BLOGS
Trasdós Trasdós

No nos disgusta la definición del término trasdós: la "superficie exterior convexa de un arco o bóveda". En este blog perseguimos estar en alerta y con el objetivo siempre dispuesto para capturar los reflejos, destellos, brillos y fulgores que el arte proyecta.

Entradas etiquetadas como ‘paisaje’

Utopía

Among the Sierra Nevada, California, 1868. Albert Bierstadt. Wikimedia Commons.

Among the Sierra Nevada, California, 1868. Albert Bierstadt. Wikimedia Commons.

El cuadro lo firmó Albert Bierstadt, pero yo lo llamaré utopía. En 1868 capturó este horizonte de cordilleras salvajes en el que no sabemos si empieza o termina la noche. Es solo la estampa de un sol naciente o moribundo, inclinado sobre las aguas recién nacidas; allí los animales mojan sus patas, y los bosques, como silenciosos espectadores de esta maravilla, se sienten sagrados.

Dejadme llamarlo utopía.

Bierstadt fue el gran retratista de las tierras aborígenes del Salvaje Oeste, antes de que el ferrocarril importara la plaga. El cuadro corresponde a Sierra Nevada, estado de California, hoy una antorcha encendida por unos incendios que no aspiran a retroceder. Entonces los hombres eran primitivos, los humanos una minoría. Paradójicamente Bierstadt colaboró con la destrucción de estos paisajes por sus labores de topógrafo explorador. Había retratado los grandes territorios aún no conquistados. Murió solo y olvidado, quizás soñando en su utopía perdida.

Las utopías suelen ser lugares lejanos, espacios que pensamos futuros, decimos que inalcanzables. La utopía es el lugar al que se aspira a ir, donde nos gustaría vivir. Y cuando yo miro a ese futuro lejano en el que querría morir veo un cuadro de Bierstadt.

Quiero verlo, acudir a él como un elefante camina hacia su frondoso cementerio:

Veo que en este futuro la naturaleza, como en el lienzo, mantiene su cíclico retorno. Veo en este cuadro que llamo utopía el símbolo de nuestra continuidad: la supervivencia de este paisaje significa que el porvenir de los hijos está garantizado. Lo siento como un baile perfecto, orgánico, como la lluvia suave o la brisa fresca en verano, mi esperanza tiene aquí el aliento del musgo. No veo la tecnología en este cuadro porque ahora es invisible, y está al servicio del paisaje y no en contra. Si éste pervive, entiendo que supimos corregir los errores, unir esfuerzos y lazos como si fuéramos un inteligente micelio, y sé que tuvimos que hacerlo en el último minuto… Me entusiasmo porque hemos respondido juntos a esta debacle que empezó en el día negro en que decidimos comportarnos como una plaga que viaja en ferrocarril, que mata indios, quema bosques, extermina bisontes, y que deja a sus coloridos nietos -blancos, negros, amarillos, marrones- sin sustento, en una condición muy precaria, con todos los recursos esquilmados. Veo que hemos vencido a esa cultura suicida del ahora mismo. Comprendimos el verdadero sentido de la palabra hogar al identificarlo con este paisaje. Veo que en ese mundo lejano que llamo futuro somos por fin justos, razonables, equilibrados, cooperativos, sensibles, conectados, responsables. Somos los habitantes del jardín y no la plaga, y lo sentimos en carne viva, vertimos en él nuestro instinto de pertenencia: el río es la arteria; el árbol, el alveolo; el mar, la sangre; el amanecer, la córnea húmeda… Somos los que podremos volver a pintar un cuadro de Bierstadt.

Lee el resto de la entrada »

Las pinturas ‘enlatadas’ de Heidi Annalise

'Boulder, Colorado' - Heidi Annalise - Foto: instagram.com/heidi.annalise.art

‘Boulder, Colorado’ – Heidi Annalise – Foto: instagram.com/heidi.annalise.art

Dentro de la pequeña lata de pastillas de menta Altoids hay pegotes de pintura alineados, con extremos ya mezclados con otros colores, aplastados y convertidos en una versión más clara u oscura de sí mismos. El interior de la tapa es el soporte para un pequeño lienzo.

En el estudio, Heidi Annalise pinta paisajes “entre el realismo y el impresionismo”, añadiendo “un elemento de fantasía al mundo natural con colores acentuados y formas simplificadas”. Representa con exactitud los accidentes geográficos, pero se permite licencias poéticas para pintar la niebla o las nubes con una apariencia cremosa o para que los arbustos entre los que asoman dos cervatillos parezcan más bien algodones azulados.

