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El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de la categoría ‘Cine de autor’

Recordando a ‘Inseparables’ (1988), un Cronenberg fantástico

Encuadres

A finales de septiembre de 1988, concretamente el día 23, se estrenaba en las salas comerciales estadounidenses Inseparables (Dead Ringers) del canadiense David Cronenberg. Al igual que otras películas suyas, como Spider (2002), era una obra maestra que no obtuvo una acogida especialmente afectuosa por parte del gran público. “Todos me dicen que es extraordinaria, pero que no tiene viabilidad comercial en cines”, recuerdo que aseguraba el mismo cineasta a un reducido grupo de periodistas cuando lo entrevistamos con motivo de la presentación de Spider en el Festival de Sitges.

Inseparables se inspiraba en un caso real, el de dos gemelos idénticos ocurrido en Nueva York en 1975, cuando los ginecólogos Cyril y Stewart Marcus decidieron poner fin a su vida y a la tormentosa relación que les unía. Los Marcus se transformaron en los Mantle y Jeremy Irons, arrastrando aún el prestigio de la miniserie británica Retorno a Brideshead (1981), considerada durante años y por buena parte de la crítica como la mejor serie que se había realizado nunca, logró la que quizá es la mejor interpretación de su carrera.

Inseparables (Dead Ringers, 1988)

( ©Fox / Telefilm Canada )

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Y Venecia (su festival de cine) cambió las normas

Cápsulas de cine

Y ha tenido que ser una película que lleva como título Roma, el nombre de la capital italiana, pero que en realidad hace referencia a un barrio de la Ciudad de México. Alfonso Cuarón conquistó al jurado, presidido por otro mexicano, Guillermo del Toro (ganador en la edición del pasado año con La forma del agua, que luego triunfaría en los Óscar), y a los críticos que cubrían el Festival Internacional de Cine de Venecia. Desde su proyección se erigió en la gran favorita para hacerse con el León de Oro.

Rodada en un blanco y negro tan nostálgico como esplendoroso, Roma es, según los cronistas, además de un retrato de la diferencia de clases sociales en el México de los años 70, el particular y sentido homenaje del cineasta a su “segunda madre”, a la nana que le cuidó de pequeño, a él y a sus otros tres hermanos. Pero el triunfo no solo es de Cuarón, o de su niñera, también le pertenece a Netflix, productora y exhibidora del filme. El gigante de las plataformas de streaming sale reforzado con una victoria sin precedentes. Un largometraje que, en principio, no se estrenará primero en cines gana en uno de los grandes festivales internacionales.

Roma Alfonso Cuarón

( Yalitza Aparicio en ‘Roma’ ®Netflix )

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Nacidos para provocar: lo nuevo de Lars von Trier y Gaspar Noé

Listas de cine

Las dos películas se presentaron en primicia en el pasado Festival de Cannes, ambas cuentan con distribución y se estrenarán en nuestras salas. Y también son dos títulos que está previsto que se proyecten en el próximo Festival de Cine Fantástico de Sitges, que tendrá lugar del 4 al 14 de octubre.

Cine de autor sin paliativos, cineastas fieles a sus postulados y a su forma de ser y rodar. Buscando remover conciencias y estómagos. Uno es de sobras conocido, el danés Lars von Trier, el otro es el director argentino afincado en Francia Gaspar Noé. Y ambos tienen preparados nuevos “artefactos” fílmicos para provocar al personal: The House That Jack Built y Climax, respectivamente. Cuando lleguen a las pantallas, prometen no dejar indiferentes a nadie, aunque no se hayan visto.

‘The House That Jack Built’ de Lars von Trier

The House That Jack Built

( ©Golem Distribución )

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La película que cambió la forma de rodar las escenas de batalla: 20 años de ‘Salvar al soldado Ryan’

Encuadres

Hace dos décadas los periódicos, por entonces Internet era aún una promesa de futuro, un medio que usaban muy pocos, empezaron a llegar noticias de que la nueva película de Spielberg era todo un taquillazo. No era nada sorprendente. Pero además se hacían eco de que contenía unos 15 minutos, en el inicio, impresionantes. Unas secuencias recreando el desembarco de Normandía que ponían la piel de gallina.

