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Curiosidades, anécdotas e historias sorprendentes para ser cada día un poco más listos.

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‘Sex symbol’ el término nacido para referirse a las sexualmente atractivas estrellas de cine

‘Sex symbol’ el término nacido para referirse a las sexualmente atractivas estrellas de cine

El 14 de octubre de 1917 se estrenaba en los cines de Estados Unidos la que está considerada como una de las primeras grandes superproducciones cinematográficas de Hollywood: ‘Cleopatra’, la cual estaba basada en la obra ‘Antony and Cleopatra’ escrita tres siglos antes (1606) por William Shakespeare.

‘Sex symbol’ el término nacido para referirse a las sexualmente atractivas estrellas de cineSe trataba de un ambicioso filme (en la época dorada del cine mudo) que contó con un presupuesto de medio millón de dólares (toda una fortuna para aquel tiempo), más de doscientos actores y actrices (entre papeles principales y figurantes) y que fue protagonizada por Theda Bara, una joven actriz de 22 años y una de las mayores representantes de lo que se denominaba por aquel entonces como ‘vamp’ (apócope de vampiresa que te explico en la siguiente curiosidad), un tipo de mujer sumamente atractiva y sexualmente muy sugerente.

El papel de Theda Bara, donde aparecía muy ligera de ropa y realizando sensuales bailes, le valió el apelativo de ‘sex symbol’ (cuyo significado, según la RAE, es: persona que, debido a su físico, es considerada prototipo del atractivo sexual), siendo la primera estrella cinematográfica a la que se le calificó de este modo.

El primer hombre al que se señaló como símbolo sexual fue el actor, de origen italiano, Rodolfo Valentino, quien en la década de los años 20 se convirtió en todo un mito erótico de la gran pantalla.

No fue hasta cuatro décadas más tarde cuando realmente se popularizaría el término ‘sex symbol’, calificando de ese modo a las actrices Marilyn Monroe y Brigitte Bardot o los actores Marlon Brando y Alain Delon.

 

 

 

Quizá te puede interesar comprobar cuáles son tus conocimientos sobre sexualidad en el curioso trivial: ¿Cuánto sabes de SEXO?

 

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Fuentes de las imágenes: Wikimedia commons (1) / Wikimedia commons (2)Wikimedia commons (3)

¿Qué es la ‘cláusula de inclusión’ (inclusion rider) que pidió la actriz Frances McDormand en la gala de los Premios Óscar?

La 90 ceremonia de entrega de los Premios Óscar de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas sobresalió el carácter reivindicativo de la gala por parte de muchas de las mujeres presentes (y aquellos hombres que las apoyan), siendo uno de los momentos culminantes de la noche el discurso de agradecimiento ofrecido por Frances McDormand (ganadora de la estatuilla en la categoría de Mejor Actriz Principal).

¿Qué es la 'cláusula de inclusión' (inclusion rider) que demando la actriz Frances McDormand en la gala de los Premios Óscar?

Frances McDormand con sus palabras de reivindicación de más presencia femenina en las películas, además de hacer poner en pie a todas las nominadas presentes aquella noche, terminó su discurso con el siguiente mensaje: ‘Tengo dos palabras para decirles esta noche, damas y caballeros: cláusula de inclusión’ (I have two words to leave with you tonight, ladies and gentlemen: Inclusion rider).

La ‘cláusula de inclusión’ a la que la actriz hacía referencia (y de la que muchos de los espectadores, que seguían la ceremonia por televisión o internet, se preguntaron sobre qué sería realmente) consiste en la posibilidad de añadir en todos los contratos que se firman en Hollywood (y el mundo del cine en general) un apartado por el cual se estipula que para el rodaje de una película los productores se comprometen a incluir en  el mismo a un elenco equitativo y diverso (en cuanto a género, color de piel o procedencia étnica). De iniciarse el rodaje y no cumplirse dicha demanda, la actriz o actor están facultados para romper el contrato sin penalización alguna.

