Yo me imagino que cada generación de escolares tendrá sus greatest hits de autocar para las excursiones. Hace unos años fue el Despacito, un poco antes el Waka Waka y ahora… Pues, curiosamente, es el Waka Waka otra vez. Pero a lo que iba: OBK, lo siento si a alguien no le gusta, a mí me tocó disfrutarlo mucho como banda sonora de mis excursiones escolares. Coreado por cincuenta pequeñas voces, Historias de amor sonando a todo volumen en Autocares Mariano.
Jordi Sánchez y Miguel Arjona se conocieron en los ochenta y, en 1991, firmaron el primer contrato para su formación, OBK, que (por si no conocéis el dato) al parecer viene de Oberkorn, un tema instrumental de Depeche Mode, del que ambos eran fans. Su primer álbum, Llámalo sueño, fue triple disco de platino y, con cuatrocientas mil copias, el más vendido de su carrera, seguido por Antropop, del año 2000.
En Llámalo sueño fue donde encontramos temazos que nos acompañaron a lo largo de toda la década, como el consabido Historias de amor o De qué me sirve llorar. Jordi y Miguel pasaron a formar parte de la historia de la música de este país.
Estaban los solistas, el tirón de los cantautores, las sempiternas boybands y, después, estaban los dúos. Que técnicamente se llaman igualmente grupos, pero son dúos. Desde Pecos y Pimpinela hasta OBK o Ella baila sola, siempre ha habido parejas artísticas que han llenado nuestros oídos y han tenido su momento de gloria.
El de Duncan Dhu empezó en el 84 aunque, paradójicamente, no como dueto, sino como trío: después de que se unieran los principales integrantes de Aristogatos y Los Dalton, Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles (que formaba parte de Los Dalton junto a Diego) crearon Duncan Dhu.
Juan Ramón Viles dejó la formación a finales de la década, después de haber ayudado a parir una buena colección de éxitos harto radiofonados, como los inolvidables Cien gaviotas, Esos ojos negros, Jardín de rosas, En algún lugar o Una calle de París.
A Juan Ramón Viles, seguramente, se le ha seguido un poco peor la pista que a sus antiguos compañeros. A pesar de estar en aquellos primeros grandes éxitos, era probablemente la cara menos visible del entonces trío y a ello sumó el abandono de la formación. Pasó a formar parte de Emirra junto a Emilio Facal, estuvo vinculado en producción a Dinamita pa los pollos y, más tarde, publicaría Duncan Dhu: Crónicas de un éxito (un libro en el que cuenta la historia del grupo cuando él era un integrante) y ya en 2009 se lanzaría a publicar música en solitario con el nombre de JuanRa Viles: En buena compañía.
No mucho después, en 2011, lanzaría su carrera política al ser elegido concejal en al Ayuntamiento de San Sebastián por el PNV. Durante un tiempo, además, era fácil seguirlo a través de Twitter o su blog, aunque lo tiene últimamente bastante desatendido. En su blog, por ejemplo, no publica nada desde 2020.
Imagen de Juan Ramón Viles al acceder a su cargo en el Ayuntamiento (EITB)
Mikel, por supuesto, ha sido siempre el más mediático. Duncan Dhu se mantuvo como formación, oficialmente, hasta 2001. Sin embargo, solo un par de años después de que Viles dejara el grupo, Erentxun comenzó una carrera en solitario de manera paralela a Duncan Dhu. En 1992 lanzó, de esta manera, Naufragios, el primero de una buena lista de álbumes como solista. En 2009 se uniría a su nueva formación, Malas Influencias, y a un ritmo de álbum cada dos o tres años llegamos a 2021, cuando publica Amigos de guardia, un disco doble repasando sus 35 años de carrera. En 2023 publicó su último trabajo: Septiembre. Ahora mismo lo tenemos en plena gira internacional.
Aunque Duncan Dhu, en teoría, se disolvió en 2001, lo cierto es que más tarde Diego y Mikel volvieron a trabajar juntos y, hasta 2017, llegaron a sacar una docena de discos bajo el nombre de la formación.
