El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de noviembre, 2017

Kevin Spacey “eliminado” del nuevo tráiler de ‘Todo el dinero del mundo’

Cápsulas de cine

Christopher Plummer

( Christopher Plummer ©GTRES )

TriStar Pictures ha lanzado otro tráiler de Todo el dinero del mundo (All the Money in the World), la nueva película del incansable Ridley Scott y que ha sido noticia reciente porque a principios de este mes el director decidió volver a rodar todas las escenas del defenestrado Kevin Spacey sustituyéndolo por Christopher Plummer. El motivo es notoriamente conocido, las numerosas denuncias por abusos sexuales y quejas por “conducta inapropiada” que ha ido acumulando. El caso Weinstein destapó la caja de los truenos y el efecto dominó ha llegado hasta el protagonista de House of Cards. La diferencia en este nuevo avance, de medio minuto, es que ya puede verse al veterano Plummer en algunas de las escenas en las que en el anterior tráiler, de hace un par de meses, aparecía Spacey.

La historia está basada en un caso real, la del secuestro en Italia del nieto del multimillonario John Paul Getty, en 1973. A pesar de su enorme fortuna, el magnate del petróleo se negó a pagar el rescate para liberar al joven de dieciséis años. Christopher Plummer, de 87 años, se acerca mucho más a la edad real del personaje (81 años cuando ocurrió el secuestro); mientras que Kevin, con 58, intervenía caracterizado tras una buena aplicación de maquillaje y prótesis para envejecerle. Para la producción, con el rodaje finalizado en agosto, las nuevas escenas han significado un incremento del presupuesto de 10 millones de dólares. Sin ellas habría costado 40. Ridley Scott justificó la necesidad del cambio porque consideraba intolerable la conducta de Spacey, pero también reconociendo que mantenerlo en la película habría afectado su acogida, incluso enfrentándose a posibles boicots: “No podemos permitir que las acciones de una sola persona afecten al buen trabajo que han hecho muchos otros. Es así de simple”.

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Superhéroes: ¿cuál es la mejor película de lo que llevamos de siglo?

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Los recientes estrenos de Liga de la Justicia, de DC Comics, y Thor: Ragnarok, de Marvel, han cerrado un año que ha sido, cinematográficamente hablando, muy superheroico. Y como aquel que no quiere la cosa, también nos damos cuenta que este siglo XXI está siendo el más prolífico en la materia. Los superhéroes se han convertido en un género propio.

Muchos han sido los llamados y menos los elegidos, los que los han contado con el beneplácito de fans o los que han tenido su película o saga propia. Para el año que viene se esperan más (Pantera Negra, Venom, Dark Phoenix…).

Pero, excluyendo las de animación (Los increíbles, La Lego Película o Big Hero 6, por ejemplo), ¿cuál sería la que tendría el honor de ser la mejor superpelícula de superhéroes de este siglo XXI, hasta el momento? Contaremos a partir del año 2000 para permitir incluir en la lista una de las más singulares aportaciones.

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“Hasta la vista, baby”. Y así es: ‘Terminator 2’ vuelve 26 años después

Cápsulas de cine

Terminator 2

( ©Sony )

Han pasado más de dos décadas desde que se estrenó en cines Terminator 2: El juicio final (1991). En su momento, James Cameron prometió una superproducción por todo lo alto, sin escatimar en presupuesto ni en efectos visuales y que haría historia, como secuela de la modesta película de 1984 que se había convertido en un icono del género. De los 6,4 millones de dólares pasó a los 102 que costaría Terminator 2. Una apuesta de la que salió vencedor. Pero desde entonces nunca una película de la saga ha vuelto a brillar a semejante altura. El T-800 aseguró que “regresaría”, y así fue, doce años después en Terminator 3: la rebelión de las máquinas; luego en un breve cameo, en formato de resurrección digital, en Terminator Salvation (2009) o en ese otro intento de revitalizar la franquicia que fue Terminator: Génesis (2015).

No hay nada como el original, así que lo mejor es tener la oportunidad de volver a disfrutar de la grandeza de Terminator 2, pero en una copia remasterizada en 4K, utilizando las técnicas más avanzadas, dándole más color a sus ya desgastados fotogramas (ahora digitalizados) y además en 3D. Podrá verse en cines a partir del martes 5 de diciembre. Aunque no todo iban a ser efectos especiales y acción. También dio con una línea de diálogo que se haría famosa: “Hasta la vista, baby”. Así, tal cual, en spanglish. Se la enseñaba el joven y rebelde John Connor (Edward Furlong) a su amigo con alma de metal para ponerle en la onda, de esos incipientes años 90, y para que evitara expresiones frías e impersonales del tipo “afirmativo”.