La incorporación de esta cláusula de inclusión en los contratos lleva bastante tiempo discutiéndose en los despachos hollywoodenses, siendo el germen de esta reivindicación un artículo publicado por Stacy L. Smith en la revista ‘The Hollywood Reporter’ en 2014 y en el que ponía en evidencia la desigualdad que existía en la Meca del Cine, ya no solo en la brecha salarial además de poner el ejemplo de las 100 películas más taquilleras de 2013 en la que tan solo dos fueron dirigidas por mujeres y en las que la presencia femenina (respecto a la masculina) tan solo fue del 16 por ciento.

Stacy L. Smith a su vez se inspiraba en su reivindicación en la conocida como ‘Regla de Rooney’ que comenzaba a aplicarse en el mundo del deporte (más concretamente en la NFL, siendo su impulsor Dan Rooney, presidente del equipo de fútbol americano Pittsburgh Steelers). Esta regla, establecida en 2013, consistía en la obligación de los equipos en incluir en las entrevistas (para aspirante a un cargo directivo, en el staff o como entrenador de cualquier equipo) a candidatos de minorías raciales.

 

 

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Fuentes de consulta: hollywoodreporter / washingtonpost / nytimes
Fuente de la imagen: GTRES
Fuente del vídeo: @TheObjective_es

La curiosa historia de Rodolfo Valentino, el primer galán de la gran pantalla

La curiosa historia de Rodolfo Valentino, el primer galán de la gran pantalla Posiblemente el nombre de Rodolfo Guglielmi no le suene a la mayoría de vosotros, pero si cambio el apellido por el de Valentino rápidamente a la mayoría os vendrá a la memoria uno de los actores más famosos y carismáticos del Hollywood de los años 20. Evidentemente a los más jóvenes, puede que sigáis sin saber a quién me refiero, por eso quiero aprovechar para explicaros su curiosa historia…

Con apenas 19 años Rodolfo Guglielmi abandonó, en 1914, su Italia natal para ir en busca del sueño americano, como otros tantos compatriotas suyos habían hecho. Pero como es de imaginar no todos los principios son fáciles y menos cuando el que intenta hacerse un hueco en un nuevo país es un joven juerguista y derrochador que se gasta todo el dinero que había llevado consigo nada más llegar a Nueva York.

Para subsistir tuvo que pluriemplearse como limpiabotas, recadero o camarero, pero gracias a su belleza enseguida hubo más de una millonaria que se encaprichó para pasar con él una noche de sexo y lujuria, por lo que comenzó a ofrecerse como gigoló (chico de compañía) para damas generosas. Por aquel entonces todavía utilizaba su verdadero apellido y le resultaba muy divertido comprobar que las norteamericanas no sabían pronunciarlo.

Tras verse envuelto en un escándalo (una de las damas que acompañaba asiduamente asesinó a su esposo) y para evitar verse mezclado en el tema tuvo que salir huyendo de Nueva York hacía Los Ángeles.

Fue allí donde adoptó su nuevo apellido Valentino, comenzó a trabajar como extra en algunas producciones. En uno de esos trabajos conoció a un guionista que quedó prendado por su personalidad, consiguiéndole un papel en la película que lo lanzaría al estrellato: Los cuatro jinetes del apocalipsis.

Había nacido uno de los mitos eróticos más importantes de la gran pantalla, deseado tanto por mujeres como por hombres (aunque no existe ninguna evidencia oficial que confirme que Rodolfo Valentino hubiese tenido relaciones homosexuales, aunque es algo con lo que se ha especulado).

Valentino se convirtió en el primer galán del cine mudo, en un tiempo en el que la mayoría de películas que se realizaban eran cómicas o al menos eso era lo que demandaba el público, hasta que llegó el latin lover que los volvería locos de deseo. En los siguientes cinco años rodó una quincena de películas más que lo convirtieron en uno de los actores más conocidos de Hollywood.

El 23 de agosto de 1926, Valentino falleció a la edad de 31 años a consecuencia de unas complicaciones tras someterse a una intervención quirúrgica. Su fallecimiento fue considerado como un auténtico drama nacional y en su multitudinario entierro (más de 100.000 personas salieron a las calles de Nueva York para ver pasar el cortejo fúnebre) se vivieron auténticas escenas de histeria colectiva por parte de sus fans.