A la vez que Mikel comenzaba una carrera paralela en solitario, Diego también daba inicio a la suya tras el nombre de Cabaret Pop, muy diferente al estilo de Duncan Dhu. En Cabaret Pop encontrábamos funk, techno y música negra, totalmente bailable y con letras mucho más ácidas que las acarameladas líricas de su otro grupo. En el 95 se lanzó del todo y puso su nombre en el álbum: Diego Vasallo y el Cabaret Pop, con una veintena de temas entre el pop y el soul de los años ’60 y ’70. De aquel trabajo resultó Polaroids, el primer single.
Además, Diego tiene una segunda vertiente artística que lleva en paralelo a su carrera musical, pero que forma parte del todo que es él, el de un artista, y es que Vasallo puede presumir de tener un buen repertorio fotográfico con el que ha llegado a crear exposiciones, como Rastros y huellas: la mecánica del azar, en el Ayuntamiento de Mazarrón.
Los hermanos Beato, Ángel y Carlos, o Viceversa, arrasaron en 1993. La fórmula parecía fácil, pero sucedía, tal vez, lo que sucede con todas las buenas: que parecen fáciles cuando ya están hechas, aunque no lo sean.
Contaba Ángel que grabar su maqueta le costaba noventa mil pesetas y que le faltaban quince mil, así que le dijo a Carlos que, si se las prestaba, le dejaba formar parte del grupo. Y así fue.
La canción tenía un ritmo pegadizo, trazas de tecno al estilo de OBK (tanto que hay gente que piensa que el tema es de OBK, y no de Viceversa) y una letra bonita y fácil de seguir. Se titulaba Ella, pero nadie la reconoce por su título: para el mundo es Tu piel morena sobre la arena. Vendió más de 600.000 copias y reventó las listas.
Ella fue número uno en los Cuarenta principales junto a Un amigo de verdad, otro de los sencillos de su primer álbum, homónimo. Sacaron otros tres álbumes después: Voy hacia ti (95), Mil razones (2000) y Tenemos que hablar (2009), aparte de un recopilatorio de 2006. Tenemos que hablar fue el último álbum del dúo.
Ya separados como formación, Ángel Beato se sigue dedicando a la música, actúa en festivales y discotecas y reconoce que «no le importa ser conocido por un único tema: es muy difícil conseguirlo». Ni qué decir tiene que su especialidad, por supuesto, son las sesiones remember.
Los del Río, ese dúo formado por los sevillanos Antonio Romero y Rafa Ruiz, celebró el año pasado su 60º aniversario. Reunidos en formación musical en 1962 para participar en Ronda del Domingo (programa de Radio Sevilla), grabaron su primer disco en 1966 y sumaban casi 30 años de carrera, internacional por cierto, cuando, en 1993, sucedió algo que la música con letra española no volvería a ver hasta el Despacito de Luis Fonsi (que yo creo que se le quedó cerca sin llegar a igualar), y es que el mundo entero bailó al son de la que, todavía hoy, es nuestra canción más mundialmente famosa: La Macarena.
Imaginad si esto es así, que cuando he ido a enlazar este vídeo de arriba han sonado los tres primeros segundos y mi hijo de cuatro años ha gritado desde el sofá:
—¡MACARENA! ¡PONLA! ¡PONLA!
Sí, tal verano como este, hace treinta años, escenarios de colegios de toda la geografía española se llenaban de criaturas bailando la misma coreografía, desde los de primero hasta los de octavo de E.G.B. Sí, todavía existía la E.G.B.
Muchas fueron las canciones que llenaron mis jóvenes oídos durante los ’80 y los ’90, y casi todas puedo relacionarlas con alguien especial para mí. Y, si bien mis hermanos copaban a Tennessee, Barón Rojo, Medina Azahara o Miguel Bosé y en el bar de abajo sonaba No me pises que llevo chanclas o los Toreros muertos, en casa de mi prima triunfaba ella, triunfaba ella: Christina Rosenvinge.
