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El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de la categoría ‘Cine de autor’

‘Vértigo’, 60 años de una irresistible obsesión

Encuadres

Madeleine y Judy. A ambas las interpretó la misma actriz, Kim Novak. De hecho eran el mismo personaje en Vértigo y representaban una retorcida dualidad, la de la mujer real y la mujer soñada.

La trama creó también a un protagonista masculino con el que el público pudiera identificarse fácilmente. Vulnerable, íntegro, de apariencia normal y corriente, con marcadas limitaciones y debilidades. Y pocos actores más adecuados para este tipo de personaje, cercano, simpático pero atormentado, que James Stewart. Aquí un expolicía, Scottie, que padece acrofobia (miedo a las alturas) y que sin poderlo remediar también quedaba encadenado a una extraña fijación hacia una mujer, hacia Madeleine, la mujer soñada.

Vértigo 1958

( ©Sony / Universal )

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60 años de ‘Sed de mal’ y su magistral plano secuencia

En blanco y negro

Nada más empezar, poco más de tres minutos que dejaron boquiabiertos a los críticos y cinéfilos más exigentes. Es el famoso plano secuencia que abre Sed de mal (Touch of Evil, 1958) de Orson Welles, desde el plano detalle de unas manos preparando un explosivo para colocarlo en el interior del maletero de un coche hasta la explosión final, una vez que el conductor, un empresario norteamericano, y su acompañante, una cabaretera, han cruzado la frontera de México con Estados Unidos. Y de fondo, la música con toques de jazz de Henry Mancini.

Cine negro, muy negro, y rodado naturalmente también en blanco y negro con una fotografía barroca e inspirada en el expresionismo alemán (captada por Russell Metty) que acentuaba los contrastes luminosos y lo grotesco de sus personajes. No era una película de Dreyer, pero el tratamiento de la luz y las tinieblas estaban a la par con su trasfondo, el enfrentamiento entre la integridad y la corrupción. El primer concepto representado por Mike Vargas (Charlton Heston), un influyente agente antidrogas del gobierno mexicano, y el segundo por el capitán de policía estadounidense Hank Quinlan (encarnado por el propio Welles).

Sed de mal (Touch of Evil)

( ©Universal )

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Vince Vaughn lo borda en ‘Brawl in Cell Block 99’

En pantalla

Bradley Thomas (Vince Vaughn) es un cuarentón que optó por dejar atrás un pasado violento. Lo fue en el ámbito legal y deportivo, como exboxeador, siguiendo las reglas del cuadrilátero; pero también se codeó con delincuentes y mafiosos de entre quienes aún conserva cierta amistad con un narcotraficante. Ahora lleva una vida normal, discreta, empleado en un taller mecánico y con una esposa que ama (Jennifer Carpenter), aunque ella piense que no le dedica suficiente tiempo. Pero Bradley sigue siendo un tipo duro. La parte trasera de su cabeza rasurada se adorna con el ostentoso tatuaje de una cruz tintada y una lengüeta de alambre.

Un mal día lo tiene cualquiera. Luego están los que son más que pésimos, cruciales, y el que acaba teniendo Bradley es uno de esos. No tardará en ir a dar con sus huesos en la cárcel, a causa de un desafortunado incidente que puso a prueba su sentido ético y moral. Lejos de encontrar allí paz en su involuntario recogimiento entre rejas será extorsionado por una peligrosa banda de narcos que reclama su pellejo.

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Horror y fascinación: 55 años de ‘Los pájaros’ de Hitchcock

Encuadres

Un estilizado vestido de lana verde, chaqueta del mismo color y falda de tubo. Cinturón para resaltar la figura, zapatos de color claro, bolso a la última moda (la de inicios de los 60) y un lujoso collar de perlas. El que lucía Melanie Daniels (Tippi Hedren) es uno de los vestidos más glamurosos y preciosos del cine. Destacaba además la elegancia, sin estridencia, y la buena posición económica del personaje, hija de un magnate de la prensa, en Los pájaros (The Birds) de Hitchcock.