Hoy en día todavía son muchas las personas que utilizan el término ‘valentino’ como sinónimo de galán y seductor.

 

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En la noche de los #Oscars: media docena de curiosidades del mundo del cine

En la noche de los #Oscars: media docena de curiosidades del mundo del cine

Llega el último domingo del mes de febrero y con él la tradicional gala de entrega de los Premios Óscar de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados unidos. Un evento seguido por millones de aficionados al mundo del cine que, depende de dónde se encuentren lo seguirán entre esta noche y la próxima madrugada.

Muchas han sido las ocasiones en las que he publicado posts explicando curiosidades relacionadas con el ‘Séptimo Arte’ y con motivo de la noche de los Oscars voy a recopilar media docena para que, durante la gala podáis presumir con vuestros amigos y familiares de ‘culturilla cinematográfica’.

 

¿Por qué al cine se le llama ‘Séptimo arte’?

Riccioto Canudo, escritor, poeta y crítico cinematográfico italiano, fue el primero en etiquetar al cine como ‘Séptimo arte’ en 1911. Hasta entonces, y desde la antigüedad, se había estado etiquetando los diferentes movimientos artísticos y disciplinas, hasta quedar a principios del siglo XX en seis artes: Arquitectura, Escultura, Pintura, Música, Danza y Poesía.

Canudo veía el cine como un ‘arte plástico en movimiento’ y quiso que estuviera presente entre las diferentes disciplinas artísticas. Su influencia dentro del movimiento teórico, intelectual y artístico era muy importante, lo que llevo a que se acogiese al cine como un arte más y convirtiéndose en el ‘Séptimo Arte’.

 

El curioso origen de la ‘claqueta de cine’

El origen de estampar las manos en HollywoodLa claqueta es uno de los elementos más característicos de los que se utilizan en el rodaje de cualquier película y su peculiar sonido nos indica que la cámara está comenzando a rodar.

Frank W. Thring fue uno de esos pioneros de la industria cinematográfica cuando ésta comenzó a coger fuerza en Australia. Empezó trabajando como proyeccionista en 1911 y apenas diez años después ya controlaba una de las más importantes productoras y distribuidoras del país.

Su carácter emprendedor lo llevó a pasar por todos los escalafones del negocio del cine; algo que le hizo conocer a fondo las necesidades y carencias de la industria. Durante la década de los años 20, con la incursión del sonido en las películas se encontraron con que la sincronización entre el equipo que filmaba la imagen con el que grababa el sonido no siempre era la adecuada, por lo que Frank W. Thring ideó un método que pudiese facilitar el trabajo a ambos equipos y sobre todo al director del rodaje: ‘la claqueta’.

Hasta aquel entonces se utilizaba una pizarra en la que se anotaban todos los datos del equipo y film, el número de escena, plano y toma a rodar. A esta pizarra el señor Thring le añadió una tablilla en la parte superior que iba unido por una bisagra, al golpear la tablilla sobre la placa inferior indicaría el momento exacto en el que se comenzaba a grabar y ese característico ruido ayudaría a sincronizar imagen y sonido.

 

El origen de estampar las manos en Hollywood

Hoy en día es típico que las estrellas cinematográficas estampen sus huellas en la acera de la famosa  Hollywood Boulevard.

Esta costumbre se inició en 1927 de una manera casual, ya que fue debido a un accidente de la actriz de cine mudo Norma Talmadge, quien, tras tropezarse, cayó sobre el cemento fresco que había frente al recién construido Teatro Chino Grauman (Grauman’s Chinese Theatre), de la ciudad de Los Ángeles.

EL avispado Sid Grauman, uno de los propietarios del local, vio la rentabilidad a ese tropiezo y lo convirtió en todo un símbolo de la ciudad.

