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El regreso de David Gilmour: un buen videoclip y nada más

Captura del nuevo vídeo clip de David Gilmour

Captura del nuevo vídeo clip de David Gilmour

David Gilmour (1946) es una buena persona. Eso dicen en los círculos musicales: apañado guitarrista siempre dispuesto a echar una mano, compositor menesteroso y hombre con conciencia social —si eso se puede aplicar a estas alturas a alguien que vota laborista—.

Como músico lleva dando tumbos desde la separación de Pink Floyd, el grupo en el que hizo carrera y de cuyas regalías, supone uno, debería vivir con holgura sin necesidad de arrastrarse.

En septiembre despacha un disco en solitario, Rattle that Lock y después llegará una gira por Europa y los EE UU.

El álbum, en el que Gilmour pone en manos de su esposa, la escritora de soft core Polly Samson (1962), la composición de las letras, es capaz por sí mismo de provocar un naufragio retroactivo: no me imagino a nadie que, tras empalagarse con esta colección de pomposas canciones sin pegada, tenga ganas de explorar la carrera previa de Gilmour por muy gloriosa que haya sido —y ciertamente lo fue— en las cuatro décadas anteriores.

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El arte asirio que destruyó el Estado Islámico, impreso en 3D

'Material Speculation: ISIS' - 'Lamassu' - Morehshin Allahyari

‘Material Speculation: ISIS’ – ‘Lamassu’ – Morehshin Allahyari

Aquellos vídeos de febrero de 2015 enseñaron al mundo cómo un grupo terrorista borraba el patrimonio histórico iraquí, destrozando a martillazos tesoros arqueológicos y artísticos de la cultura asiria. El Estado Islámico terminó con la colección del Museo de Mosul —uno de los más grandes de Irak—, que contaba con un extenso catálogo de piezas de la provincia de Nínive. También reducía a pedazos un toro alado con cabeza humana que formaba parte de las Puertas de Nínive.

Con las grabaciones que propaga el Estado Islámico nunca se tiene la seguridad de estar viendo algo real, nada se desmiente ni se verifica: los destrozos y las ejecuciones más feroces se traducen al final en un silencio desconcertante. La atrocidad debe cubrirse de cierta incredulidad para poder digerirla mejor.

Cuando la artista iraní residente en los EE UU Morehshin Allahyari vio las imágenes del museo (de las que ni siquiera se tiene la certeza de que sean verdaderas al 100%), se activó en su interior la urgencia de reaccionar de alguna manera a la pérdida. Rebelándose contra la destrucción, creó un proyecto para perpetuar la memoria del arte que el Estado Islámico se ha llevado por delante con la consigna delirante de «eliminar a los falsos ídolos».

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‘Way Out’, una animación para adictos al ‘smartphone’

Todos lo vivimos a diario como partícipes y observadores. En el transporte público, en un restaurante, incluso en el arenal de una playa… Un gran porcentaje de las personas están inmersas en una pequeña pantalla y pendientes de revisarla en cuanto la pierden de vista unos segundos.

Lo que empezó siendo un teléfono móvil, una herramienta para llamar y recibir llamadas fuera de casa, ahora es una navaja suiza mental. Muchos no reconocerían ni en mil años la dependencia que sienten por el smartphone, como muchos drogadictos, dirían incluso creyéndolo «yo controlo», «yo lo dejo cuando quiero».

Way Out (traducible por salida o escapatoria) es una animación propia de nuestro presente como sociedad enganchada a la tecnología. De tres minutos de duración, la pieza comienza resultando muy familiar y acaba siendo una pesadilla: el mundo digital de cada pantallita luminosa se descontrola, lucha por salir y se convierte en un agujero negro que engulle al mundo real.

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Un vídeo interactivo para saber qué pasa tras las ventanas de ‘Physical Graffiti’

"Physical Graffiti" - Led Zeppelin, 1975

«Physical Graffiti» – Led Zeppelin, 1975

La carpeta era una invitación al voyeurismo. Querías ser indiscreto con cada ventana, averiguar qué historia protegían, qué secreto guardaban, qué vulgaridad o excelencia habitaban tras las cristaleras.