Con el modelito puesto, una creación de la gran Edith Head, Tippi Hedren se pasaba la mayor parte de la película. Le valía para todo, fuera consentido o imprevisto, para ir detrás del hombre del que se había encaprichado, el abogado Mitch Brenner (Rod Taylor), fiestas de cumpleaños o pasearse por las calles de Bodega Bay. Solo exhibía un vestido más, en las escenas iniciales en la pajarería de San Francisco, además de un simple pijama no exento de atractivo. La rubia Tippi Hedren y el citado conjunto verde eran una inmejorable muestra del encanto, más divino que humano, con el que las lujosas producciones de Hollywood intentaban seducir y ganarse el favor del público. Pero este es uno de los ejemplos en que el glamur no era solo superficial. La película tenía mucha más tela que cortar.

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Buscando la luz y la sombra, 50 años del fallecimiento de Dreyer

En blanco y negro

“Creo en los placeres de la carne y en la soledad irremediable del alma”. Y en que el cine es arte. La primera frase se corresponde con una de las frases de Gertrud (1964) y la segunda con la visión profundamente artística que tenía el propio Carl Theodor Dreyer de la obra cinematográfica. La conmemoración de su fallecimiento, el 20 de marzo de 1968, a los 79 años, en Copenhague solo debe servir de mera excusa para recordar a uno de los grandes maestros indiscutibles del “séptimo arte”.

Era muy consciente de que una película requería del trabajo de mucha gente, pero era un artista el que debía imponer su visión creativa. Periodista aventurero, también crítico de cine y escritor, una de las mejores y más agudas apreciaciones que se han dicho sobre Dreyer es que su aportación fue similar a la de la filosofía o la mística. Está considerado el padre del cine europeo y su obra inspiró a otros grandes cineastas como Ingmar Bergman, Robert Bresson, Andrei Tarkovski e incluso al austríaco Michael Haneke o a su compatriota danés Lars Von Trier. Pese a que figura entre los mejores directores de toda la historia, algunas de sus películas más destacadas no fueron recibidas durante su estreno, ni siquiera en los festivales especializados, con el mismo consenso de elogios que se le dedican desde hace décadas.

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90 años de una obra maestra, ‘Y el mundo marcha’

En blanco y negro

John Sims se trasladó a Nueva York dispuesto a cumplir sus sueños, pero en la gran metrópoli era simplemente uno más de “las siete millones de personas que creen que el mundo depende de ellos”. En el trabajo también se desvaneció perdido en otro número, el 137 sin destacar entre el resto de contables de la empresa para la que trabajaba. Ni siquiera el haber nacido en una fecha señalada, el 4 de julio en Estados Unidos, parecía que llamara al fortunio. Eso sí, la vida quiso obsequiarle al menos trayéndole pronto un amor a primera vista, a Mary, que muy pronto se convertiría en su esposa.

El golpe definitivo al sueño americano, y a todos los sueños, lo dio King Vidor hace 90 años con Y el mundo marcha (The Crowd, 1928). El nacimiento, la infancia, la muerte de un ser muy próximo, las ansias de juventud, el trabajo, el amor, los hijos. Todo el espectáculo de la vida, alegre o trágico, condensado en esta obra extraordinaria.

Cine en blanco y negro, y cine mudo, y sin embargo igual de vigente hoy en día con millares de millones de individuos intentando ser alguien, sobresalir de entre la “multitud” (la que alude directamente el título, “the Crowd”. original) en sus facetas personales, laborables o artísticas, mostrándose únicos por su manera de vestir, por el perfume que usan, por sus aficiones, manifestando que son una voz y una alma que existe a través de las redes sociales, Twitter, Facebook, Instagram o las que lleguen.

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Billy Wilder, el mejor en el difícil arte de escribir comedias

Cápsulas de cine

A finales del pasado año, la web Vulture realizó una encuesta entre 40 especialistas del gremio para elegir “a los mejores guionistas de toda la historia del cine”. Solo o en compañía (de I.A.L. Diamond) el austríaco-estadounidense Billy Wilder fue considerado el mejor. Y así será por mucho que pase el tiempo.