Para inaugurar la colección de huellas de manos estampadas el señor Grauman contó con la actriz y actor de moda en aquel momento: Mary Pickford Douglas Fairbanks quienes dejaron estampadas sus huellas el 30 de abril de 1927. Tres semanas después, el 18 de mayo, lo haría, esta vez ya oficialmente y con presencia de la prensa, Norma Talmadge.

 

¿Cuál fue el primer largometraje de la historia?

¿Cuál fue el primer largometraje de la historia?

Según consta en el Registro de ‘Memoria del Mundo’ (Memory of the World Register) de la UNESCO, el primer largometraje de la historia rodado fue The Story of the Kelly Gang, una película muda de origen australiano que tuvo una duración  de poco más de una hora y  escrita y dirigida por Charles Tait.

Su estreno  fue el 26 de diciembre de 1906. Se trata de un relato de ficción sobre la vida real de un fugitivo, Ned Kelly, capturado y ejecutado en la horca 25 años antes.

Durante largo tiempo se dio como desaparecida y a partir de 1975 se fueron encontrando fragmentos sueltos de la película que han podido ser restaurados y de la que se conserva alrededor de 20 minutos.

Bajo estas líneas podréis visionar el vídeo con esos minutos restaurados del film.

 

¿Cuál fue el primer beso de la historia del cine?

¿Cuál fue el primer beso de la historia del cine?Durante el último lustro del siglo XIX, la recién creada Edison Manufacturing Co. (la primera empresa cinematográfica de Thomas Alva Edison) se dedicó a rodar un buen número de películas cortas que apenas llegaban al minuto de metraje.

Entre éstas se encontraba ‘The Kiss’ (El beso) el cual recreaba la escena final de un musical de gran éxito que se estaba representando en Broadway y cuyo título era ‘The widow Jones’ (La viuda Jones) de John J. McNally y que fue dirigida por William Heise (a petición del diario New York World  y por encargo del propio Edison).

En dicha escena, rodada en el mes de abril de 1896 en el estudio que poseía Edison en New Jersey y de la que apenas se conservan 18 segundos, utilizó a los propios actores que interpretaban la obra en el teatro y en ella aparecían la actriz May Irwin (en el papel de Beatrice Byke) y el actor John C. Rice (como Billy Bilke), siendo un juego de cortejo y besuqueo que escandalizó a la puritana sociedad de la época, pero que se convirtió en uno de los films de mayor éxito del polifacético empresario e inventor.

 

¿Cuál es el origen de la tradicional ‘alfombra roja’?

Cuál es el origen de la tradicional ‘alfombra roja’A pesar de que está estrechamente relacionado cualquier gala cinematográfica con la tradicional ‘alfombra roja’ y el posado que las estrellas del celuloide hacen en ella, para encontrar el origen de su uso debemos trasladarnos hasta principios del siglo XX, cuando la compañía ferroviaria 20th Century Limited inauguró en 1902 una línea exclusiva para viajeros de gran poder adquisitivo. Los viajeros, al llegar a la estación de Grand Central den Nueva York, se encontraban con una reluciente alfombra roja por la que descendían del tren y caminaban hasta el vestíbulo (y a la inversa). Este hecho le confería un toque de exclusividad y sofisticación que el viajero sabía apreciar.

No fue hasta 1922 cuando se utilizó por primera vez una alfombra roja en el mundo del espectáculo y fue con motivo de la inauguración del Egyptian Theater de Los Ángeles. Ya en la década de los años 1940 tomaría la relevancia que tiene actualmente siendo una de las partes más importantes de cualquier gala de entrega de los Oscars u otros premios.

 

Otras curiosidades relacionadas con los Premios Oscar:

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¿Por qué se llama ‘Óscar’ a las estatuillas de la Academia estadounidense de cine?

¿Por qué se llama 'Óscar' a las estatuillas de la Academia estadounidense de cine?

Los Premios Oscar fueron entregados por primera vez el 16 de mayo de 1929 por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas. La estatuilla fue diseñada por Cedric Gibbons, el director artístico de Metro Goldwyn Mayer y esculpida por George Stanley.

