Entradas etiquetadas como ‘pintura’

Zehra Dogan está encarcelada por una pintura

Querida Zehra Dogan: Me cuesta pensar que en medio de esta oscuridad y retroceso vaya a aparecer la luz, que estemos en la madrugada como dicen, esperando el próximo amanecer, que será limpio, feliz y próspero. La madrugada es la parte más oscura de la noche pero siempre anuncia el día. Soy incapaz de imaginar, sin embargo, que las libertades civiles y los derechos humanos estén a punto de emerger de nuevo, porque está muy oscuro, Zehra, en casi todas partes, y puede que el Sol siga en huelga.

Llámame pesimista.

Desde el año 2001 nos sacude una resaca democrática global que está subvirtiendo los espacios: hace de las cárceles, por ejemplo, residencias de artistas, de los océanos, fosas comunes de desesperados. No es algo nuevo, pero sorprende. Hoy los ciudadanos no entran en ellas por robar una gallina como antaño, pero sí por cantar un rap –tenemos en España el caso de Valtonyc– o por pintar un cuadro, como te ha ocurrido a ti, Zehra Dogan, que has sido condenada a más de dos años de cárcel en Turquía – casi los mismos que el rapero en España- por esta pintura que consideran incriminatoria…

# Nusaybin

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El último mural de Banksy exigía tu liberación en la lejana Nueva York, y así lo contaron en 20 minutos. Organizaciones como Pen America consideran tu encarcelamiento «inaceptable».

 

De Turquía llevo un tiempo escuchando susurros de mazmorra. Denuncias a media voz. Ese país amigo de Europa que avanza hacia un modelo intrigante. Parece un embrión de posibles futuros, y no un feto mal formado por enfermedades del pasado: una democracia autoritaria -precioso oxímoron-, personalísima en la figura de su presidente electo, Tayyip Erdoğan, un gobierno de las purgas, donde los periodistas, jueces y profesores, terminan encarcelados. “Un alarmante indicador de la dirección que está tomando el país”, denuncian en la organización Human Rights Watch. Un buen amigo en un mundo donde las principales potencias- Rusia, China y EEUU- siguen el mismo patrón del líder fuerte que desprecia la carta de los derechos humanos.

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El cuadro por el que escapan los refugiados

El cuadro de la artista omaní Iman Al Khatri, de 24 años, es un óleo que apunta a los ojos. Se sale del marco. Busca la vida. Quiebra los límites. Desafía la ausencia de humanidad.

Salirse del cuadro es buscar la vida. Escapar de una carnicería.

A veces la vida se parece a un museo, con sus múltiples salas y alegorías. El personaje que retrata el cuadro es un sirio que escapa de esos límites. El marco es la frontera imposible. Un espacio arbitrario que delimita el ellos del nosotros.

Nosotros quiere decir los espectadores. Así nos define el espacio. La posición en la sala. Habitamos el otro lado, en este museo que llaman Europa. Un lugar proclive a coleccionar obras sin contexto.

El audioguía solo susurra: «matanza, cerco, asesinato, horror…».

Los museos son lugares diseñados para mirar. Y aquí vemos a un padre que saca a su hijo de las tinieblas. Estas penumbras son cuadradas. Están selladas. Como un cuartucho bajo las bombas de Alepo, o un campamento de refugiados, un suburbio sin nombre en el invierno.

El padre hace lo imposible: sale del cuadro. Pero duda si lanzar a su hijo a la nada, actúa como un péndulo.

Nadie puede prometerle que el niño será recogido si lo suelta.

La nada es imprevisible.

Somos el sujeto pornográfico. El espectador ciego. Somos la nada que nada recoge.

Iman Al Khatri nos aprieta las córneas con este trabajo. La fuerza de su tela está en la parte invisible: ¿qué habrá bajo los pies del niño de camiseta roja?

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Carl Krull pinta como si escaneara un fondo marino desconocido

Dice que pinta como si fuera un sismógrafo o una impresora de inyección de tinta. Médium o máquina. Tal vez ambas cosas. Repetitivo. Lineal. Creativo. Sin aparentes fallos. Trazo tras trazo, línea sobre línea. Rayas endiabladas hasta que consigue construir un efecto tridimensional.