También desde entonces ha llovido mucho y se ha guerreado aún más. La audiencia se ha curtido en mil y una batallas desde las ficciones de la pequeña o gran pantalla. Pero en su época fue espectacular. Las reseñas destacaban que era lo nunca visto y también sus elementos gore. Había sangre por todas partes, cuerpos desmembrados, vísceras al descubierto. Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan) mostraba una crudeza desgarradora. El público dejaba de ser un mero espectador para sentirse inmerso en el combate y la mirada de su protagonista, el capitán Miller (Tom Hanks), abrumado por tanto horror y muerte, era también la nuestra.

Salvar al soldado Ryan (1988)

©Dreamworks/The Kobal Collection )

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El ‘Quijote’ de Gilliam, una película maldita también después de estrenarse

Cápsulas de cine

Terry Gilliam había tardado algo así como 20 años en materializar su ansiado proyecto sobre la obra más célebre de Cervantes. El hombre que mató a Don Quijote era al fin una realidad y se presentó mundialmente en el pasado Festival de Cannes. No se hizo esperar para llegar también a los cines, de España y Francia, países desde donde había logrado captar el presupuesto necesario de productoras para llevarlo a cabo.

Antes de ese estreno, desde los medios hacía semanas que se hablaba de la maldición y las circunstancias que habían truncado en más de una ocasión ese sueño del cineasta norteamericano y que fue uno de los integrantes del mítico grupo humorista británico Monty Python. Problemas de financiación, dificultades técnicas y climáticas durante los intentos de rodaje o cambio de actores por diversos imprevistos. Pero ni así, ni habiendo logrado aparentemente su propósito se ha deshecho de la condena a la que está definitivamente abocada su película.

El hombre que mató a Don Quijote

( ©Warner Bros )

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Harvey Weinstein inspira una película de terror

Cápsulas de cine

Podría haber sido un drama, un thriller o una comedia negrísima o paródica. Pero a Brian De Palma lo que le conduce pensar en el caso Weinstein es al horror. Así lo anunciaba el mismo director en unas declaraciones a The Playlist y asegurando que se encuentra enfrascado en la escritura de un guion inspirado en Harvey Weinstein.

Terrorífica era también a su modo Redacted, la mejor película de los últimos años, aunque haya que remontarse hasta 2007, del autor de Carrie, Los intocables de Eliot Ness, Atrapado por su pasado, Doble cuerpo o El precio del poder. Un descenso a los infiernos de la guerra, en esos avernos en el que las víctimas acaban siendo los más débiles y a manos de quienes se supone deben protegerlos o velar por su seguridad. Era el relato de la violación de una muchacha adolescente, y el de su asesinato, el de ella y toda su familia, a cargo de cinco marines norteamericanos durante la guerra de Irak.

Harvey Weinstein

Harvey Weinstein en la conmemoración del 25 aniversario de ‘Reservoir Dogs’, en abril de 2017 (©GTRES)

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‘Vértigo’, 60 años de una irresistible obsesión

Encuadres

Madeleine y Judy. A ambas las interpretó la misma actriz, Kim Novak. De hecho eran el mismo personaje en Vértigo y representaban una retorcida dualidad, la de la mujer real y la mujer soñada.

La trama creó también a un protagonista masculino con el que el público pudiera identificarse fácilmente. Vulnerable, íntegro, de apariencia normal y corriente, con marcadas limitaciones y debilidades. Y pocos actores más adecuados para este tipo de personaje, cercano, simpático pero atormentado, que James Stewart. Aquí un expolicía, Scottie, que padece acrofobia (miedo a las alturas) y que sin poderlo remediar también quedaba encadenado a una extraña fijación hacia una mujer, hacia Madeleine, la mujer soñada.

