El grafito, mezclado con una masa de arcilla molida, asoma de una montura de madera. El lápiz podría estar tan en jaque como escribir a mano —con nuestra caligrafía deteriorándose por momentos en favor del tecleo— pero con él hicimos nuestros primeros ejercicios escolares, seguimos dibujando, hacemos marcas en la pared para tomar medidas… Esbozamos lo que es posible que corrijamos con la tranquilidad de que todo se puede borrar.
También llevamos el elemento químico dentro. En nuestro cuerpo hay un 18% de carbono, necesario en la formación de carbohidratos, grasas y proteinas. Tal vez con esa característica en mente, el artista estadounidense Agelio Batle ha reproducido a tamaño real un esqueleto humano de grafito sólido.
Esculturas de cartón de Warren King – Imagen: Galleria Sculptor, Helsinki
En cartón y pegamento, las esculturas ennoblecen el material, cada curvatura contribuye a hacerlos más reales, se arman de carácter aunque estén huecas. Los ancianos visten con ropa amplia y abrigosa, con modestia y comodidad, algunos sonríen como si tuvieran delante a un niño; otros parecen soñar despiertos o bucear entre los recuerdos.
Estadounidense y de ancestros chinos, Warren Kingviajó a China por primera vez hace seis años. El objetivo era visitar Shaoxing, con alrededor de 5 millones de habitantes y famosa por su vino de arroz, la ciudad prefectura en la que está la aldea de la que eran originarios los abuelos del artista.
Se las llamaba «aviatrices» y eran un fenómeno escaso y singular pero indicador de cambios: mujeres que volaban solas, desafiaban límites y batían records de tiempo y distancia. La inglesa Amy Johnson (1903-1941) era una de ellas. Algo más joven que la legendaria aviadora estadounidense Amelia Earhart, con la cual compartía independencia y audacia.
Hacía unos años que Earhart se había convertido en la primera mujer en cruzar el Atlántico y también en recorrer los EE UU de costa a costa sin paradas, cuando, en 1930, Johnson saltaba a la fama mundial. La inglesa fue la primera aviadora en volar los más de 17.700 kilómetros entre Croydon —en el sur de Londres— y Darwin, en el norte de Australia. Lo hizo en un biplaza ligero De Havilland DH.60 Moth, un modelo de aeronave de los años veinte. Con matrícula G-AAAH y bautizado por su dueña como Jason, el avión se exhibe en la colección permanente del Museo de Ciencias de Londres.
‘Status update’ – Matthew Quick – Foto: matthewquick.com.au
«En una era en que la sandez y la celebridad son consideradas al mismo nivel que el logro real, es interesante reflexionar sobre cómo serán los monumentos del futuro. Esta es mi propuesta», dice Matthew Quick (Adelaida – Australia, 1967) en un texto que acompaña a uno de sus óleos. En la pintura, un pato de goma copa una columna romana con filigranas también doradas, un exhibidor clásico para una banalidad pop.
Al artista plástico le gusta tirar de la palabra y es amigo de las enumeraciones y la sobrecarga de información cuando resume su trayectoria. Uno de los creadores clave del actual panorama artístico australiano, en el apartado biográfico de su página web y en entrevistas recientes revela que ha tenido tiempo para escribir un libro de relatos cortos, ha sido director de arte, diseñador interior, fotógrafo, publicista, profesor universitario… Ha vivido en el Reino Unido, Portugal y Malasia. Entre medias, con treinta y tantos años, batalló contra un cáncer y venció cuando los médicos le pronosticaban cinco años de vida.
En una alegre isla japonesa, un grupo de animales humanoides y una niña se mueven al son de los violines. Como instrumento de percusión, una extraña tortuga-pato estira el cuello: cada vez que asoma la cabeza, un gato la golpea para añadir percusión a la música. La fiesta termina cuando sobre ellos planea un murciélago que suena como un avión y sobre el que viaja un roedor diabólico: Mickey Mouse.
El malvado Mickey ataca Japón (1934) es una historia de dibujos animados realizada en Japón con fines propagandísticos. La acción se sitúa sin embargo en 1936, como anunciando una amenaza inminente y sólo dos años de margen para reaccionar. Aunque salta a la vista que la coreografía y los movimientos combados de brazos y piernas son una herencia de las primeras historietas de Disney, el contradictorio cartoon nipón es una advertencia sobre los potenciales peligros imperialistas estadounidenses, que también llegan en forma de ratón animado.