Carne topográfica que recupera las formas de la nada.

Busca romper las dos dimensiones sobre el papel. Una abundancia de líneas que presionan hasta generar la figura. Para él pintar es como escanear un fondo marino desconocido.

 

Se ha descrito a sí mismo como un sismógrafo humano. «Expresionismo sísmico lineal», dice. Muestra el proceso de creación en varios vídeos: raya a raya parece guiado, un instrumento recibiendo compases telúricos. Lee el resto de la entrada »

Martín Vicente Lozano: el verdadero artista

Si hablamos de los artistas solemos poner de ejemplo, siempre- o casi siempre-, a personas encumbradas, gentes de las que hablan los medios, hombres y mujeres reconocidos; incluso, si no fijáramos bien, veríamos que algunos de ellos ni siquiera lo son (Banksy realizó aquel documental, Exit Through the Gift Shop, en el que explica cómo se puede crear a un artista de la nada: demuestra que solo es necesario que un Banksy diga que uno es artista para que aparezca todo un horizonte de sucesos).

Cuando yo pienso en los artistas, sin embargo, me vienen a la cabeza aquellas personas que enfrentan una difícil vocación, y que no aparecen en ningún medio o solo esporádicamente, cargados, como el resto de mortales, por sus necesidades y deudas vitales, con las puertas cerradas en un espacio muy competitivo donde no siempre rige el valor de la creación.

Composición 1. Autor: Martín Vicente Lozano. Serie: El arte ignorado II.

Composición 1. Autor: Martín Vicente Lozano. Serie: El arte ignorado II.

Un sueño o fuerza irracional que los empuja y que a veces puede parecerles una maldición. La lucha por conseguir ese espacio, por canalizar una vocación que los lanza en una carrera de obstáculos que pudo haber sido diseñada por un constructor de laberintos.

Por eso cuando recibí un mail de un artista llamado Martín Vicente Lozano– al cual no conocía- sentí como una llamada. Percibí su vocación.

Está exponiendo en el centro cultural «Nicolás Salmerón», en Madrid, su nueva colección de pintura titulada El Arte Ignorado II. «Pretendo ofrecer una visión diferente del Arte, desde el punto de vista de los propios cuadros, intercambiando su rol con el de los espectadores que los contemplan», explica. Me parece muy interesante. Es una persona que combina su vocación artística con su trabajo de maestro de educación primaria, un hombre que lucha por buscar su hueco y su público.

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54 horas para iluminarse con un mandala

This is by far my favourite colour chart 🙂 Blue and Gold. ✌🏼#murderandrose #mandala #art

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La artista es yemení y se llama Asmahan Rose Mosleh y vive en Reino Unido. Sus mandalas son pequeñas maravillas hechas con paciencia y pintura acrílica. Entre 8 y 54 horas invierte en cada dibujo. 

Estos trazos y pigmentos parece que despiertan a un abstracto pavo real. La pintura es como un ritual de apareamiento, llama a tus ojos el símbolo que despliega una ilusión geométrica. Estás sometido al espacio concéntrico, perdido en el plumaje que es un círculo de círculos, sabes que las líneas esconden su secreto en las regiones internas.

It's always these little ones that take the longest to complete.

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El mandala- término que proviene del sánscrito– es conocido por su linaje budista e hinduista, aunque su devoción abarca otras prácticas espirituales y podemos encontrarlo en representaciones de piedra en América o en las catedrales cristianas y las mezquitas árabes (como en el alucinante templo de Isfahán, Irán). Formas complejas, de composición usualmente circular, arabescos extensivos que representan las fuerzas que regulan el universo y que sirven de apoyo en la meditación o el rezo.