Vértigo 1958

( ©Sony / Universal )

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60 años de ‘Sed de mal’ y su magistral plano secuencia

En blanco y negro

Nada más empezar, poco más de tres minutos que dejaron boquiabiertos a los críticos y cinéfilos más exigentes. Es el famoso plano secuencia que abre Sed de mal (Touch of Evil, 1958) de Orson Welles, desde el plano detalle de unas manos preparando un explosivo para colocarlo en el interior del maletero de un coche hasta la explosión final, una vez que el conductor, un empresario norteamericano, y su acompañante, una cabaretera, han cruzado la frontera de México con Estados Unidos. Y de fondo, la música con toques de jazz de Henry Mancini.

Cine negro, muy negro, y rodado naturalmente también en blanco y negro con una fotografía barroca e inspirada en el expresionismo alemán (captada por Russell Metty) que acentuaba los contrastes luminosos y lo grotesco de sus personajes. No era una película de Dreyer, pero el tratamiento de la luz y las tinieblas estaban a la par con su trasfondo, el enfrentamiento entre la integridad y la corrupción. El primer concepto representado por Mike Vargas (Charlton Heston), un influyente agente antidrogas del gobierno mexicano, y el segundo por el capitán de policía estadounidense Hank Quinlan (encarnado por el propio Welles).

Sed de mal (Touch of Evil)

( ©Universal )

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Vince Vaughn lo borda en ‘Brawl in Cell Block 99’

En pantalla

Bradley Thomas (Vince Vaughn) es un cuarentón que optó por dejar atrás un pasado violento. Lo fue en el ámbito legal y deportivo, como exboxeador, siguiendo las reglas del cuadrilátero; pero también se codeó con delincuentes y mafiosos de entre quienes aún conserva cierta amistad con un narcotraficante. Ahora lleva una vida normal, discreta, empleado en un taller mecánico y con una esposa que ama (Jennifer Carpenter), aunque ella piense que no le dedica suficiente tiempo. Pero Bradley sigue siendo un tipo duro. La parte trasera de su cabeza rasurada se adorna con el ostentoso tatuaje de una cruz tintada y una lengüeta de alambre.

Un mal día lo tiene cualquiera. Luego están los que son más que pésimos, cruciales, y el que acaba teniendo Bradley es uno de esos. No tardará en ir a dar con sus huesos en la cárcel, a causa de un desafortunado incidente que puso a prueba su sentido ético y moral. Lejos de encontrar allí paz en su involuntario recogimiento entre rejas será extorsionado por una peligrosa banda de narcos que reclama su pellejo.

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Horror y fascinación: 55 años de ‘Los pájaros’ de Hitchcock

Encuadres

Un estilizado vestido de lana verde, chaqueta del mismo color y falda de tubo. Cinturón para resaltar la figura, zapatos de color claro, bolso a la última moda (la de inicios de los 60) y un lujoso collar de perlas. El que lucía Melanie Daniels (Tippi Hedren) es uno de los vestidos más glamurosos y preciosos del cine. Destacaba además la elegancia, sin estridencia, y la buena posición económica del personaje, hija de un magnate de la prensa, en Los pájaros (The Birds) de Hitchcock.

Con el modelito puesto, una creación de la gran Edith Head, Tippi Hedren se pasaba la mayor parte de la película. Le valía para todo, fuera consentido o imprevisto, para ir detrás del hombre del que se había encaprichado, el abogado Mitch Brenner (Rod Taylor), fiestas de cumpleaños o pasearse por las calles de Bodega Bay. Solo exhibía un vestido más, en las escenas iniciales en la pajarería de San Francisco, además de un simple pijama no exento de atractivo. La rubia Tippi Hedren y el citado conjunto verde eran una inmejorable muestra del encanto, más divino que humano, con el que las lujosas producciones de Hollywood intentaban seducir y ganarse el favor del público. Pero este es uno de los ejemplos en que el glamur no era solo superficial. La película tenía mucha más tela que cortar.

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