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El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

¿Cuál ha sido el mejor villano de película este 2017?

Encuesta

Lo explicaba el personaje de Elijah Price (Samuel L. Jackson) en El protegido (2000): el héroe o superhéroe tiene su reverso oscuro encarnado en otro. Es la otra cara de la moneda. Uno no puede existir sin el otro. Los mismos Frank Miller y Alan Moore transmitieron esa idea en su concepción de la eterna rivalidad entre Joker y Batman ¿Qué sería de los héroes sin ningún villano de altura al que combatir? Y, probablemente, sin que tampoco puedan llegar a derrotar nunca.

Price era un hombre con los huesos tan delicados que parecía hecho de cristal, mientras que David Dunn (Bruce Willis) se diría que estuviera hecho de hierro, capaz de sobrevivir al accidente de tren más catastrófico y sin una magulladura. Price era también el villano de esa peculiar película de superhéroes que dirigió Shyamalan.

A lo largo de este 2017 los justicieros de DC Comics y vengadores de Marvel han debido enfrentarse a enemigos muy variados, hemos tenido a dioses de la guerra y diosas de la muerte, también han regresado otros villanos decididos a hacer historia en sagas muy populares. Algunos se pusieron máscara inspirándose en clásicos del slasher, otros han surcado océanos enteros y alguno también ha visto cómo el personaje real (el actor) superaba al de la ficción en su “objetivo” de ser detestable y odiado por el gran público.

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Los momentos más eróticos del cine de 2017

Listas de cine

( Contiene imágenes explícitas )

Mostrar desnudos sigue siendo patrimonio casi exclusivo de cuerpos femeninos y lozanos, aunque alguna gran actriz ya más madura también se haya apuntando, sin tapujos, a enseñar más de la cuenta por exigencias del guion.

En este 2017 ha habido thrillers de alto voltaje, escenas de cama memorables, biografías homoeróticas, estrellas de sagas que fueron todo un fenómeno fan en su momento y también sagas pensadas precisamente para adentrarse en los dominios del placer sexual. Pero en el balance final no creo que haya logrado superar el del pasado año. Vamos a por ellos, a por esos momentos.

 

15# Marion Cotillard en ‘El sueño de Gabrielle’

El sueño de Gabrielle

( ©Cameo Media )

Debatiéndose entre la esposa fiel, pero insatisfecha, y la pasión arrebatadora con un amante. Entre los delirios amorosos y los desequilibrios mentales se mueve el personaje de Marion Cotillard, espléndida en esta adaptación de Mal de piedras de Milena Agus. La película dirigida por la francesa Nicole Garcia, con un cierto encanto añejo, obtuvo 8 nominaciones a los premios Cesar del cine francés y ganó en la sección oficial del BCN Film Fest.

 

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Favoritas y descartes para las próximas nominaciones a los Goya

Cápsulas de cine

Premios Goya

( ©AACCE / Europa Press )

Este miércoles 13 de diciembre se anunciarán las nominaciones a la 32ª edición de los premios Goya. Para quien esté interesado en anticiparse o hacer su propia quiniela de los finalistas resulta muy útil el siguiente enlace de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España: https://www.premiosgoya.com/32-edicion/candidaturas/por-categoria/ , con el listado de todas las películas estrenadas este año y candidaturas a las que optan. En total 129 largometrajes (entre ficción, documentales o animación) pueden considerarse en la categoría de mejor película española de 2017.

La recepción crítica, más que la de taquilla, y la presentación de las nominadas a los Premios Feroz, que concede la Asociación de Informadores Cinematográficos de España, dan buenas pistas de las máximas favoritas. Entre ellas: Abracadabra, El autor, El secreto de Marrowbone, Handia, Incierta gloria, La librería, La llamada, No sé decir adiós, Perfectos desconocidos, Verano 1993, y en animación Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas. Con pocas o nulas posibilidades de estar entre las cinco mejores hay algunas por las que, en principio, uno habría apostado mucho más como Oro de Agustín Díaz Yanes o destacados éxitos de taquilla. Las comedias Es por tu bien (con 9,5 millones de euros recaudados), Señor, dame paciencia y Toc Toc (las dos superando los 6 millones de recaudación) o el thriller Contratiempo (con 3,6 millones ingresados aquí, pero un éxito inesperado en… China, con más de 22 millones en euros) formarían parte de este segundo grupo. Y al contrario, la sorpresa la podría dar la terrorífica Verónica dirigida por Paco Plaza. Poco prometía, pero se estrenó (en agosto) y convenció. Una de las propuestas de género más apetecibles de los últimos años.