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Arde América, y Netflix apunta a los Oscar (‘Mudbound’, 2017)

En pantalla

Mudbound 2017

( ©Netflix )

Netflix está desafiando los patrones tradicionales de la distribución y producción. Pese a las voces en contra y el debate que está suscitando, el coloso del entretenimiento en streaming ha llegado para cubrir vacíos, el de películas que difícilmente tendrían distribución, o una distribución amplia, y ofrecer a cineastas nuevos y consagrados la posibilidad de obtener fácilmente financiación y libertad creativa (dos maneras también de ganarse sus servicios y simpatías, de atraerlos a su causa). El carácter visionario, guste o no, es que se adapta a unos nuevos tiempos en el que una gran mayoría de espectadores, especialmente las nuevas generaciones, verán (¿engullirán?) “obras pensadas para la gran pantalla” a través de sus tablets, dispositivos móviles o televisores.

En su línea de cine de calidad, Netflix tenía este mismo año sus mejores apuestas con Okja de Bong Joon-ho o The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach, y sigue indagando en el mercado de los festivales cinematográficos para hacerse con los derechos de distribución de algunas llamativas joyas. Es el caso de Mudbound, adaptación de una novela de Hillary Jordan y segundo largometraje de ficción de prácticamente una desconocida, la directora afroamericana Dee Rees. Una mirada al pasado, a los años 40, a la Norteamérica rural de un lugar del Misisipi, un lugar de la Norteamérica profunda, cateta y racista donde las gentes de color difícilmente podían ser propietarios de sus propias tierras, aunque fueran barrizales, por mucho que se partan el lomo o el sudor se convierta en sangre. Su puesta en escena más que correcta enlaza con elementos atractivos para el Hollywood “premiable” de hoy en día. Conflictos étnicos y la obra de una directora, además afroamericana. Mudbound, y Netflix, también mirán a los Oscar (se ha estrenado en un puñado de cines en Estados Unidos). Ya ha entusiasmado a la crítica, sobre todo a la anglosajona. Más de uno la ha calificado de obra maestra. No comparto esta entrega, pero sí que me parece estimable.

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La vida es una obra maestra (‘En este rincón del mundo’, 2016)

En pantalla

En este rincón del mundo

( ©20th Fox Home )

Algunos animes están empeñados, para deleite nuestro, en convertirse en delicadas obras de arte. En este rincón del mundo (Kono sekai no katasumi ni), financiada mediante crowdfunding, se desarrolla en el Japón de la II Guerra Mundial y con Hiroshima en el punto de mira presagiando la caída de una de las devastadoras bombas atómicas. Son tiempos de guerra y los ciudadanos contemplan con orgullo patriótico los poderosos buques y destructores de la Armada Imperial que reposan en sus aguas, prestos para acudir al combate. Sin embargo, la película de Sunao Katabuchi prefiere detener su mirada en la apacible vida de sus gentes. Coser un kimono, contemplar las nubes, ir de compras al mercado (aunque sea el “negro”) o sentarse la familia a la mesa para regocijarse con un sencillo plato de arroz cocinado como los ángeles. Nos acerca a lo que tenía de sublime el humanismo del cine de Ozu.

No hay villanos ni héroes, ni se trata de mostrar la épica o los grandes hechos históricos del momento sino lo íntimo y personal de personas normales y corrientes, anónimas. Maravillarse en la misma existencia y en unos seres imperturbables e inasequibles al desaliento por mucho que deben enfrentarse a la escasez y racionamiento, cada vez mayor, de alimentos o el tener que convivir con los bombardeos de los aliados. Una supervivencia asumida como un agradecimiento por seguir vivos. Mientras, en el aire sobrevuelan insectos, flotan semillas de dientes de león o caen cenizas. Refuerza el que las imágenes tengan tridimensionalidad, que casi se puedan palpar. Y en todo esto ocurre también que la realidad inspira el arte, y el arte tiñe la realidad. Su joven protagonista, Suzu, tiene un don natural y excepcional para el dibujo. Su cabeza siempre está ida, en otro lugar, habitando en un mundo propio hecho con sueños e inocentes fantasías. Con sus creaciones intenta captar tanto las ensoñaciones más bellas o terroríficas como todo aquello que le rodea. Así, las olas pueden adquirir formas de conejos blancos o las explosiones de la artillería antiaérea se tornan colores sobre un lienzo azul que es el cielo.