En un principio estaban hechas de bronce macizo bañado en oro, y aunque durante la Segunda Guerra Mundial pasaron a hacerse de yeso pintado debido a la escasez de materiales, en la actualidad están hechas de metal con un baño de oro. Mide alrededor de 34 centímetros y pesa cerca de cuatro kilos.

La figura representa a un caballero con los brazos cruzados y armado con una espada sobre un rollo de película de cinco radios, cada uno simboliza las cinco ramas originales de la academia: directores, productores, guionistas, actores y técnicos.

El premio fue oficialmente bautizado como Academy Award of Merit [Premio de la Academia al Mérito], pero según la leyenda más conocida (que la propia academia de cine estadounidense no desmiente y es defendida por la mayoría de fuentes) fue Margaret Herrick (en aquel momento bibliotecaria adjunta y más tarde directora ejecutiva de la propia Academia) la que bautizó a la estatuilla como ‘Oscar’, por su gran parecido con su primo Oscar Pierce, a quien llamaba cariñosamente Tío Oscar. Este mote comenzó a hacerse popular especialmente después de que Sidney Skolsky lo utilizase en 1934 al escribir un artículo sobre el primer premio a mejor actriz que ganó Katharine Hepburn por Gloria de un día.  Sólo cinco años más tarde, en 1939, el galardón adoptó oficialmente el nombre de Oscar.

Cabe destacar que hay quien no está de acuerdo con esta versión y defiende que nada tuvo que ver Margaret Herrick, sino que fue directamente el columnista Sidney Skolky a quien se le ocurrió recordando un viejo vodevil (comedia teatral cómica basada en enredos) en el que uno de los actores preguntaba al director de orquesta (llamado Óscar) si le apetecía fumar un cigarrillo. Éste se quedaba quieto como una estatua, un semblante que le recordó a ese tipo en el momento de ver la estatuilla de los premios Oscar a la que acababa de asistir y de la que tenía que escribir la crónica mencionada en el párrafo anterior. Dicha versión de los hechos está recogida en la autobiografía de Skolky: ‘Don’t Get Me Wrong – I Love Hollywood’.

 

En el siguiente vídeo podréis ver la sección de curiosidades que realizó una vez al mes, en catalán, en el programa Ben trobats de la televisión local de Cataluña (La Xarxa tv) y el canal 159 de Movistar+. El pasado lunes 20 de febrero expliqué varias curiosidades relacionadas con el mundo del cine, entre ellas el porqué se llama Oscar a los premios del cine americano.

 

Otras curiosidades relacionadas con los Premios Oscar:

 

 

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El día que nació ‘Satisfaction’ de The Rolling Stones

El día que nació ‘Satisfaction’ de The Rolling Stones

(I can’t get no) Satisfaction’ es sin lugar a dudas la canción insignia de The Rolling Stones y la primera que se nos viene a la cabeza a innumerables personas cuando nos nombran a esta mítica banda de rock británica que dio sus primeros pasos en abril de 1962.

Tres años después ya era un grupo que comenzaba a ser ampliamente conocido, acaban de sacar al mercado su segundo disco y habían comenzado una gira por Estados Unidos que sería determinante para acabar de consagrarse y que serviría para grabar su tercer álbum en los mejores estudios de grabación.

Fue la madrugada del 7 de mayo de 1965, mientras estaban hospedados en el New Fort Harrison Hotel de Clearwater (al Oeste de Florida), cuando un jovencísimo Keith Richards de 21 años de edad, antes de quedarse dormido tras un larguísimo y agotador día, tuvo un momento de inspiración, cogió su guitarra, encendió el casette grabador y tocó los primeros compases (conocido como ‘riff’ en el argot musical) de la que podría ser una nueva canción. Posteriormente se quedaría dormido y, tal y como reconoció en una entrevista años después , en aquella cinta quedaron grabados dos minutos de Satisfaction y cuarenta de él roncando.