El envoltorio del sexto disco de Led Zeppelin, el doble álbum Physical Graffitti, que salió a la venta en febrero de 1975, te sacudía antes que la música. La foto del par de edificios gemelos —reales, aún siguen allí: en los números 96 y 98 de St. Marks’ Place de Nueva York— tenía cada ventana troquelada para que los huecos coincidieran con las imágenes de las fundas del par de discos que venían dentro de la carpeta.

El diseñador Peter Corriston aseguraba así una permutación combinatoria con las cuatro portadas interiores y las dos exteriores —el anverso con el edificio retratado durante el día y el reverso, de noche—.

La cubierta de 'Physical Graffiti' extendida

La cubierta de ‘Physical Graffiti’ extendida

Aquello era un santuario de notables al estilo de los collage arty que se pusieron de moda tras la cubierta de Sgt. Peppers Lonely Heart’s Club Band (The Beatles, 1967). Por las ventanas podían asomarse Elizabeth Taylor ataviada de Cleopatra, King Kong, la Virgen María, Judy Garland y sus compañeros en El Mago de Oz, el astronauta Neil Amstrong, el pionero del culturismo Charles Atlás, El Gordo y El Flaco, Lee Harvey Oswald, los cuatro músicos de Led Zeppelin vestidos como harapientos vagabundos…

El envoltorio del disco era misterioso, sólido y tenía el añadido de las portadas que aspiraban a la condición de obras de arte visual.

Ahora, coincidiendo con la reedición de una versión remezclada de Physical Graffiti, nos llevan un paso más allá con un fascinante vídeo interactivo que se puede ver abajo o, si se desea disfrutar en un formato mayor, en este vínculo.

Una recomendación previa que con Led Zeppelin siempre debe acatarse: suban al máximo el volumen.


El realizador Hal Kirkland ha utilizado la idea de las ventanas abiertas a otros mundos, la canción Trampled Under Foot y la última tecnología digital para montar un vídeo por el que se puede navegar entre las diferentes estancias del edificio mientras suena uno de los temas más machacones y sólidos de Physical Graffiti.

Con una barra de navegación que emula el perfil de los edificios, el espectador puede pasar de una habitación a otra para encontrarse con escenas de una película de Georges Méliès, montajes virtuales de sótanos y oscuras abadías muy adecuadas al aire arcano que el grupo pretendía ofrecer con sus guiños al satanismo y el ocultismo y, sobre todo, pequeños cortometrajes hilarantes que van desde un niño arrebatado emulando a Robert Plant, una vieja hippie que se divierte a todo gas, dos muchachas que convierten una cocina en pista de baile, un hispter que escucha la canción mientras conduce un descapotable, imágenes de un concierto del grupo en 1975

Capturas de los vídeos de "Trampled Under Foot" © Hal Kirkland

Capturas de los vídeos de «Trampled Under Foot» © Hal Kirkland

No es el primer videoclip de extraordinaria calidad y simpatía de Kirkland, que en 2008 se llevó de calle un buen lote de premios a la mejor animación con Hibi No Niero, grabado enteramente con webcams y con un presupuesto de producción, como señala orgulloso el realizador, de «cero dólares».

Para el de Led Zeppelin ha rodado con más medios, pero no son los efectos de alto coste los que marcan la pieza audiovisual, sino la viveza de la idea, basada en un acto tan primario como entrar en los infinitos mundos posibles que desde el interior de las ventanas multiplican, agigantan y trastornan la normalidad del lado de afuera. Casi siempre es mejor entrar que salir.

Jose Ángel González

‘Ojos de Hitchcock’, montajes para saborear el cine

Fotograma de 'Eyes of Hitchcock', uno de los video-ensayos de Kogonada

Fotograma de ‘Eyes of Hitchcock’, uno de los video-ensayos de Kogonada

Firma :: kogonada, con los cuatro puntos delante del nombre, siempre escrito en minúscula. Sus breves montajes son vídeo-ensayos, reflexiones visuales, sobre géneros, películas y directores. El autor recopila con mimo la expresividad de las manos en Robert Bresson, la perspectiva frontal en Stanley Kubrick o la simetría enquistada en el universo de Wes Anderson. Se recrea en cada instante como degustando los pasteles de un carrito de postres, desplegando filmografías completas de modo apetitoso y poético.