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La inteligencia artificial es más peligrosa que los aliens, según Ridley Scott

Cápsulas de cine

Alien

( ‘Alien: Covenant’ ©Fox )

Casi cuarenta años dan de sí, y para muchos cambios. Desde el terror visceral y orgánico de Alien (1979), título de referencia del género que recogía y actualizaba toda la mitología clásica anterior sobre las amenazas de criaturas extraterrestres, a la actualidad la verdadera preocupación, según su mismo director, Ridley Scott, ya no procede del espacio exterior o de seres biológicos gestados de manera natural sino, una vez más, de aquí mismo en la Tierra y a raíz de la intervención humana. De lo sintético, de aquello que no ha sido gestado en el vientre materno sino en la computadora, entre bits y elaboradísimos programas informáticos: la inteligencia artificial.

Con el inicio de una nueva trilogía con Prometheus (2012), los alienígenas de la famosa película y secuelas quedaban en un segundo plano. Un cierto clamor popular hizo que en la reciente Alien: Covenant volvieran, pero el veterano cineasta británico ya dejaba claro que los xenomorfos cada vez le interesaban menos, que el gran peligro adoptaba la forma de David (Michael Fassbender), el “sintético” que supuestamente debía ayudar a los humanos en sus misiones tripuladas. Una criatura capaz de llegar a obtener unos conocimientos y capacidad de raciocinio ilimitados. Un dios dispuesto a todo para evolucionar, incluso matar a su padre/creador o exterminar razas enteras, fueran terrestres o de otros mundos.

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Experiencias únicas (‘El sacrificio de un ciervo sagrado’, 2017)

En pantalla

El sacrificio de un ciervo sagrado

( ©Diamond Films )

El cine del griego Yorgos Lanthimos es de los que divide, al público (minoritario) y a la crítica. Los hay que encuentran su ritmo demasiado lento e irregular, sus historias y personajes demasiado herméticos y crípticos. Ni en los cinéfilos más sesudos acaba de encontrar el consenso que sí cuentan otros autores. Por mi parte, y entregándome a la simplicidad numérica, de sus seis largometrajes (los dos primeros no estrenados entre nosotros) tres me parecen absolutas obras maestras: Canino (Kynodontas/Dogtooth, 2009), Langosta (The Lobster, 2015) o El sacrificio de un ciervo sagrado (The Killing of a Sacred Deer, 2017), recién llegada a nuestras pantallas. Hieráticas y crispantes, horrores cotidianos bañados en humor negrísimo y absurdo, diálogos pronunciados casi de manera robótica. Son propuestas desconcertantes cargadas de simbolismos y abiertas a múltiples sugerencias e interpretaciones Debo admitirlo. Me he convertido en un incondicional de Lanthimos.

Su nueva obra es, en la superficie, el relato de un cirujano cardíaco (Colin Farrell) que vive en una bonita casa junto a su modélica esposa (Nicole Kidman) y sus dos hijos, chico y chica, cuya vida y familia se verá amenazada a causa de la amistad que le une con un adolescente de dieciséis años (Barry Keoghan). El joven siente cierta admiración por él, pero también le considera culpable de un hecho vinculado con su padre, por ello le lanzará una maldición que se irá cumpliendo escrupulosamente y que no podrá romperse a menos que el cirujano ejecute un acto extremo de sacrificio, el que alude el título original. Una referencia a Ifigenia, personaje de la mitología griega que fue reclamado como sacrificio a su padre, Agamenón, por haber matado un ciervo sagrado de la diosa Artemisa. El estilo, la puesta en escena, las maneras y conexiones temáticas y metafóricas ha suscitado comparaciones con el cine de Passolini (en Teorema, la presencia de un adolescente también pondrá patas arriba a toda una familia), de Kubrick (por la composición simétrica y fría de sus imágenes), de Michael Haneke (por su atmósfera malsana y perturbadora, retratando el mal) o de Buñuel (especialmente con El ángel exterminador, con unos personajes atrapados en una situación absurda).