Esa misma mañana, cuando los componentes de la banda se reunieron para seguir con la grabación del nuevo disco en el que estaban trabajando, Keith Richards mostró la grabación a Mick Jagger y rápidamente se ponían manos a la obra en el desarrollo del resto de la melodía y la escritura de la letra. Tres días después grababan en Chicago una primera maqueta para comprobar los resultados, siendo ampliamente satisfactorios y decidiendo que grabarían el tema y lo incluirían en su próximo álbum. El 12 de mayo se encerraban en los importantísimos estudios de grabación RCA en Hollywood y, tras casi 24 horas allí encerrados, salieron con la canción que les consagraría al más rotundo de los éxitos y que sería clave a lo largo de toda su larga carrera.

 

Relacionado: ¿Cuál es el origen del logo de los Rolling Stones?

 

 

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Cuando a Chaplin le concedieron un Oscar honorífico para no darle cuatro de diferentes categorías

Cuando a Chaplin le concedieron un Oscar honorífico para no darle cuatro de diferentes categorías

El 16 de mayo de 1929 se celebró, en el salón Blossom del Hotel Hollywood Roosevelt, la primera ceremonia de los Premios de la Academia al Mérito (no recibiría oficialmente el nombre de Premios Oscar hasta 1939) en la que se quería galardonar a aquellos profesionales y películas que más habían destacado entre todas las estrenadas desde el 1 de agosto de 1927 al 31 de julio de 1928.

Tres meses antes, en el momento de anunciar los ganadores (en esa primera ocasión se sabía quién ganaba con tres meses de anticipo), se encontraron con un pequeño problema debido a que el premio en cuatro categorías (de las doce que se entregaban) iba a ser claramente para una misma persona: Charles Chaplin, quien optaba por ‘El circo’ al de mejor director, actor, argumento y película (él era el productor).

Los 36 miembros de la recién creada ‘Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas’ estaban convencidos de que Chaplin merecía llevarse los cuatro premios pero temían que, al tratarse de la primera vez que se entregaban, el resto de profesionales que optaban a las mismas categorías no aceptasen de buen grado que una misma persona se los llevase y más cuando había actores o actrices que optaban al premio por varias películas y podrían quedarse sin la estatuilla (es el caso del actor Emil Jannings que competía al de mejor actor con las películas ‘La última orden’ y ‘El destino de la carne’ o la actriz Janet Gaynor que lo hacía con los films ‘El séptimo cielo’, ‘El ángel de la calle’ y ‘Amanecer’).

Así pues, el presidente de la academia Douglas Fairbanks (amigo personal de Chaplin y su socio en la productora United Artists) decidió que lo mejor que podían hacer era concederle a Charles Chaplin un único ‘Premio honorífico al mérito’ por su ‘versatilidad y genialidad en la actuación, guion, dirección y producción de El circo’.

De este modo resolvieron el problema para aquella primera ceremonia y pudieron ser unos premios más repartidos (Emil Jannings y Janet Gaynor pudieron llevarse sus correspondientes estatuillas).

 

 

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Un disgusto que duró quince años [Anécdota]

Un disgusto que duró quince años [Anécdota]La superproducción ‘Lo que el viento se llevó’ contó con un multitudinario casting que duró dos años (1936-1937), costó cien mil dólares y al que se presentaron para interpretar el papel protagonista femenino más de 1.400 candidatas, entre las que se encontraban las actrices y jóvenes promesas más importantes de la época.

Las audiciones del casting tenían lugar en los estudios de la productora Selznick International Pictures, donde el propio David O. Selznick se encargaba de supervisar las pruebas y daba el visto bueno a aquellas que debían pasar a una segunda ronda o se deshacía con total indiferencia de las actrices que no veía cualificadas para ningún papel en la película.

A modo de deferencia, a aquellas actrices que ya comenzaban a tener cierto nombre en Hollywood las recibía y realizaba la audición en el despacho que tenía David O. Selznick en los estudios.

Lucille Ball fue una de esas jóvenes actrices que comenzaba a hacerse un hueco en el mundo del cine y que decidió presentarse al casting. Por aquel entonces tenía 25 años y una prometedora carrera como actriz, algo que no supo advertir ni valorar en su momento el productor.