Parece ser que de origen japonés —»nací en Asia», dijo en una ocasión— pero residente en los EE UU desde niño, en este último año Kogonada ha despertado cada vez más el interés de los cinéfilos a raíz de los vídeos que difunde en Internet, muchos de ellos encargos para la distribuidora estadounidense Criterion, famosa por reeditar clásicos. En cada uno se saborea el amor por la composición de planos, la duración de las escenas, los miles de detalles sutiles que dan el acabado final a una película.

Uno de esos microbanquetes cinematográficos es Eyes of Hitchcock (Ojos de Hitchcock), de menos de dos minutos de duración, una consecución de planos con miradas de miedo, duda, demencia, terror, asombro, maldad… No permite que las imágenes transcurran tan breves como en la película, congela cada segundo haciéndolo retroceder y avanzar mínimamente, construyendo algo parecido a un gif animado, un bucle para poder examinar con calma la mirada.

Congela los ojos encendidos de la secretaria Marion Crane (Janet Leigh) conduciendo hacia el Motel Bates en Psicosis (1960) y también captura la expresión terrorífica de Norman Bates (Anthony Perkins). También hay miradas de Rebeca (1940), Extraños en un tren (1951) Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959), de la escena onírica (con abundancia de ojos) diseñada por Dalí para Recuerda… (1945).

La música, del director y productor Rob CawleyAnything can happen, and usually does… On the Orient Express (Puede pasar cualquier cosa… Y normalmente pasa… En el Orient Express)— evoca los afilados violines de Psicosis, pero con una cadencia ferroviaria que Kogonada aprovecha con imaginación para hipnotizar al espectador.

Helena Celdrán

Un ingenioso videoclip cargado de referencias cinéfilas

El videoclip está lleno de pequeñas imperfecciones (intencionadas) que trasladan al espectador al estilo de la animación de entre finales de los años sesenta y principios de los setenta. También los colores y el desarrollo de las ideas tienen ecos de aquella psicodelia y a ratos traen a la memoria la película de dibujos animados de los Beatles Yellow Submarine (George Dunning, 1968).

En tres minutos, el vídeo de la canción All Over —del grupo estadounidense Cruisr, que acaba de debutar con un EP y ha elegido el tema como su primer single— sobrecarga al espectador con una avalancha de referencias pop, todas relacionadas con el cine. La asociación de ideas y las constantes metamorfosis hacen que la pieza sea irresistible.

Sólo en los primeros seis segundos del vídeo Travis Bickle y la prostituta adolescente Iris (Taxi Driver) se transforman en el Doctor Hannibal Lecter y la agente del FBI Clarice Starling (El silencio de los corderos), que a su vez sufren una mutación y se convierten en los personajes interpretados por el travestido Jack Lemmon y Marilyn Monroe en Con faldas y a lo loco.

El concepto, el diseño y la dirección son de Chris Carboni, director, diseñador, animador e ilustrador neoyorquino, fundador de Carboni Studio. La «inteligente sencillez» de la letra de la canción y el ritmo pegadizo inspiraron al autor a crear «una narrativa» que conectara con el espectador con la misma facilidad que la música. El estudio se decidió por «visualizar la historia a través de romances cinematográficos notables, de lo icónico a lo oscuro», crear un collage de relaciones de amor, pasión, admiración pero también miedo, repulsión y odio entre las parejas de personajes.

Helena Celdrán

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción 'All Over' de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción ‘All Over’ de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción 'All Over' de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción ‘All Over’ de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción 'All Over' de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción ‘All Over’ de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción 'All Over' de Cruisr

Captura del videoclip de Carboni Studio para la canción ‘All Over’ de Cruisr

Kokeshi, la muñeca japonesa que nace de un torno

En el pequeño taller japonés abierto a la calle, el artesano Yasuo Okazaki (1954) trabaja la madera rodeado de virutas y serrín. De un palo corta cilindros, su gran herramienta es un torno que hace girar la madera para que él pueda moldearla con cinceles y brocas.

Todo resulta relajante y estéticamente perfecto en la creación de las muñecas japonesas Kokeshi: figuritas sin pies ni manos, minimalistas y de expresión enigmática, utilizadas como recuerdo o amuleto. El proceso recuerda a la alfarería más que a la talla, la pieza no deja de girar hasta que el artesano no tiene que dar los último retoques.

Incluso en el momento de pintar los adornos principales, la pintura parece surgir sobre la madera giratoria como por arte de magia. Con un cariño milimetrado y pleno dominio del proceso, ver trabajar a Okazaki es como contemplar a un gran chef de cocina transformar los ingredientes en manjares o a un joyero puliendo con mimo una piedra preciosa.

