yeso pintado debido a la escasez de materiales, en la actualidad están hechas de metal con un baño de oro. Mide alrededor de 34 centímetros y pesa cerca de cuatro kilos.

La figura representa a un caballero con los brazos cruzados y armado con una espada sobre un rollo de película de cinco radios, cada uno simboliza las cinco ramas originales de la academia: directores, productores, guionistas, actores y técnicos.

El premio fue oficialmente bautizado como Academy Award of Merit [Premio de la Academia al Mérito], pero según la leyenda más conocida (que la propia academia de cine estadounidense no desmiente y es defendida por la mayoría de fuentes) fue Margaret Herrick (en aquel momento bibliotecaria adjunta y más tarde directora ejecutiva de la propia Academia) la que bautizó a la estatuilla como ‘Oscar’, por su gran parecido con su primo Oscar Pierce, a quien llamaba cariñosamente Tío Oscar. Este mote comenzó a hacerse popular especialmente después de que Sidney Skolsky lo utilizase en 1934 al escribir un artículo sobre el primer premio a mejor actriz que ganó Katharine Hepburn por Gloria de un día.  Sólo cinco años más tarde, en 1939, el galardón adoptó oficialmente el nombre de Oscar.

Cabe destacar que hay quien no está de acuerdo con esta versión y defiende que nada tuvo que ver Margaret Herrick, sino que fue directamente el columnista Sidney Skolky a quien se le ocurrió recordando un viejo vodevil (comedia teatral cómica basada en enredos) en el que uno de los actores preguntaba al director de orquesta (llamado Óscar) si le apetecía fumar un cigarrillo. Éste se quedaba quieto como una estatua, un semblante que le recordó a ese tipo en el momento de ver la estatuilla de los premios Oscar a la que acababa de asistir y de la que tenía que escribir la crónica mencionada en el párrafo anterior. Dicha versión de los hechos está recogida en la autobiografía de Skolky: ‘Don’t Get Me Wrong – I Love Hollywood’.

 

En el siguiente vídeo podréis ver la sección de curiosidades que realizó una vez al mes, en catalán, en el programa Ben trobats de la televisión local de Cataluña (La Xarxa tv) y el canal 159 de Movistar+. El pasado lunes 20 de febrero expliqué varias curiosidades relacionadas con el mundo del cine, entre ellas el porqué se llama Oscar a los premios del cine americano.

 

Otras curiosidades relacionadas con los Premios Oscar:

 

 

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¿Sabías que ‘El cantor de jazz’ no fue realmente la primera película sonora de la historia del cine?

¿Sabías que ‘El cantor de jazz’ no fue realmente la primera película sonora de la historia del cine?

Durante más de ocho décadas el honor de ser la primera película sonora de la historia del cine la tenía el largometraje El cantor de jazz (de Alan Crosland ) estrenada en Nueva York el 6 de octubre de 1927 y así figura en la casi totalidad de archivos sobre el tema.

Pero esta es solo una verdad a medias, ya que si hablamos del término película como una obra cinematográfica sea cual fuere su duración nos encontramos con que el 15 de abril de 1923 (cuatro años antes del estreno de El cantor de jazz) en el Rivoli Theater de Nueva York, Lee De Forest (un famoso inventor de la época) presentó ese día uno de sus últimos inventos: el Phonofilm, un método por el cual se le aplicaba sonido a las películas.

Para demostrar la validez de su invento proyectó un total de 18 cortometrajes (de diversas duraciones y temáticas) y el público y prensa que asistió a tal evento pudo disfrutar por primera vez del cine sonoro.

Como curiosidad cabe destacar que entre esos cortometrajes exhibidos por De Forest había uno de once minutos de duración titulado Conchita Piquer (From far Seville) en el que aparecía cantando varias de sus coplas la artista española, que por aquel entonces contaba con 15 años de edad.