Christina, antes de ser la de los Subterráneos, hizo dúo musical con Álex de la Nuez, anterior componente de Zombies, y antes de eso había estado en Magia Blanca y en Ella y los Neumáticos. Tras un par de años siendo Álex y Christina, en 1991, llegaría el éxito del grupo del que también formaron parte Antonio García de Diego, Pancho Varona o Begoña Larraña, entre otros. Tres álbumes, nos regalaron, de indie noventero con temas desde Tú por mí o Voy en un coche, del primer álbum, Que me parta un rayo, hasta Todos los chicos o Buena suerte, Dani, del último (Mi pequeño animal).
El último álbum de Christina y los Subterráneos, que no era otra cosa que el inicio de la carrera en solitario de Rosenvinge, vio la luz en 1994, y desde entonces la vocalista no ha parado su actividad. En el 97 lanzó Cerrado, con sus primeras canciones en inglés, fruto de su encuentro con «la escena alternativa de Nueva York» tras conocer a Lee Ranaldo (guitarrista de Sonic Youth). Sin embargo, renunció a renovar con Warner para explorar trabajos más introspectivos y experimentales. De su trabajo anterior y de los años siguientes bebió toda una generación de nuevas compositoras, como Julieta Venegas.
A finales de los ’90 se trasladó a Nueva York y forma banda con Lee Ranaldo y Steve Shelley para recorrer los locales underground de la ciudad, y es aquí cuando empieza su «etapa anglosajona» y publica tres álbumes: Frozen Pool (2001), Foreign Land (2002) y Continental 62 (2006). Este último álbum incluye algún tema en español y, como curiosidad, el título hace referencia al vuelo que la cantante cogió para volver a Madrid.
Desde 2007, Rosenvinge ha publicado varios álbumes (Verano Fatal, Tu labio superior, La joven Dolores, Lo nuestro o Un hombre rubio, premio MIN al mejor álbum pop), en los que mezcla cosas tan increíbles como una banda de lujo (Steve Shelley de Sonic Youth, Chris Brokaw de Come), violonchelos o revisiones de mitos clásicos. De La joven Dolores dijo la revista Rolling Stone que es una obra maestra y, de él, la canción más emblemática es Canción del Eco, una adaptación del mito de Narciso y Eco.
En 2018 le otorgaron el Premio Nacional de las Músicas Actuales del Ministerio de Cultura, por «el potencial emocional de su obra y su proceso de búsqueda de una personalidad musical propia, así como la calidad de su faceta compositiva y sus actuaciones en directo, así como por el talento y la credibilidad de su genuina carrera profesional, rasgos que encuentran una clara expresión en sus más recientes trabajos».
Más recientemente, y entre muchas otras cosas, compuso en 2021 Ese Chico, canción que cierra la serie de Bob Pop Maricón perdido.
Maravilla.
Además, publicó en 2019 con Penguin Random House el libro Debut. Cuadernos y canciones, en el que reúne varias de sus canciones entre el 92 y 2018 acompañadas de relatos que las contextualizan y apuntalan.
En un no parar de actividad, que se sigue con facilidad a través de su linktr.ee, la forma más inmediata de conocer todas sus novedades es a través, cómo no, de sus redes sociales. Hace apenas unos días anunciaba que Christina y los Subterráneos estarán en el festival FRONTERA en Chile el próximo mes de octubre.
Si tuviera que poner banda sonora a mi inicio de siglo, sin duda La cabra mecánica estaría entre mis tres grupos más escuchados. En el bar en el que trabajaba la ponían todo el rato y, además, sus canciones eran pegadizas como pocas. ¿Quién podría resistir a arrancarse por María Jiménez y su Lista de la compra?
No solo eso: a día de hoy, cuando necesito un ratito de música desenfadada que me haga sentir bien, La cabra sigue siendo uno de mis must. La última vez que tuve que pintar la casa me puse el álbum en bucle ni sé cuántas veces.