Kokeshi doll

Típicas de la región de Tohoku —al norte de la mayor isla de Japón, montañosa y conocida por la dureza de su clima— fueron los alfareros quienes tuvieron la ocurrencia de experimentar con el torno para fabricarlas. No está claro cuándo se comenzaron a manufacturar las muñecas Kokeshi, parece ser que fue a mediados del periodo Edo (1603-1868). Japón crecía económicamente, las normas sociales eran muy estrictas y sólo al final de esta larga época histórica comenzó a abandonar su ancestral aislamiento del resto del mundo.

Existen 11 tipos de Kokeshi según la región. La del vídeo corresponde a la variedad de la localidad de Naruko, donde se dice que pudieron nacer las figuritas y en la que incluso hay un museo dedicado a ellas. Se distinguen por tener caras amables y crisantemos pintados sobre el cuerpo, pero sobre todo por ser las únicas que emiten un sonido: la cabeza, perfectamente ajustada, se puede sin embargo girar haciéndo un poco de fuerza para que chirríe.

Si no fuera por el ruido mecánico de las herramientas interviniendo en la rotación del torno, podría parecer que el tiempo se ha congelado en el interior del taller. Okazaki ha dedicado su vida adulta a las Kokeshi. Tras acabar el instituto, el único maestro que tuvo fue su padre, que lo instruyó en la elaboración casi ceremonial de las exquisitas muñecas.

Helena Celdrán

Kirsten Dunst y su encuentro con dos ‘fans’ ególatras, un vídeo de Matthew Frost

'Aspirational' - Matthew Frost

‘Aspirational’ – Matthew Frost

La actriz Kirsten Dunst mantiene una conversación corta por el móvil. Se presume que la lujosa zona residencial de Los Ángeles no está lejos de su casa, ella va sólo con un monedero en la mano y vestida de modo sencillo. Las dos chicas que paran el coche cuando la ven le preguntan si ciertamente es Kirsten Dunst y todo parece apuntar a que aprovecharán para hablar cara a cara con su ídolo, que será el típico encuentro entre una famosa y dos fans nerviosas.

Aspirational (Con aspiraciones) es un vídeo de Matthew Frost, fotógrafo de moda y uno de los directores de vídeos de la productora francesa de vídeo Iconoclast. Que la protagonista sea una actriz de Hollywood sirve como gancho para hacer una reflexión sobre la egolatría que se fomenta y cultiva en las redes sociales. En unos dos minutos y medio, el autor presenta una microhistoria sobre la obsesión por conseguir la fama virtual y el rechazo al disfrute de un momento real y palpable.

Frost tiene en su currículum una serie de pequeñas piezas audiovisuales que hace para publicaciones de moda (la protagonizada por Dunst es para la estadounidense VS Magazine) que, igual que Aspirational tienen un toque de espontaneidad que las hace irresistibles y las convierte en pequeñas joyas no sólo por la presencia de estrellas de cine, sino por el comentario social.

En Scripted Content (Contenido preparado de antemano) Jessica Chastain intuye del sufrimiento de un chico que, sentado junto a ella en un banco, habla por Wassap con su novia, que le exige que fotografíe a la actriz. En Best Actress Of All Time (Mejor actriz de todos los tiempos) Kate Winslet reflexiona tras una entrevista en la que le preguntaron quién consideraba que era la mejor actriz de la historia. En un momento de debilidad, no puede evitar mirar opiniones y listas en Internet.

Helena Celdrán

‘Cómo te ve el Sol’, un vídeo sobre el verdadero aspecto de la piel

De los rostros emergen cientos de pecas como constelaciones, señales que no son visibles al ojo humano pero que permanecen ocultas en el interior de la piel. Las personas que participan en el vídeo How the sun sees you (Cómo te ve el Sol) aparecen ante la cámara primero en color y después en un particular tono blanco y negro creado con una luz ultravioleta.

El artista angloestadounidense Thomas Leveritt pidió en las calles de Brooklyn (Nueva York) que hombres, mujeres y niños de diferentes edades posaran frente a la cámara y además puso frente a ellos un monitor para que pudieran verse con la cara convertida en la mayoría de los casos en un mar de pecas.