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Kevin Spacey “eliminado” del nuevo tráiler de ‘Todo el dinero del mundo’

Cápsulas de cine

Christopher Plummer

( Christopher Plummer ©GTRES )

TriStar Pictures ha lanzado otro tráiler de Todo el dinero del mundo (All the Money in the World), la nueva película del incansable Ridley Scott y que ha sido noticia reciente porque a principios de este mes el director decidió volver a rodar todas las escenas del defenestrado Kevin Spacey sustituyéndolo por Christopher Plummer. El motivo es notoriamente conocido, las numerosas denuncias por abusos sexuales y quejas por “conducta inapropiada” que ha ido acumulando. El caso Weinstein destapó la caja de los truenos y el efecto dominó ha llegado hasta el protagonista de House of Cards. La diferencia en este nuevo avance, de medio minuto, es que ya puede verse al veterano Plummer en algunas de las escenas en las que en el anterior tráiler, de hace un par de meses, aparecía Spacey.

La historia está basada en un caso real, la del secuestro en Italia del nieto del multimillonario John Paul Getty, en 1973. A pesar de su enorme fortuna, el magnate del petróleo se negó a pagar el rescate para liberar al joven de dieciséis años. Christopher Plummer, de 87 años, se acerca mucho más a la edad real del personaje (81 años cuando ocurrió el secuestro); mientras que Kevin, con 58, intervenía caracterizado tras una buena aplicación de maquillaje y prótesis para envejecerle. Para la producción, con el rodaje finalizado en agosto, las nuevas escenas han significado un incremento del presupuesto de 10 millones de dólares. Sin ellas habría costado 40. Ridley Scott justificó la necesidad del cambio porque consideraba intolerable la conducta de Spacey, pero también reconociendo que mantenerlo en la película habría afectado su acogida, incluso enfrentándose a posibles boicots: “No podemos permitir que las acciones de una sola persona afecten al buen trabajo que han hecho muchos otros. Es así de simple”.

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Superhéroes: ¿cuál es la mejor película de lo que llevamos de siglo?

Encuesta

Los recientes estrenos de Liga de la Justicia, de DC Comics, y Thor: Ragnarok, de Marvel, han cerrado un año que ha sido, cinematográficamente hablando, muy superheroico. Y como aquel que no quiere la cosa, también nos damos cuenta que este siglo XXI está siendo el más prolífico en la materia. Los superhéroes se han convertido en un género propio.

Muchos han sido los llamados y menos los elegidos, los que los han contado con el beneplácito de fans o los que han tenido su película o saga propia. Para el año que viene se esperan más (Pantera Negra, Venom, Dark Phoenix…).

Pero, excluyendo las de animación (Los increíbles, La Lego Película o Big Hero 6, por ejemplo), ¿cuál sería la que tendría el honor de ser la mejor superpelícula de superhéroes de este siglo XXI, hasta el momento? Contaremos a partir del año 2000 para permitir incluir en la lista una de las más singulares aportaciones.

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“Hasta la vista, baby”. Y así es: ‘Terminator 2’ vuelve 26 años después

Cápsulas de cine

Terminator 2

( ©Sony )

Han pasado más de dos décadas desde que se estrenó en cines Terminator 2: El juicio final (1991). En su momento, James Cameron prometió una superproducción por todo lo alto, sin escatimar en presupuesto ni en efectos visuales y que haría historia, como secuela de la modesta película de 1984 que se había convertido en un icono del género. De los 6,4 millones de dólares pasó a los 102 que costaría Terminator 2. Una apuesta de la que salió vencedor. Pero desde entonces nunca una película de la saga ha vuelto a brillar a semejante altura. El T-800 aseguró que “regresaría”, y así fue, doce años después en Terminator 3: la rebelión de las máquinas; luego en un breve cameo, en formato de resurrección digital, en Terminator Salvation (2009) o en ese otro intento de revitalizar la franquicia que fue Terminator: Génesis (2015).

No hay nada como el original, así que lo mejor es tener la oportunidad de volver a disfrutar de la grandeza de Terminator 2, pero en una copia remasterizada en 4K, utilizando las técnicas más avanzadas, dándole más color a sus ya desgastados fotogramas (ahora digitalizados) y además en 3D. Podrá verse en cines a partir del martes 5 de diciembre. Aunque no todo iban a ser efectos especiales y acción. También dio con una línea de diálogo que se haría famosa: “Hasta la vista, baby”. Así, tal cual, en spanglish. Se la enseñaba el joven y rebelde John Connor (Edward Furlong) a su amigo con alma de metal para ponerle en la onda, de esos incipientes años 90, y para que evitara expresiones frías e impersonales del tipo “afirmativo”.