Por cierto, El cantor de jazz llevaba incorporado un sistema conocido como Vitaphon, que mejoraba el Phonofilm de De Forest y que sería el método con el que se realizaron las siguientes películas sonoras desde la Warner Bros.

Para finalizar, cabe destacar que se considera película, tal y como aparece en el Diccionario de la RAE, a toda aquella cinta de celuloide que contiene una serie de imágenes fotográficas que se proyectan en la pantalla del cinematógrafo o en otra superficie adecuada, sin tener en cuenta su duración. Quizás os interese leer mi post: ¿Qué duración debe tener una película para ser considerada como ‘largometraje’?

 

Lee y descubre en este blog más posts con curiosidades y anécdotas del mundo del cine

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Fuente de las imágenes: Capturas de Youtbe

El único caso de un nominado al Oscar a mejor actor principal y de reparto por una misma interpretación

El único nominado al Oscar a mejor actor principal y de reparto por una misma interpretación

En las nominaciones de la 17ª entrega de los Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, que correspondía a las películas estrenadas en 1944, se produjo un hecho insólito que no se ha vuelto a repetir a lo largo de la historia los Premios Oscar:

Barry Fitzgerald fue nominado en las categorías de ‘mejor actor principal’ y ‘mejor actor de reparto’ pero con la peculiaridad de que ambas las recibió por un único papel: el que realizó en la película ‘Going My Way’ (Siguiendo mi camino) donde interpretaba el personaje del entrañable ‘padre Fitzgibbon’.

Finalmente, en la ceremonia celebrada el 15 de marzo de 1945 en el Grauman’s Chinese Theatre, Barry Fitzgerald  ganó el Oscar al mejor actor de reparto, alzándose con la estatuilla al mejor actor principal su compañero, en la misma película, Bing Crosby.

Cabe destacar que ‘Going My Way’ fue la gran triunfadora de la noche, ganando un total de siete Oscars (mejor película, director, actor principal, actor de reparto, argumento, guion adaptado y canción) de las diez categorías en las que estaba nominada. Al tratarse de una película con un alto contenido religioso fue proyectada en el Vaticano para el papa Pío XII.

 

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Fuente de consulta: oscars.org
Fuente de la imagen: Pinterest

La película a la que se le retiró el Oscar tres semanas después de ganarlo

La película a la que se le retiró el Oscar tres semanas después de ganarlo

Varias han sido las ocasiones en las que una nominación a los Premios Oscar se ha retirado de la competición tras descubrirse (antes de concederse el premio) que había algún tipo de irregularidad: optar al mejor guion original y ser realmente una adaptación, haberse utilizado una canción o banda sonora nominada por una película previamente en otra o no estrenarse dentro del año por el que se compite.

Pero hay un único caso en la historia de los Oscar en el que se ha concedido y entregado el premio y posteriormente se ha exigido al ganador que devolviese la preciada estatuilla…

La película a la que se le retiró el Oscar tres semanas después de ganarlo (cartel de Young Americans)El 14 de abril de 1969 se celebró en el Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles la 41ª ceremonia de entrega de los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (comúnmente conocidos como Premios Oscar). En el apartado de ‘Mejor largometraje documental’ la cinta premiada fue Young Americans’, película documental dirigida por Alexander Grasshoff y en la que se relataba la gira veraniega realizada por un grupo de adolescentes que pertenecían al coro musical llamado ‘The Young Americans choir’.

Pero tres semanas después, Alexander Grasshoff recibió una llamada telefónica que le dejó la sangre helada: el 7 de mayo Gregory Peck (en aquel momento Presidente de la Academia) comunicaba la fatal noticia de que el Premio Oscar que les habían entregado debía ser devuelto y quedaban despojados del mismo.

El motivo de tal decisión fue que a la Academia le había llegado de forma anónima un ‘chivatazo’ en el que les comunicaban que el documental ‘Young Americans’ se había preestrenado en octubre de 1967 en un pequeño cine de Carolina del Norte, algo que solo facultaba a la película a optar a los Oscars que se entregaban en 1968 (en el que no se había presentado la candidatura) y no en el año por el que participó y ganó.