La cámara capta el reflejo de los rayos UVA en la piel y descubre «los cambios no todavía visibles», el rastro secreto que el sol ha ido dejando con el paso de los años. Algunos reaccionan girando la cara de inmediato, como avergonzados por haber cometido una negligencia, los hay que encuentran divertida la imagen, otros muestran preocupación.

'How the sun sees you' - Thomas Leveritt

La lente, al bloquear los rayos UVA, oscurece los cristales de las gafas de ver y parece convertirlas en gafas de sol, pero el efecto más sorprendente es el que se produce con la crema solar. Quien se la aplica comprueba a través del filtro de la cámara de Leveritt cómo el producto ennegrece la piel como si fuera una mascarilla de barro. Bloqueadora de los efectos de los rayos sobre la piel, funciona como un escudo oscuro ante el que se maravillan los participantes.

Thomas Leveritt - 'How the sun sees you'

Con ya más de nueve millones de vistas en YouTube, el proyecto ha abierto a propósito del vídeo el debate sobre la supuesta bondad de las cremas solares. El mensaje final del vídeo recomienda al espectador mantenerse «guapo», recalca la necesidad de mantener una «piel saludable» utilizando productos contra el sol que en la mayoría de los casos contienen químicos sospechosos (para expertos y usuarios) de ser dañinos para el organismo.

Helena Celdrán

Así son las alucinaciones de un buceador extremo con borrachera de las profundidades

Entre 10 y 30 metros, leve deterioro del razonamiento y euforia.

Entre 30 y 50, errores de cálculo, alteración en la capacidad de toma de decisiones, ideas fijas y exceso de confianza y del sentido de bienestar.

Entre 50 y 70, alucinaciones, deterioro del juicio, confusión y risa histérica.

Entre 70 y 90, estupor, pérdida de memoria y desconcierto mental.

A partir de 90, alucinaciones constantes, aumento de la intensidad de la visión y la audición, sensación de apagón inminente, euforia, mareos, estados maníacos o depresivos, sensación de levitación, alteración de la percepción del tiempo, cambios en la apariencia facial y pérdida del conocimiento.

No es el listado creciente de las consecuencias del consumo de mescalina o alguna otra droga psicoactiva de diseño, sino los síntomas de la narcosis de nitrógeno o borrachera de las profundidades, la alteración del estado de conciencia que sufren los buceadores por efecto de las altas presiones de nitrógeno sobre la transmisión nerviosa.

Imagen de "Narcose" © Julie Gautier

Imagen de «Narcose» © Julie Gautier

El corto Narcose (Narcosis) reconstruye las alucinaciones reales que ha experimentado en sus muchos descensos a los abismos marinos el francés Guillaume Néry, un profesional de la apnea o buceo libre (freediving) que consiguió el record mundial de descenso sin bombonas de oxígeno en 2011 al llegar a 117 metros de profundidad (al año siguiente batido por el ruso Alexey Molchanov, que alcanzó los 126).

Néry, un tipo capaz de estar siete minutos bajo el agua sin respirar, relató a su novia, la realizadora Julie Gaultier, algunas de las sensaciones y visiones disparatadas y alucinantes que ha sufrido por la narcosis. Con ese material vivencial de partida, grabaron el cortometraje, que tiene más cercanía con una obra visionaria sobre estados alterados de la mente que con un documental sobre un deporte extremo.

Imagen de "Narcose" © Julie Gautier

Imagen de «Narcose» © Julie Gautier

Imagen de "Narcose" © Julie Gautier

Imagen de «Narcose» © Julie Gautier

Entre lo deslumbrante —una mujer embarazada y desnuda flotando en un éter cósmico—, lo angustioso —el buceador envuelto en una cápsula transparente y flexible que no es capaz de romper—, la proyección del miedo —Néry se desdobla y huye corriendo por el fondo rocoso, le asedian unos seres temibles e informes de mirada verde— y el puro onirismo —una boda celebrada en las profundidades—, todas las visiones, dicen los implicados, son recreaciones textuales de las experiencias del buceador en sus descolgamientos hacia el inframundo marino.

Ánxel Grove

Imagen de "Narcose" © Julie Gautier

Imagen de «Narcose» © Julie Gautier

Imagen de "Narcose" © Julie Gautier

Imagen de «Narcose» © Julie Gautier