LOST FOR WORDS!! One day! i'A 🇮🇷 #esfahan // Photo by @kozx

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Un mandala suele ser un microcosmos que nos guía por el macrocosmos, un símbolo que acoge un significado oculto por desvelar. Decía el filósofo e historiador de las religiones, Mircea Eliade, que el mandala es «a la vez una imagen del universo y una teofanía (manifestación de dios)», un centro para los iniciados que deciden quemar su ignorancia, un apoyo en la concentración.

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Las pinturas ‘enlatadas’ de Heidi Annalise

'Boulder, Colorado' - Heidi Annalise - Foto: instagram.com/heidi.annalise.art

‘Boulder, Colorado’ – Heidi Annalise – Foto: instagram.com/heidi.annalise.art

Dentro de la pequeña lata de pastillas de menta Altoids hay pegotes de pintura alineados, con extremos ya mezclados con otros colores, aplastados y convertidos en una versión más clara u oscura de sí mismos. El interior de la tapa es el soporte para un pequeño lienzo.

En el estudio, Heidi Annalise pinta paisajes «entre el realismo y el impresionismo», añadiendo «un elemento de fantasía al mundo natural con colores acentuados y formas simplificadas». Representa con exactitud los accidentes geográficos, pero se permite licencias poéticas para pintar la niebla o las nubes con una apariencia cremosa o para que los arbustos entre los que asoman dos cervatillos parezcan más bien algodones azulados.

En el exterior, la caja metálica es su «joya portátil», la herramienta para pintar en la naturaleza sin quebraderos de cabeza, convirtiendo la amplitud del paisaje en una miniatura íntima. No se atribuye la invención del sistema, otros han utilizado antes el útil recipiente de caramelos ingleses para hacer acuarelas. Las fotos en las que muestra sus trabajos en Instagram son, sin embargo, especialmente estéticas: el paisaje real se completa con el que atesora la cajita, la pintura complementa al fondo.

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¿Cuál de estos tres retratos de mujeres pintadas por hombres es el mejor del año?

Desde la izquierda, 'Double Portrait', de Thomas Ehretsmann © Thomas Ehretsmann; 'Emma', de Antony Williams © Antony Williams, y 'Breech!', de Benjamin Sullivan © Benjamin Sullivan

Desde la izquierda, ‘Double Portrait’, de Thomas Ehretsmann © Thomas Ehretsmann; ‘Emma’, de Antony Williams © Antony Williams, y ‘Breech!’, de Benjamin Sullivan © Benjamin Sullivan

Estas tres pinturas son las finalistas del BP Portrait Award de 2017, el concurso de retratos pintados con más prestigio del mundo —pese a que ha perdido parte de su brillo por el patrocinio, desde hace 28 años, de la petrolera British Petroleum, empresa que por mucho arte que apadrine no va a limpiar la peste negra con que regaló al planeta a partir de la tragedia en 2012 de la plataforma Deepwater Horizon, el vertido más grave (780.000 toneladas de crudo) de la historia de la humanidad (visto desde satélite aún provoca lágrimas y ganas de soltar unos cuantos guantazos)—.

El premio, que gestiona la National Portrait Gallery de Londres (NPG), recibió en la convocatoria de este año, la 38ª, 2.580 obras de 87 países. El jurado acaba de hacer públicos los cuadros que pasan a la final y el 20 de junio fallará los tres premios, que se llevarán cuantías de 30.000, 10.000 y 8.000 libras esterlinas respectivamente. Entre los pintores de 18 y 30 años que hayan concurrido se otorga un galardón de 6.000 al mejor artista joven y la NPG se reserva el derecho de encargar una obra especial por comisión a cualquiera de los finalistas.

Los tres retratos que se juegan los premios de este año son realistas, de modelos femeninas y pintadas por hombres: Doble retrato, del francés Thomas Ehretsmann (1974), que pinta a su esposa embarazada Caroline; Emma, ​​retrato del inglés Antony Williams (1964) de su musa y amiga Emma Bruce, y Nacido de nalgas, donde el también inglés  Benjamin Sullivan (1977) capta su esposa Virginia y a la hija de ocho meses de la pareja.