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‘Liga de la justicia’ llega en un gran año para los superhéroes

Cápsulas de cine

Liga de la Justicia 2017

( ©Warner Bros )

Después de la trilogía de El hombre murciélago dirigida por Christopher Nolan, los superhéroes de DC Comics no habían tenido la misma cálida acogida general que los de sus rivales de Marvel en sus respectivas películas, juntos o por separado. Hasta que llegó, el pasado verano, Wonder Woman. Ahora una prueba de fuego más, la de Liga de la Justicia. Joss Whedon fue el elegido para terminarla después que Zack Snyder se viera obligado a abandonar por motivos personales (el suicidio de su hija). A la obra de Snyder en el universo de DC sus detractores le habían achacado un tono excesivamente oscuro y, sobre todo, cierto caos y demasiada simpleza argumental. Batman v Superman: El amanecer de la justicia triunfó en taquilla pero la crítica especializada la destrozó. Joss Whedon, en cambio, se ganó a la crítica y los fans en la reunión de Los vengadores (2012).

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Rutinas que matan (‘Feliz día de tu muerte’, 2017)

En pantalla

Feliz día de tu muerte

( ©Universal )

Una estudiante es asesinada en su cumpleaños. Pero cada día, el mismo día, vuelve a despertarse para repetir su trágico destino. La única manera de romper la maldición es desenmascarando a su verdugo. Que una idea como la de Feliz día de tu muerte (Happy Day Death) funcione dependerá en gran medida de sus escenas iniciales. En este caso el de una joven universitaria, Tree (Jessica Rothe), aficionada tanto al alcohol como a las fiestas y a las aventuras amorosas. Guapa y con carisma, pero egoísta. Se despierta, en la cama de un compañero, y empieza su quehacer diario en el que además de acudir a clase incluye breve paseo por el campus, encuentro con su fraternidad de (falsas) amigas, toparse con alguno de sus antiguos ligues o con su rollo del momento, uno de sus profesores, además casado.

El concepto es un homenaje a Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993), esa extraordinaria comedia con Bill Murray haciendo de cascarrabias e igualmente egoísta hombre del tiempo condenado a repetir el mismo día una y otra vez en un pequeño pueblo, Punxsutawney, en Pennsylvania, en una especie de segunda oportunidad con la que reconducir su vida por un camino mejor. Un enunciado que después han seguido propuestas, con otras finalidades, como Código fuente (Source Code, 2011) o Al filo del mañana (Edge of Tomorrow, 2014), nada desdeñables e incluso la segunda, protagonizada por Tom Cruise, con su puntito de título de culto en el género de la ciencia-ficción. De manera que buena parte de la efectividad de Feliz día de tu muerte se basará en esa repetición de la cotidianidad y en cómo la protagonista intenta amoldarse a esa rutina mientras trata de hallar con la solución. La comedia dirigida por Christopher Landon pisa el terreno del slasher, sobre todo de Scream, y naturalmente otro de los puntales necesarios es que su protagonista dé el pego. Como espectadores también estaremos obligados a ver a Tree en pantalla una y otra vez y, por ello, quizá la mejor sorpresa sea que Jessica Rothe está perfecta, nunca empalagosa ni estridente, y logrando que la evolución de su personaje sea creíble.

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Disney, los amos del universo

Cápsulas de cine

Disney logo

( ©Disney )

Disney sigue pisando, y apostando, fuerte. Hace un par de días anunciaba su interés por hacerse con los derechos cinematográficos y televisivos de entretenimiento propiedad de 20th Century Fox. El objetivo es doble. Por un lado prepararse para el lanzamiento de su propia plataforma de streaming, que podría llegar en 2019 (un duro rival para Netflix) y, por el otro, poseer los derechos de explotación de absolutamente todos los superhéroes Marvel. Los X-Men, Los cuatro fantásticos o Deadpool son actualmente propiedad de Fox. De paso, también se haría con franquicias tan apetecibles como las de Avatar, El planeta de los simios o Alien.