El gran beneficiado de tal decisión fue ‘Journey into Self’ dirigido por Tom Skinner, un documental que retrata una sesión de terapia de grupo en el que participaban ocho personas muy diferentes entre ellas. El 8 de mayo, un día después de retirar el premio a ‘Young Americans’, desde la academia de cine se anunció que este otro documental era el ganador del Premio Oscar.

Vídeo con un pequeño fragmento de la película documental ‘Young Americans’

Vídeo del momento de la entrega del Premio Oscar a ‘Young Americans’ como ‘Mejor largometraje documental’

Vídeo con un pequeño fragmento de la película documental Journey into Self

 

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Fuentes de las imágenes: Captura Youtube / Wikimedia commons

¿Qué duración debe tener una película para ser considerada como ‘largometraje’?

¿Qué duración debe tener una película para ser considerada como ‘largometraje’?

Estamos acostumbrados a que las películas que vemos en el cine o echan por la tele tengan de duración un promedio de 90 minutos, pero no todos los filmes llegan a ese tiempo e incluso hay un buen número de ellos que lo superan.

Pero a la pregunta sobre ¿cuál es la duración mínima que debe tener una película para ser considerada como ‘largometraje’? la respuesta es sencilla: dependiendo del país donde te encuentres y la legislación que haya al respecto, puede variar en varios minutos.

Por ejemplo en España, según recoge el capítulo I en su artículo 4 (apartado ‘c’) de la ley 55/2007, de 28 de diciembre, del Cine (publicada en el BOE 29 de diciembre de 2007) la definición de largometraje es la siguiente:

“La película cinematográfica que tenga una duración de sesenta minutos o superior, así como la que, con una duración superior a cuarenta y cinco minutos, sea producida en soporte de formato 70 mm., con un mínimo de 8 perforaciones por imagen.”

La Academy of Motion Picture Arts and Sciences (EEUU) y la British Film Institute (Reino Unido) recogen que debe tener una duración mínima de 40 minutos, y para el Centre national du cinéma et de l’image animée (Francia) un largometraje ha de durar más de 58 minutos y 29 segundos.

Además del largometraje podemos encontrarnos con otro tipo de película de menor duración que es designada como ‘cortometraje’. En la mencionada ley 55/2007 no hay referencia alguna al término ‘mediometraje‘ y a la duración de éste, y según el apartado ‘d’ un cortometraje es:

“La película cinematográfica que tenga una duración inferior a sesenta minutos, excepto las de formato de 70 mm. que se contemplan en la letra anterior.”

A pesar de que oficialmente no se menciona ni está legislado, algunos estamentos y webs, dan como bueno el concepto ‘mediometraje’. En la RAE y Wikipedia en español (sin citar fuente alguna) señalan que un largometraje es aquella película cuya duración supera los 60 minutos, dando validez así a un tipo de película de menor duración y a la que califican como ‘mediometraje’ (en lugar de cortometraje que recoge la ley) haciendo la siguiente clasificación:

  • Cortometraje: De igual o menor duración de 30 minutos
  • Mediometraje: Con una duración entre 30 y 60 minutos
  • Largometraje: De una duración igual o superior a 60 minutos

 

 

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Fuentes de consulta: BOE / Academy of Motion Picture Arts and Sciences / joanplanas / Wikipedia (es) / Wikipedia (en) / Wikipedia (fr) / RAE / forodecine
Fuente de la imagen: Wikimedia commons

Cuando a Chaplin le concedieron un Oscar honorífico para no darle cuatro de diferentes categorías

Cuando a Chaplin le concedieron un Oscar honorífico para no darle cuatro de diferentes categorías

El 16 de mayo de 1929 se celebró, en el salón Blossom del Hotel Hollywood Roosevelt, la primera ceremonia de los Premios de la Academia al Mérito (no recibiría oficialmente el nombre de Premios Oscar hasta 1939) en la que se quería galardonar a aquellos profesionales y películas que más habían destacado entre todas las estrenadas desde el 1 de agosto de 1927 al 31 de julio de 1928.