Sus guiones eran pura dinamita y puro ingenio. Una visión sarcástica de la condición humana y unos diálogos afilados y precisos que forman parte del mejor legado del cine. Puede que las vestiduras y peinados de sus personajes les delate, pero sus historias podían aplicarse al pasado, al presente y al futuro. No pasan de moda porque lo que cuenta trasciende a modas y épocas. El equilibrio genial estaba en sacar el máximo partido tanto del guion como de los personajes, en lograr que por muchas veces que veamos sus grandes obras vuelvan a maravillarnos extrayendo nuevas visiones y detalles que se nos habían escapado. Es como si su cine se reinventara con cada nuevo visionado. Además, el “toque Wilder” (para quien Ernst Lubitsch fue su principal modelo) incluía una mesurada proporción de drama y comedia.

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Una Berlinale de borrón y cuenta nueva

Cápsulas de cine

Las crónicas de esta edición, la número 68, del Festival Internacional de Cine de Berlín coinciden en señalarla como una de las más flojas de su historia. La ganadora del Oso de Oro, Touch me not, una desinhibida y provocadora mirada a la sexualidad, sin tapujos, a los 50 años y ópera prima de la rumana Adina Pintilie no ha sido precisamente del gusto de todo el mundo ni obtuvo buenas críticas.

Otros cineastas, como Gus Van Sant con Don’t Worry, He Won’t Get Far o Stephen Soderbergh con Unsane (esta fuera de la competición oficial) han decepcionado. En cambio, sí que parece haber unanimidad en reconocer como merecido el premio al mejor director a Wes Anderson por Isla de Perros, su segundo largometraje de animación.

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‘Black Power’ con ‘Black Panther’

Cápsulas de cine

En poco menos de un año, el cine realizado por afroamericanos ha logrado tres incuestionables hitos. En los Óscar del pasado año, Moonlight se alzó con la estatuilla a la mejor película. Prácticamente coincidió con otro acontecimiento, nada calculado ni previsto. Dos días antes, el viernes 24 de febrero, llegaba a las pantallas norteamericanas el thriller Déjame salir (Get Out). La propuesta de Jordan Peele recogió instantáneamente las mejores alabanzas y puntuaciones por parte de la crítica.

Era la revelación del año en Estados Unidos y nada menos que para una película de género fantástico (aunque para los Globos de Oro tuviera que promocionarse como “comedia”). Y ahora, el pasado fin de semana se constata que, lejos de los pronósticos más optimistas, Black Panther, dirigida por Ryan Coogler y la aventura cinematográfica en solitario del primer superhéroe africano (y, ¿por qué no decirlo? un superhéroe secundario, sin la popularidad ni el tirón de otros), ha arrasado en los cines norteamericanos. 242,2 millones de dólares (197 millones en euros) recaudados de viernes a lunes. El segundo mejor estreno de toda la historia en cuatro días.

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‘The Florida Project’, sordidez desde la desarmante mirada de la inocencia

En pantalla

Te manchará el parabrisas del coche con sus escupitajos, no tendrá reparos en manipular el interruptor general de la luz para dejarte a ti y a toda la comunidad sin corriente, te hará mil y una trastadas y aún tendrá el descaro de enviarte a hacer puñetas a la mínima que intentes darle una reprimenda. Traviesa, desafiante, insolente, maleducada. Solo un milagro podría hacer que sintamos cariño hacia alguien así, ni que sea una chiquilla malcriada de seis años. Los prodigios de vez en cuando ocurren y Moonee, encarnada en la pequeña gran actriz Brooklynn Prince, logra ganarnos el corazón y nuestro sano juicio porque en el fondo comprendemos su inocencia y ausencia de malicia, mostrada en una pantalla como pocas veces antes hemos podido ver.

Durante una vacaciones estivales, Moonee corretea junto a su pandilla de amigos por entre los marginales parajes de los edificios de moteles que alojan a madres solteras y familias con exceso de carencias en una zona muy próxima a los majestuosos territorios de Disney World en Orlando.

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