Sus grandes jugadas en los últimos años han sido su alianza con Pixar, que estaba innovando y arrasando en el mercado de largometrajes de animación, con la misma Marvel en un momento en el que los superhéroes están de moda y, naturalmente, la compra de Lucasfilm, es decir, todo el universo de Star Wars. La operación no acabará con el Episodio IX porque Disney planea continuar con la famosa saga galáctica al menos durante 10 años más. En esta etapa tan dulce de la factoría hay que añadirle el éxito, hasta ahora, de reversionar en imagen real sus grandes clásicos de la animación. No faltará ninguno. Luego está el merchandising, los resorts, parques temáticos, su canal de televisión de pago o el aprovechamiento de franquicias propias que todavía se niega a finiquitar, como la de Piratas del Caribe.

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Tristeza para los muertos, melancolía para los vivos (‘A Ghost Story, 2017)

En pantalla

A Ghost Story 2017

( ©Universal )

Puede sonar a chiste, tanto leído como visto en pantalla. En una escena de A Ghost Story, el fantasma protagonista observa afligido a través de la ventana del que fue su último hogar en vida y su mirada se topa con el de otro espectro en la casa de enfrente (y que parece el de una mujer). Se saludan y ella le hace saber que está esperando a alguien. “¿A quién?”, le pregunta. La respuesta acaba siendo tan simple como demoledora: “No me acuerdo”. Inmediatamente un travelling hacia atrás, alejándose, dejando más solo a nuestro fantasma tras la ventana, acrecentando una dolorosa sensación de soledad y olvido, la de él y la nuestra. El tiempo hará desaparecer absolutamente todo aquello que conocemos: el recuerdo de las personas más queridas, las obras de arte más bellas o el mismo sentido de nuestra existencia (idea reforzada después con un monólogo del actor y cantante Bonnie Prince Billy).

La mitología y las creencias acostumbran a envolver la figura del fantasma con el tapiz de la aparición que se manifiesta ante los vivos para atormentarlos o como la alma en pena que se niega a cruzar el umbral de la otra vida. Tiene más connotaciones como las que presenta A Ghost Story, con el espectro de un músico recién fallecido (Casey Affleck) que vuelve a la casa de su mujer (Rooney Mara). La película de muy bajo presupuesto de David Lowery (que repite con Casey y Rooney después de Un lugar sin ley) posee un significado menos usual, el de contenedor de los recuerdos y vivencias ligados a unas personas o a un lugar, y lo hace recurriendo solo a esa imagen sencilla y tradicional de la sábana blanca y un par de agujeros en los ojos, vagando lánguidamente aún por este mundo terrenal.

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Los porgs, criaturas fantásticas (de ‘Star Wars’) y dónde encontrarlas

Cápsulas de cine

Porgs - Star Wars: Los últimos jedi

( ®Disney / Lucasfilm )

¿Será Luke el villano de esta nueva trilogía? ¿Quiénes son los padres de Rey? ¿Sucumbirá a la atracción del lado oscuro? ¿Y Carrie Fisher? Emocionante será ver las últimas escenas que pudo rodar como princesa Leia antes de fallecer. Aunque finalmente todo ha quedado en un segundo plano cuando en el tráiler de Star Wars: Los últimos jedi apareció, brevemente, una nueva criatura. Concretamente, un porg. Un bichejo de enormes ojos, con nada que envidiar al Gato con Botas de Shrek, acompañando a Chewbacca a bordo del Halcón Milenario.

La saga galáctica creada por George Lucas también es famosa por las distintas criaturas que han ido desfilando. No todas de grato recuerdo. Ewoks o gungans, materializados sobre todo en ese Jar Jar Binks al que más de uno se le atragantó. Pero los porgs han despertado curiosidad en las redes sociales y en los debates warsies. Rian Johnson, el director de este episodio VIII ha asegurado que, al menos de momento, hay garantías porque la nueva mascota de la galaxia “cayó bien” desde el primer momento entre los integrantes del equipo técnico y artístico. Muy adorable. En la ficción, los porgs viven en Ahch-To, las islas en las que se construyó el primer templo jedi y en las que se ha refugiado Luke. En la realidad, no formaban inicialmente parte del guion, y fue el mismo Johnson quien decidió incorporar esta especie de aves al universo Star Wars inspirándose en los entrañables frailecillos atlánticos de la isla irlandesa de Skellig Michael.

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