Tres meses antes, en el momento de anunciar los ganadores (en esa primera ocasión se sabía quién ganaba con tres meses de anticipo), se encontraron con un pequeño problema debido a que el premio en cuatro categorías (de las doce que se entregaban) iba a ser claramente para una misma persona: Charles Chaplin, quien optaba por ‘El circo’ al de mejor director, actor, argumento y película (él era el productor).

Los 36 miembros de la recién creada ‘Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas’ estaban convencidos de que Chaplin merecía llevarse los cuatro premios pero temían que, al tratarse de la primera vez que se entregaban, el resto de profesionales que optaban a las mismas categorías no aceptasen de buen grado que una misma persona se los llevase y más cuando había actores o actrices que optaban al premio por varias películas y podrían quedarse sin la estatuilla (es el caso del actor Emil Jannings que competía al de mejor actor con las películas ‘La última orden’ y ‘El destino de la carne’ o la actriz Janet Gaynor que lo hacía con los films ‘El séptimo cielo’, ‘El ángel de la calle’ y ‘Amanecer’).

Así pues, el presidente de la academia Douglas Fairbanks (amigo personal de Chaplin y su socio en la productora United Artists) decidió que lo mejor que podían hacer era concederle a Charles Chaplin un único ‘Premio honorífico al mérito’ por su ‘versatilidad y genialidad en la actuación, guion, dirección y producción de El circo’.

De este modo resolvieron el problema para aquella primera ceremonia y pudieron ser unos premios más repartidos (Emil Jannings y Janet Gaynor pudieron llevarse sus correspondientes estatuillas).

 

 

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Fuente de la imagen: Wikimedia commons 

¿Cuál es el origen de los tráilers cinematográficos?

¿Cuál es el origen de los tráilers cinematográficos?

Cada vez que vamos al cine antes de la proyección de la película suele ponerse dos o tres tráilers de próximos estrenos, con la intención crear en el espectador el interés suficiente para captar su atención y ganarlo como espectador en cuanto se estrene.

Hoy en día muchos de nosotros, antes de decidirnos por la película que iremos a ver, buscamos el tráiler en youtube para así hacernos una idea.

¿Pero cómo y cuándo nació el concepto de tráiler cinematográfico y de dónde procede llamarlo así?

En 1912 el acudir a una sala de cine estaba totalmente en auge y por aquel entonces todavía no había comenzado las emisiones de televisión (no fue hasta 1927 en la BBC británica), pero ese año ya se rodó una serie de 12 capítulos que se proyectaron en los cines una vez al mes. Su título era ‘What Happened to Mary’ y fue producida por los estudios de la Edison Company.

Fue tal el éxito de la serie que un año después, el 29 de diciembre de 1913, se estrenaba otra serie (esta vez de 13 capítulos) y que llevaba por título ‘The Adventures of Kathlyn’.

El propósito de los productores de esta nueva serie (la Selig Polyscope Company) era estrenar el primer capítulo ese día de diciembre de 1913 y los restantes doce a lo largo de los siguientes seis mese de 1914 (dos capítulos por mes).

Para crear expectativas en los espectadores se optó por poner al final de cada capítulo un pequeño avance de lo que se podría ver en el siguiente, naciendo así el concepto de tráiler, tal y como lo conocemos hoy en día.

Y de ahí le vino el nombre, pues tráiler significa en inglés ‘remolque’ cuyo sentido es ‘lo que va después’.

