Tiene carácter artesanal, espíritu de steampunk, cuerpo de mecánica victoriana y corazón de reloj centroeuropeo… La Wintergatan Marble Machine es una caja de música que cuenta con un bombo, un bajo, un vibráfono, entre otros instrumentos, y que se acciona por la intervención de una manivela y 2.000 canicas.
La máquina está ahora en el museo Spielklook Museum de Utrech (Holanda), y tiene estatus de obra de arte. Se trata de un instrumento, inventado por el músico sueco Martin Molin,que usa el peso de esas bolas metálicas para hacer música. Suena muy bien. Le costó 16 meses contruirla.
Por makerentendemos a los que elaboran sus inventos tecnológicos con las manos, el háztelo tú mismo como una filosofía de vida en la construcción, creación, el arte, conocimiento y la fabricación digital. Por talismán entendemos «objetos al que se le atribuye un poder mágico capaz de dar salud o suerte o de beneficiar a la persona que lo tiene en su poder».
El colectivo Grigri Pixel, con la participación del MediaLab Prado, han unidos ambos conceptos, y juntado makers de África y Europa para crear talismanes en open source (código abierto) que nos puedan proteger en este mundo en crisis. Realizan «un programa de residencias, encuentros y talleres en torno a la fabricación de objetos mágicos en espacios urbanos a partir de prácticas y estrategias colaborativas, artísticas y de fabricación digital del continente africano».
En el vídeo se muestra perfectamente su filosofía: crear de modo conjunto, horizontal, sin individualismos. Amuletos de conexión. Beben de la inteligencia africana, del espíritu artesano y superviviente, creando sinergias y encuentros con un continente tan próximo y a la vez desconocido. Crean un verdadero talismán: todos los pueblos unidos por un fin común, la raza humana trabajando en conjunto por un presente y futuro mejor, y con esta protección mágica qué duda cabe que, a gran escala, seríamos invencibles o casi.
Tony Greenhand (mano verde) tenía un don que aún no había encontrado su espacio natural. Dominaba una técnica considerada ilegal en casi todos los países del mundo: es el campeón mundial liando porros- joint rolling, llaman a este nuevo rodeo en los Estados Unidos, o creative rolling, para ser más exactos-, de hecho, hace algo más: crea esculturas fumables, como le gusta decir. Canutos artísticos, en lengua llana. Su arte liable era ilegal y poco reconocido hasta hace solo unos años.
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Entonces se legalizó la marihuana en Oregon y en otros estados para los ciudadanos mayores de 21 años, por referendo popular, y la sustancia despertó todo el poder de la mercadotecnia y de las competiciones que tanto adoran los americanos, ya sea tratándose de los rodeos, de las langostas y cangrejos, y ahora, claro está, de la marihuana. Esto conectó con el hiperespacio de Instagram (tiene casi 300.000 seguidores), que hace famosos a los individuos por leyes que aún no han sido resueltas por los científicos cuánticos. Y así nacen las estrellas de la nueva industria verde americana que solo unos años antes habrían terminado frente a un tribunal.
El Orfelinato es un orfanato judío abandonado situado en el barrio de Ortaköy, en Istanbul (Turquía). Un lugar de paredes heridas, gastadas, escaleras rotas y lamentos centenarios atrapados en salitre. Un territorio que fue el denso espacio para miles de niños que se cobijaron en las habitaciones conjuntas, y que ahora aparecen desnudas en este vídeo.
El colectivo artístico Oddviz, fundado por el arquitecto Çağrı Taşkın, el científico ambiental Serkan Kaptan y el fotógrafo Erdal Inci, han querido recuperar su memoria como espacio visual, gracias a la técnica de la fotogrametría, uniendo miles de fotos y capas en 3D, presentando este espacio a modo de casa de muñecas. Se trata de la segunda entrega de su serie Contextures, que iniciaron, siguiendo el mismo patrón conceptual, con su aclamado vídeo Hotel.
La técnica de la fotogrametría está dando una nueva dimensión espacial a la fotografía. Es necesario capturar cada esquina del edificio durante varias semanas para después fusionar más de 10.000 fotos (cada habitación es al menos la combinación de entre 100 o 150). El resultado es esta alquimia entre ciencia, arte y arquitectura, que permite conservar la memoria de estos edificios en ruinas, y otorgarnos a los espectadores un nuevo sentido arácnido de la vista.