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Copiando a Picasso en 3D y creyéndose artista

El Picasso, a la izquierda, y la versión de Omar Aqil

El Picasso, a la izquierda, y la versión de Omar Aqil

El paquistaní Omar Aqil, un virtuoso de los programas de generación de imágenes en tres dimensiones, se ha propuesto, en el proyecto MIMIC, recrear con herramientas de software obras de Picasso. Al afanoso joven de Lahore no le van las apuestas bajas.

Define su trabajo como «experimentos visuales que utilizan el arte del pasado». Como la intención conlleva cierta grosería en la autosuficiencia —por otra parte tan común entre los informáticos, sean programadores o simples expertos—, enseguida se apresura a anotar la obviedad: que Picasso es «uno de los más grandes e influyentes artistas del siglo XX».

Aún aceptada la nota de humildad, Aqil empeora el asunto explicando que eligió seis obras de Picasso, para «ver cómo funcionan al volver a crearlas como imágenes en 3D modernas». En mi tiempo a ese juego se le llamaba copiar.

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El cruce de dos artistas incorrectos: Kiefer y Céline

Courtesy: Anselm Kiefer

Courtesy: Anselm Kiefer

Tres citas de un monstruo:

Cuando los grandes de este mundo empiezan a amarnos es porque van a convertirnos en carne de cañón.
El amor es el infinito puesto al alcance de los caniches. ¡Y yo tengo dignidad!
Invocar la propia posteridad es hacer un discurso a los gusanos.

Las frases, todo negrura, horca y misantropía, son de Viaje al fin de la noche (1932), una de las novelas más brutas del siglo XX. Escrita por el incómodo Louis-Ferdinand Céline (1894-1961) —estigmatizado por antisemita, condición negativa a las claras, pero insuficiente para borrarlo del canon literario, como algunos han porfiado—, es la obra cumbre del nihilismo, la incorrección y el tedio de la existencia.

A la figura siempre peligrosa del escritor francés se ha arrimado otro creador complicado, el artista alemán Anselm Kiefer (1945).

Tres de sus citas, para intentar la conexión:

No pinto para pintar un cuadro. Para mí pintar es pensar, investigar (…) y no precisamente investigar sobre la pintura.
Una de mis motivaciones para pintar es la historia de Alemania. Es una investigación sobre mí mismo, sobre lo que soy, sobre dónde nací.
El arte es un intento de llegar al mismo centro de la verdad. Nunca puede, pero es capaz de acercarse bastante.

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¿Quieres que el MoMA te enseñe a pintar como Pollock, Rothko, De Kooning…?

Algunas de las obras que serán analizadas en el curso en línea del MoMA © MoMA

Algunas de las obras que serán analizadas en el curso en línea del MoMA © MoMA

Dediquen un momento a las seis obras de arte del mosaico que abre la entrada.

Desde arriba a la izquierda y en el sentido de las agujas del reloj, Númber 107, de Ad Reinhardt, una textura de fosforescencia blanco y aspecto de pared de ladrillo; White Light, uno de los últimos cuadros de Jackson Pollock, que habló del «peligroso glamour» de la pieza; No. 10, en el que Mark Rothko dio un paso más en la pretensión de «eliminar todos los obstáculos entre la idea y el cuadro»; Vir Heroicus Sublimis, de Barnett Newman, donde el pintor deseaba compomer un paisaje legendario para una época sin dioses ni creencias; Excavation, una de las marañas de Willem de Kooning, y Friendship, de Agnes Martin, que, como es habitual, traza una red articulada para alcanzar el zen de vacía tranquilidad del minimalismo.

¿Le apetece pintar así? ¿Siente la llamada de la abstraccción pura y libre? ¿Considera, como Kandinski, que el color es un medio para llegar al alma y ninguna otra pretensión debe tener el arte? ¿Opina, como añadió Pollock, cansado de dar explicaciones, que «la pintura abstracta es… abstracta»?

¿Es usted uno de esos que, ante una brutal mancha o una trama informe e infinita, opina, con bastante suficiencia y aún más tontería, que eso lo puede pintar su hijo de seis años?

El Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, templo primario de la abstracción, le puede ayudar.

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