Como en una historia de espías, es tan importante lo que se ve como aquello que falta. Las sombras bañan la luz, las identidades se esconden a menudo tras los sombreros y parece haber una historia escondida en cada mínimo objeto y gesto.
Las ilustraciones de Thomas Danthony son sensuales como el silencio en una noche de verano, envuelven múltiples sensaciones en muy pocos elementos. El francés residente en Londres evoca en sus obras la elegancia silueteada del cine negro o el idilio vacacional de los carteles turísticos de los años veinte a mediados del siglo XX. También es capaz de hacerle algún guiño a la contundencia geométrica del op art o a la superficialidad del pop art sin sacrificar su estilo personal.
En los rasgos, expresiones y actitudes las mujeres se ajustan a un ideal indio que no ha variado en siglos. El realismo, las pinceladas y la perspectiva o los juegos de luz y sombra indican un contacto con el arte europeo. Recargados y excesivos, son el sueño de un coleccionista occidental que se decante por lo kitsch, pero también es posible encontrar en estas obras el atractivo de la rareza histórica.
Considerado como el más sobresaliente pintor realista indio y uno de los artistas nacionales de cabecera, Raja Ravi Varma (1848-1906) fue también el primero en usar el óleo y mezclar la temática tradicional con el estilo pictórico del viejo continente.
Los dos tramos de escaleras confluyen en el centro, donde un falso ventanal refuerza la simetría de la construcción. Tres hombres jóvenes bajan los peldaños desanimados y cansados. Menos mal que, cuando lleguen abajo, otro hombre les dará desde ese ventanal central un saco blanco con una cara sonriente pintada. A partir de ahí, todo cambiará, subirán las escaleras contentos, con la cabeza tapada por el saco y acompañando la absurda risa con una postura a juego.
Tras la escena contada como una tira de cómic está el talento del francés Charles Leval —Levalet—, que se autorretrata en todos los participantes de esta escena. El artista define su trabajo como «de diseño e instalación» y dibuja a tinta carteles troquelados de hombres, mujeres y niños para los que buscará el espacio perfecto.
Cada pieza de cerámica debe tener un acabado perfecto o ser destruida. En Corea, los maestros de la cerámica tradicional no contemplan más que esas dos opciones. Los vasos, tazas y jarrones con defectos, por pequeños que sean, serán eliminados para —como detalla la coreana Yeesookyung (Seúl, 1963)— «mantener la condición poco común y el valor de las obras maestras que sobreviven».
La artista aprovecha las sobras, transforma la destrucción en una nueva vida. Desde el año 2002 amplía la serie de trabajos Translated Vase (Jarrón traducido), un proyecto de «esculturas reconstruidas», «rompecabezas tridimensionales» para las que sólo utiliza fragmentos de esa cerámica que prometía ser exquisita y decepcionó a su creador.
El adjetivo femenino aparece pronto cuando se teoriza sobre la obra de Georges de Feure (1868-1943), uno de esos creadores todoterreno del art nouveau que eran tan capaces de dibujar un cartel como de diseñar todos los elementos de una obra de teatro, un juego de muebles de salón o un jarrón de porcelana.
El pintor, diseñador, escenógrafo y diseñador industrial francés tenía en realidad un nombre más complejo y difícil de recordar para un francoparlante: Georges Joseph van Sluijters. Su madre era belga y su padre, un acomodado arquitecto holandés. Trató a los 18 años de empatizar con sus raíces tras ser uno de los 11 estudiantes admitidos en la Rijksakademie van beeldende kunsten (Academia Real de Bellas Artes) en Ámsterdam, pero duró poco al sentirse encorsetado por unos estudios artísticos formales que coartaban su independencia.
No volvió a pisar un centro de estudios y volvió a París, donde fue alumno de Jules Chéret, el maestro de los deslumbrantes afiches de espectáculos y fiestas de la Belle Époque y considerado inventor del cartel moderno. De Feure comenzó así a crear carteles con paletas de tonos pastel y sombras de gris, ciñéndose a los cánones del art nouveau, un movimiento que apostó por interpretar la naturaleza con una elegancia geométrica.