Harto de pelear contra los egos decides despedir a los músicos de tu banda. Te encierras en un garaje y programas. Suplantas a tus compañeros con brazos mecánicos. Tu nuevo grupo está siempre dispuesto al rock; ensaya sin descanso, es preciso y mecánico, no toma drogas o abandona las tablas por su primer hijo llorón. Entonces programas el alma…Fatal crash error…
Músicos perfectos, esclavos de tus designios, hartos de pelear contra tu ego, encienden su láser de obsoleto robot industrial y arrasan el escenario reflejando un viejo proverbio matemático: toda destrucción equivale a metáfora.
Tú sigues tocando, te unes a las máquinas, ningún colega, solo cables y chispas, simpatía o sinfonía apocalíptica, y extremidades sin algoritmo de abrazo.
Tú eres la máquina…
Este microcuento futurista encaja con el videoclip de Automatica. Futurista es el concepto de alma mecánica y rebelión. Los robots ya tocan hoy las teclas y cuerdas como un prodigio moderno. Componen música creativa. Están armados con láser, pronto serán el sicario perfecto.
Andy Thomasviajó a la densidad de la selva para grabar sus sonidos. El canto de los pájaros, el aullido de los monos, el traqueteo de seres invertebrados, quizás los pasos secretos de una tribu no contactada… Después digitalizó esos rumores para crear naturaleza animada. El resultado es éste, que llamó Sonidos visuales del Amazonas.
Las imágenes en 3D crean unefecto de sinestesia. Los sonidos son formas y colores en movimiento que crecen desde su imaginación y técnica. La sinestesia es una alteración por la que algunas personas experimentan la percepción de los sentidos mezclados. Ven sonidos, huelen colores, hay muchas combinaciones posibles. Se cree que puede ser un trastorno hereditario. Se ha asociado con personas creativas, como Kandinsky, Nabokov, Rimbaud. También está relacionada con cultos tribales donde la música repetitiva genera luces y patrones.
Thomas viajó a la selva de Presidente Figueiredo, municipio del estado brasileño del Amazonas. “Este es un precioso lugar, no lo perdamos”, escribió. Quiso concienciar sobre estos espacios como había hecho antes con los bosques de Nueva Zelanda. Su obra se expone hasta el 5 noviembre en la muestra Render: hibridaciones animadas, del Espacio Fundación Telefónica de Lima (Perú).
Este es un espectáculo que apela al sueño lúcido. La proyección audiovisual actúa de neurotransmisor químico. Geometrías sagradas, ilusiones, danzas, llamadas a redefinir el espacio sólido: deformar la piedra con el fotón. Parece una alucinación. Si has visto el vídeo entenderás ahora la luz como una energía simbólica. Percibiste las sombras chinescas del presente, la transformación en sueño del muro.
Interconnection es la pieza de vídeo-mapping que ganó la pasada edición del prestigioso festival iMapp que se celebrará en la ciudad de Bucarest el próximo día 16. Consiguió el premio del jurado y del público con esta sugestión que tiene la potencia de transformar un áspero edificio en un palacio de triptamina, deformar la materia hasta la ilusión de matriz del espacio-tiempo, donde se fraguan meteoros, mitos y reencarnaciones, epifanías y proyectos de pulgas y dioses. El estudio Limelight afirma que su creación busca materializar «la interconectividad, la red cósmica que todo lo une».
Resulta maravilloso ver cómo el Palacio del Parlamento de Bucarest, el edificio civil más grande del mundo, y antiguo símbolo de un horror histórico, es la plataforma de esta visión gracias a la técnica del vídeo-mapping o proyección de imágenes sobre espacios normalmente fijos. El dictador rumano Nicolae Ceauşescu nunca entendió que estaba unido al mismo espacio sufriente de sus víctimas. Decidió destruir una parte de esa ciudad- doce iglesias, dos sinagogas, tres monasterios y más de 7.000 casas-, que había sido bautizada por su belleza como el París de los Balcanes, para construir un engendro a la megalomanía brutalista. Separó, cercenó, rompió. Ejerció el gris sobre el muro. Secuestró sueños. Nadie podía imaginar entonces que este edificio sería un día un arabesco luminoso. Todos estamos interconectados. Frente a la oscuridad, luz. Transformación del muro.