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Arde América, y Netflix apunta a los Oscar (‘Mudbound’, 2017)

En pantalla

Mudbound 2017

( ©Netflix )

Netflix está desafiando los patrones tradicionales de la distribución y producción. Pese a las voces en contra y el debate que está suscitando, el coloso del entretenimiento en streaming ha llegado para cubrir vacíos, el de películas que difícilmente tendrían distribución, o una distribución amplia, y ofrecer a cineastas nuevos y consagrados la posibilidad de obtener fácilmente financiación y libertad creativa (dos maneras también de ganarse sus servicios y simpatías, de atraerlos a su causa). El carácter visionario, guste o no, es que se adapta a unos nuevos tiempos en el que una gran mayoría de espectadores, especialmente las nuevas generaciones, verán (¿engullirán?) “obras pensadas para la gran pantalla” a través de sus tablets, dispositivos móviles o televisores.

En su línea de cine de calidad, Netflix tenía este mismo año sus mejores apuestas con Okja de Bong Joon-ho o The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach, y sigue indagando en el mercado de los festivales cinematográficos para hacerse con los derechos de distribución de algunas llamativas joyas. Es el caso de Mudbound, adaptación de una novela de Hillary Jordan y segundo largometraje de ficción de prácticamente una desconocida, la directora afroamericana Dee Rees. Una mirada al pasado, a los años 40, a la Norteamérica rural de un lugar del Misisipi, un lugar de la Norteamérica profunda, cateta y racista donde las gentes de color difícilmente podían ser propietarios de sus propias tierras, aunque fueran barrizales, por mucho que se partan el lomo o el sudor se convierta en sangre. Su puesta en escena más que correcta enlaza con elementos atractivos para el Hollywood “premiable” de hoy en día. Conflictos étnicos y la obra de una directora, además afroamericana. Mudbound, y Netflix, también mirán a los Oscar (se ha estrenado en un puñado de cines en Estados Unidos). Ya ha entusiasmado a la crítica, sobre todo a la anglosajona. Más de uno la ha calificado de obra maestra. No comparto esta entrega, pero sí que me parece estimable.

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La vida es una obra maestra (‘En este rincón del mundo’, 2016)

En pantalla

En este rincón del mundo

( ©20th Fox Home )

Algunos animes están empeñados, para deleite nuestro, en convertirse en delicadas obras de arte. En este rincón del mundo (Kono sekai no katasumi ni), financiada mediante crowdfunding, se desarrolla en el Japón de la II Guerra Mundial y con Hiroshima en el punto de mira presagiando la caída de una de las devastadoras bombas atómicas. Son tiempos de guerra y los ciudadanos contemplan con orgullo patriótico los poderosos buques y destructores de la Armada Imperial que reposan en sus aguas, prestos para acudir al combate. Sin embargo, la película de Sunao Katabuchi prefiere detener su mirada en la apacible vida de sus gentes. Coser un kimono, contemplar las nubes, ir de compras al mercado (aunque sea el “negro”) o sentarse la familia a la mesa para regocijarse con un sencillo plato de arroz cocinado como los ángeles. Nos acerca a lo que tenía de sublime el humanismo del cine de Ozu.

No hay villanos ni héroes, ni se trata de mostrar la épica o los grandes hechos históricos del momento sino lo íntimo y personal de personas normales y corrientes, anónimas. Maravillarse en la misma existencia y en unos seres imperturbables e inasequibles al desaliento por mucho que deben enfrentarse a la escasez y racionamiento, cada vez mayor, de alimentos o el tener que convivir con los bombardeos de los aliados. Una supervivencia asumida como un agradecimiento por seguir vivos. Mientras, en el aire sobrevuelan insectos, flotan semillas de dientes de león o caen cenizas. Refuerza el que las imágenes tengan tridimensionalidad, que casi se puedan palpar. Y en todo esto ocurre también que la realidad inspira el arte, y el arte tiñe la realidad. Su joven protagonista, Suzu, tiene un don natural y excepcional para el dibujo. Su cabeza siempre está ida, en otro lugar, habitando en un mundo propio hecho con sueños e inocentes fantasías. Con sus creaciones intenta captar tanto las ensoñaciones más bellas o terroríficas como todo aquello que le rodea. Así, las olas pueden adquirir formas de conejos blancos o las explosiones de la artillería antiaérea se tornan colores sobre un lienzo azul que es el cielo.

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