En el exterior, la caja metálica es su “joya portátil”, la herramienta para pintar en la naturaleza sin quebraderos de cabeza, convirtiendo la amplitud del paisaje en una miniatura íntima. No se atribuye la invención del sistema, otros han utilizado antes el útil recipiente de caramelos ingleses para hacer acuarelas. Las fotos en las que muestra sus trabajos en Instagram son, sin embargo, especialmente estéticas: el paisaje real se completa con el que atesora la cajita, la pintura complementa al fondo.

Lee el resto de la entrada »

Óleos que ‘nacen’ en el tronco de un árbol

'Trophy' - Alison Moritsugu - Foto: alisonmoritsugu.com

‘Trophy’ – Alison Moritsugu – Foto: alisonmoritsugu.com

En el tronco cortado a lo ancho, las finas circunferencias concéntricas (anillos) revelan la edad de los árboles —los seres vivos más longevos del planeta— desplegando una prodigiosa biografía. La ciencia de la dendrocronología analiza los surcos exactos como discos de vinilo, documentos gráficos de sequías, inundaciones, cambios en la estabilidad de la tierra y en el clima.

Los círculos rodeados de corteza y los cortes limpios y verticales de troncos de árbol son para la hawaiana Alison Moritsugu lienzos en los que pinta parajes naturales del pasado. Con los óleos de Log Series (Series de troncos), bellos de un modo canónico, la artista explora “los artificios de la pintura paisajística de los siglos XVIII y XIX”.

Lee el resto de la entrada »

¿Paisajes figurativos o pinturas abstractas?

'Silver' - Samantha Keely Smith - Foto: http://samanthakeelysmith.com

‘Silver’ – Samantha Keely Smith – Foto: samanthakeelysmith.com

No representa lugares reales, ni siquiera acude a ellos para inspirarse. Samantha Keely Smith tiene la ambición de transformar los estados de la mente en olas de varios metros que chocan contra riscos, lenguas de fuego, oscuridad geológica… El proceso es casi químico: sobre el lienzo, el estado emocional de la artista se transforma en un paisaje que sólo existe en su cabeza.

Cataloga las obras como abstractas, pero matiza que otros las definen como “paisaje semiabstracto”. La duda está justificada: en las pinturas hay tormentas, erupciones volcánicas, luces en la lejanía tamizadas por la niebla, atmósferas teñidas… Siempre hay algo que resulta demasiado familiar como para rendirse y sentenciar “yo no veo nada más que una mezcla de colores”.

Lee el resto de la entrada »

Cuando la naturaleza se convierte en partitura

La cadencia pausada le otorga una singular tranquilidad al paisaje de la ciudad de Sapporo (Hokkaido) —la cuarta más poblada de Japón— que se contempla desde el Sapporo JR Tower, un rascacielos de 38 pisos y 173 metros de altura.  El instrumento de cuerda pulsada del que brotan las notas es un Tonkori, tradicional del norte del país y cuyo nombre imita el sonido que produce.

Inspirado por las montañas o los edificios silueteados en el horizonte, el japonés Koshi Kawachi (Gifu, 1973) convierte en su proyecto reciente Note Drawing (Dibujo de notas) fotos de paisajes en partituras, repartiendo las notas a lo largo de los desniveles para construir una melodía.

No es la primera expresión artística en la que se juega con el paisaje para obtener una inesperada partitura. En 2009, el artista brasileño Jarbas Agnelli convertía en una melodía la foto de unos pájaros posados en cables de postes telefónicos: cada ave era una nota, el cableado; una perfecta escala pentatónica. Había encontrado la imagen en un periódico y asegura que respetó “el lugar exacto de los pájaros” sin editar la imagen. “Corté la foto y me puse frente al piano. Me di cuenta de que era una melodía dulce y sencilla y decidí añadirle arreglos clásicos”, declara en una extensa entrevista.

La artista Kerry Morrison y el compositor Jon Hering también hicieron, en Inglaterra en 2012, música con la ayuda de los pájaros. El método fue mucho menos romántico: Morrison colocó pentagramas vacíos en el suelo de diferentes parques de Liverpool y esperó a que sucediera lo inevitable, que las aves defecaran sobre las láminas.

Bird Sheet Music - Kerry Morrison-Jon Hering

Crearon 20 minutos de música (aquí se puede escuchar un extracto) que, con arreglos clásicos de Hering, fue interpretada en la sucursal de la Tate Gallery en Liverpool. El proyecto fue una manera de destacar la importancia de las deposiciones de los pájaros para repartir semillas y fertilizar la tierra en los parques urbanos. “Es algo que la gente no suele pensar. (…) Suelen verlas como asquerosas y horribles, pero son de una importancia fundamental para la vida en la tierra”.

Helena Celdrán