Isaac, Taylor y Zac Hanson fueron tres hermanos que, a pesar de no ser especialmente guapos para los cánones del momento, tenían un pelazo rubio larguísimo que allende los ’90 estaba muy de moda, así que por obra y gracia de sus melenas se plantaron en las carpetas de la mitad de la población adolescente. Las cosas como son: yo creo que se ponía a los tres porque siempre aparecían pegados y en paquete, que si no habría estado solo Taylor. Con estos chicos pasaba una cosa curiosa que Barney Stinson desfinió como «el efecto animadora»: parecían atractivos porque los veías a los tres juntos y con pelazo y eran resultones. Pero luego los examinabas uno por uno y estaban: el pequeño (que era demasiado pequeño), el mayor (que todo el mundo decía que era muy feo) y el que era el guapo por descarte: Taylor. Aunque confieso que esto lo digo de oídas, que yo nunca he sido ni de rubios ni de melenas.
Pero bueno, todo hay que decirlo: el éxito no les llegó sólo por obra y gracia de sus melenas. También tuvo mucho que ver el bombazo con el que lo petaron: Mmmbop. Aunque el grupo había empezado a trabajar a partir de 1990, fue en el ’97 cuando alcanzaron la fama internacional con ese tema, que fue a aquel verano lo que a otros han sido La Macarena, La Bomba o el Despacito. Chiringuitos y coches de choque de todo el mundo se rindieron a la pasión rubia. Lee el resto de la entrada »
Aunque ya lo hice cuando vimos qué había pasado con Mark Owen, me voy a repetir y voy a comentar, lo primero, que Take That, esa boy band al más puro estilo New Kids On The Block, BackStreet Boys o —introduzca aquí su año de nacimiento para calcular su boy band de referencia— es, igual que las Spice Girls, británica, no estadounidense. Que a veces se nos olvida que en Europa también hacemos estas cosas.
Take That en los tempranos 90 (GTRES) Mark Owen abajo, a la izquierda.
Como buena boy band que era, eran cinco sus integrantes. A saber: Howard Donald, Jason Orange, Gary Barlow, Mark Owen y Robbie Williams. Por razones que nunca llegaré a comprender, el que reunía más fans, más portadas y más posters era Mark Owen (en la foto, camisa blanca y chaleco negro). Y, curiosamente, el considerado «menos atractivo» y más payaso era Robbie Williams (en la foto, abajo a la derecha), el único que después consiguió triunfar en su carrera en solitario.
¿Y por qué, con todo esto, digo que Jason Orange es «el miembro olvidado de Take That»? Porque Williams va por libre, que bien que se lo ha ganado, y los otros tres (Donald, Barlow y Owen) continuaron con el grupo después de que Orange, tras haber regresado todos en los 2000, se despidiera de ellos de una vez y para siempre. Y ahora nadie o muy pocos se acuerdan de él.
La juventud ya no respeta nada. Una de las canciones favoritas de uno de mis peques es esta:
Nada, Mari. No respetan nada.
Pero, al menos, me han dado la oportunidad de ponerles el torero de Chayanne y, de paso, cobrar consciencia de que hace ya 20 años (21, para ser exactos) que yo bailaba eso en los bares de gente joven a los que ya me da vergüenza entrar. ¿Y por qué me da vergüenza? Porque no todos somos Jordi Hurtado… Ni tampoco Chayanne.
Contábamos el otro día, hablando de las curiosidades de Aladdín(que cumple 30 años), que, para dar realismo al movimiento de los pantalones bombacho de Aladdín, el animador Glen Keane se esforzó en imitar el movimiento que veía en los vídeos de MC Hammer. Y, oye, le salió redondo.
U Can’t Touch This (un tema con base en el Super Freak de Rick James) llegó al mundo dentro del segundo álbum del rapero, Please Hammer Don’t Hurt’Em, y corría el año 1990. Si con su primer trabajo había vendido tres millones de copias, el segundo (1990) vendió diecisiete millones, le valió varios premios (entre ellos mejor álbum de rap de la American Music Awards) y lo hizo obligatorio en todas y cada una de las emisoras de radio del planeta. Bueno, de las de música, al menos, que no veo yo a este chico en Radio María, para qué os voy a engañar.
El ascenso era tan rápido, repentino y pronunciado que el mismísimo MC Hammer se quitó el «MC» de su nombre artístico (a partir de 1991 fue solo «Hammer»). ¿Qué pasó para que tan enorme estrella, prácticamente, desapareciera del firmamento?