‘White Rectangle on a Red Circle’ – Le Quidam – Foto: lequidam.com
El urinario masculino apareció en una exposición colectiva organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York en 1917. Nadie se esperaba en aquel entorno un objeto así, exhibido sobre un pedestal, con un título artístico: La fuente. Escrito sobre el urinario se lee R. MUTT, pero en realidad tras la firma en mayúsculas estaba Marcel Duchamp (1887-1968), que pertenecía a la sociedad artística en cuestión y quería poner a prueba a sus colegas.
Habían concluido con antelación que para aquella muestra se aceptaría cualquier obra que se presentara y el autor entró al trapo con un objeto vulgar. Perplejos, los miembros de la sociedad debatieron sobre si aquello era arte o no y al final escondieron la obra, lo que hizo que Duchamp se marchara de la junta de artistas.
De aquel episodio se cumplen 100 años que no parecen mas que un segundo, porque la discusión sigue siendo la misma, el dilema de elegir entre la genialidad y la desfachatez para entender el arte conceptual sigue ahí. ¿Es arte un objeto solo por exhibirse en un museo o en una galería? ¿Se transforma cuando está fuera de su contexto original, sobre un pedestal y titulado por un artista?
Un siglo después no es solo que la provocación siga activa, hay creadores que demuestran cómo aún se pueden seguir buscándole las cosquillas al arte en nombre de Duchamp.
El artista callejero Le Quidam —con un significado en francés cercano a «fulanito de tal»— vive entre París y londres, ciudades que convierte en escenarios de sus intervenciones. Las obras son discretísimas y nada invasivas, comentarios en voz baja para el deleite de quien se molesta y maravilla en escuchar a los que no gritan ni hacen aspavientos.
Los objetos sustituyen a los seres humanos de carne y hueso, que no tienen por qué visitar el museo para participar en la instalación interactiva. Sin aparente relación entre ellos, un ventilador, un cono de tráfico, un teléfono o el busto pálido de una venus grecorromana comparten la sala. Tienen en común una serie de añadidos insertados: pantallas, cámaras y microprocesadores.
Avatars (Avatares) es una exposición basada en la participación a distancia. Las piezas que se exhiben en la muestra se pueden controlar, están conectadas a Internet y sólo hay que entrar en una web para manejarlas.
Los artistas japoneses So Kanno y Yamaguchi Takahiro son los autores de la instalación, que permanecerá hasta el 14 de mayo en el YCAM (en la ciudad de Yamaguchi, al sur de Japón), un museo especializado en proyectos que unen arte y nuevas tecnologías. Quien desee participar tendrá que hacerlo cuando el centroestá abierto en Japón, de 10:00 a 19:00 horas, de las 3 a las 12 de la mañana UTC.
El primer dibujo de Craghead para el proyecto ‘TrumpTrump’ – Warren Craghead – Imagen: trumptrump.tumblr.com
Una masa amorfa, derretida, sudorosa y arrugada; a veces un humanoide de rasgos cadavéricos, pero casi siempre reconocible en los rasgos básicos. Warren Craghead dibuja a Donald Trump a diario desde julio de 2016, cuando la bufonada se volvía un asunto serio.
En ese primer dibujo, representa al entonces candidato a la presidencia de los EE UU con cuatro pelos grasientos pegados a la cabeza, una expresión de autocomplacencia feroz y profusión de gotas de sudor. Bajo la imagen, una frase: «Mi coeficiente intelectual es uno de los más altos… ¡Y todos lo sabéis! Por favor, no os sintáis estúpidos o inseguros, no es vuestra culpa». Las palabras son reales, están extraidas de un mensaje de Twitter que Trump escribió en su cuenta oficial el 8 de mayo del año 2013.
Craghead es autor de TrumpTrump, un microblog de Tumblr que describe de modo escueto como «Donald Trump dibujado diariamente hasta que esta pesadilla se acabe«. Acompañando a cada obra gráfica, el ilustrador estadounidense añade una cita del retratado o una noticia relacionada con sus nombramientos y políticas, siempre con un vínculo para acceder a la fuente original.