El día que estaba citada para el casting cayó una tormenta sobre la ciudad de Los Ángeles, algo que provocó que Lucille llegase empapada a la prueba y mientras esperaba en el despacho de Selznick a que éste llegase se arrodilló frente a la chimenea que había con el fin de secarse.

Y fue en esa postura, y sin darse cuenta de que lo estaba haciendo de ese modo, como Lucille Ball leyó el pequeño texto escogido para hacer el casting, algo que no le favoreció en su actuación y que hizo que el productor la rechazase de inmediato para cualquiera de los papeles femeninos de la película.

Esa falta de sensibilidad por parte de Selznick molestó sobremanera a la joven actriz, marchándose con un importante berrinche de allí.

Parece ser que el disgusto por lo sucedido le duró largo tiempo a Lucille Ball y quice años después, cuando ya era una de las actrices más famosas, conocidas y cotizadas de Hollywood decidió comprar los estudios de la Selznick International Pictures para reconvertirlos en su propia productora ‘Desilu Productions’ que había creado junto a su esposo, el cubano Desi Arnaz, para rodar la serie de televisión ‘I Love Lucy’.

Como podréis imaginar, Lucille Ball optó por quedarse para ella el despacho que había ocupado David O. Selznick y en el que realizó aquel casting que tan mal recuerdo le traía.

 

 

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Sólo para señoras [Anécdota]

Sólo para señoras [Anécdota]De sobras era conocida la condición de alcohólico, mujeriego y deslenguado del famoso actor John Barrymore, quien aprovechaba cualquier ocasión que tenía para tomarse unos tragos e intentar seducir a alguna mujer.

En cierta ocasión, después de un largo día de rodaje, el actor fue a tomar unas copas junto algunos compañeros a Lucey’s, un local de moda en Hollywood y que además se encontraba relativamente cerca de los estudios Paramount.

Tras unos cuantos tragos Barrymore sintió la imperiosa necesidad de acudir al baño para vaciar su vejiga y debido a su condición ligeramente ebria entró sin percatarse en el aseo de señoras, donde se puso a orinar la mar de tranquilo. De repente entró una mujer y sorprendida de ver allí a un hombre orinando espetó enojada:

«¡Pero cómo se atreve, esto es para señoras!»

El actor se volvió hacia la mujer y, mientras aguantaba el miembro con la mano, le contestó con una impostada voz actoral:

«Y esto, señora, también lo es»

 

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¿Quién fue la primera mujer directora en la historia del cine?

¿Quién fue la primera mujer directora en la historia del cine?A través del apartado de contacto, Mamen Sánchez me pregunta sobre quién fue la primera mujer que dirigió una película en la historia del cine.

Su nombre era Lois Weber y fue una de esas mujeres polifacéticas que se atrevió con casi todo. Actuó, escribió guiones, produjo y dirigió cortos y largometrajes en la época dorada del cine mudo.

A pesar de que era una época difícil para que las mujeres pudieran destacar en tareas que no fuesen secundarias o simplemente de actriz, Lois Weber supo utilizar su talento para hacerse un  hueco en el difícil y machista mundo del Séptimo Arte.

Se colocó tras una cámara por primera vez en 1911 para filmar y protagonizar el cortometraje “A heroina of ‘76” (Una heroína del 76). Tres años más tarde lo hacía para co-dirigir junto a su esposo (el también actor y director Phillips Smalley, con quien realizó la mayor parte de su carrera) el largometraje titulado “The Merchant of Venice” (El mercader de Venecia), llegando a las pantallas de los cines norteamericanos el de febrero de 1914 (acaba de celebrarse el primer centenario). Ese mismo año Weber llegó a dirigir hasta 27 películas.

A lo largo de toda esa década su carrera se convirtió en fulgurante, rodando cerca de 150 películas. Pero tras divorciarse de su marido en 1922, la industria comenzó a darle la espalda, siendo escasos los films que dirigió hasta el final de su carrera.

 

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Fuente de la imagen: frameworkonline (British Film Institute)