A partir de ahí se comenzó a poner de moda en todos los cines el proyectar pequeños avances de otros estrenos y filmes justo al finalizar la película, algo que se tuvo que dejar de hacer con los años y ponerlo en el inicio de la sesión, ya que cada vez eran más los espectadores que se marchaban de las salas sin esperar a que acabasen los títulos de crédito. A pesar de ello ha continuado manteniendo el nombre de tráiler, aunque también se le llama ‘preview’ (previsualización)

Cabe destacar que en los inicios del cine los créditos solían colocarse al iniciarse la película, pero poco a poco fue cambiando la tendencia hasta ponerse al finalizar y en algunas ocasiones con una duración exagerada.

 

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Fuentes de consulta: straightdope / imdb 1 / imdb 2 / ligaincom
Fuente de la imagen: imagescinema

Una doble en la escena más famosa de la historia del cine

Una doble en la escena más famosa de la historia del cine Para la gran mayoría de críticos, expertos y amantes del séptimo arte, el momento en el que Marion Crane (interpretada por Janet Leigh) es asesinada en la ducha del Motel Bates es la escena más famosa de la historia del cine.

Como la mayoría de vosotros sabréis, dicha escena pertenece a la película ‘Psicosis’, magistralmente dirigida por Alfred Hitchcock en 1960.

Cincuenta fueron las tomas realizadas a lo largo de los seis días en los que se tardó en rodar la escena, la cual contó con una pequeña trampa inapreciable para el espectador, ya que el ‘maestro del suspense’ tuvo que utilizar dos personas para filmarla.

Una doble en la escena más famosa de la historia del cine - Marli RenfroDebido a sus escrúpulos a la hora de trabajar sin ropa, Janet Leigh se negó rotundamente a desnudarse delante de todo el equipo de la película. Esto hizo que Hitchcock tomase la decisión de contratar a una doble llamada Marli Renfro, siendo de ésta la mayor parte del cuerpo que se ve durante la famosa escena de la ducha, a excepción del rostro y la cabeza que sí eran de Janet Leigh.

La joven, una aspirante a actriz que trabajaba como stripper en un cabaret de Las Vegas, cobró por este trabajo 500 dólares y aunque nunca triunfó en el mundo del cine (tan solo apareció en una película de Francis Ford Coppola en 1962) sí que consiguió su momento de gloría cuando fue portada de la revista Playboy.

 

 

 

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Fuentes de consulta: El cinéfilo curioso / cbsnews / hitchcockwiki
Fuente de las imágenes: ihorror / hitchcockwiki

Cuando a la censura soviética se le pasó un pequeño detalle de ‘Las uvas de la ira’ [Anécdota]

Cuando a la censura soviética se le pasó un pequeño detalle de ‘Las uvas de la ira’ [Anécdota]En 1948, la película ‘Las uvas de la ira’ (The Grapes of Wrath) filmada a principios de esa década y dirigida por John Ford (basada en la novela homónima de John Steinbeck), fue una de las poquísimas producciones norteamericanas que el régimen comunista de Stalin permitió que se estrenase en los cines de varias ciudades de la Unión Soviética, aunque lo hizo bajo el título de ‘El camino hacia la ira’.

En el film se mostraba una Norteamérica totalmente en decadencia, en la que los estragos de la devastadora crisis y la gran depresión (tras el crack del 29) sufrida por ese país había llevado a la ruina y desempleo a millones de trabajadores.

Esta trama servía perfectamente a los soviéticos para mostrar a sus conciudadanos cómo el modelo capitalista americano estaba corrompido y acabado.

Pero fue muy poco el tiempo que dicho film permaneció en las pantallas soviéticas, debido a que los censores (que velaban por los intereses de todos los ciudadanos de las URSS) se dieron cuenta que se les había pasado un pequeño y crucial detalle y este no era otro que el público asistente a las salas de cine tras visionar la película quedaba impresionado por el hecho de que, en los Estados Unidos, incluso una familia arruinada y asolada por la pobreza podía darse el lujo de tener su propio automóvil, algo que no interesaba fomentar en el ideario comunista, por lo que de forma automática fue prohibida su exhibición y retirada de todos los cines de la URSS.

 

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Fuente de consulta: lisa.revues
Fuente de la imagen: aaca.org