El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de la categoría ‘Cine de autor’

‘La balada de Buster Scruggs’, el divertido y crudo salvaje Oeste de los Coen

En pantalla:

Los hermanos Joel y Ethan llevaban años queriendo realizar un wéstern. Hace ocho lo hicieron con el excelente remake de Valor de ley, pero deseaban más. Los relatos del lejano y salvaje Oeste, en literatura o en cine, les había marcado desde la infancia. Por ello y por el tiempo que han dedicado en materializar La balada de Buster Scruggs hace que sea un largometraje especial.

Un trabajo muy personal sin importar que pueda gustar o no, ni buscando ser comerciales. De ahí que la participación de Netflix, en la financiación y distribución les haya venido de perlas. Los mismos Coen son directores, productores y guionistas de estas seis historias distintas autoconclusivas, en la que aparece toda la iconografía del viejo Oeste y referencias desde John Ford a Sergio Leone.

La balada de Buster Scruggs

( ®Netflix )

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Lars Von Trier pone a prueba nuestra aceptación de las imágenes violentas

Sitges 2018

En la primera proyección de The House That Jack Built de Lars Von Trier en el Festival de Sitges, a las 10:45 de la mañana el lunes 8 en el Auditori (y en una sala llenísima de público, inusual en un lunes y en ese horario) se puso de manifiesto la variedad de espectadores y sus reacciones incluso en un certamen como este, dedicado al género de terror, fantasía y ciencia-ficción y en el que, ociosamente o a modo de catarsis, también se acostumbra a celebrar con aplausos y jolgorio cualquier o casi cualquier muerte en pantalla.

Los hay que lo aplauden todo, aunque sea la muerte de un niño. Otros quedamos atónitos (embargados por el dolor), en silencio. Por suerte, la comunión del público no fue total porque, esta vez, los que jalearon escenas de este tipo fueron pocos. No me interpreten mal. De hecho, hay tantas historias que se basan en la violencia, desde el inicio de los tiempos, empezando por ese típico duelo final entre “el bueno y el malo” sea en una de superhéroes o en un viaje a las galaxias más lejanas. Pero está el puro divertimiento, la propuesta que nos permite dar rienda suelta a nuestra necesidad de morbo o también, en cierta manera, tomar distancia para celebrar la violencia gráfica más explícita; y luego están las de denuncia o las que nos deberían conducir a la reflexión o al rechazo de semejantes acciones.

The House That Jack Built

( ®Golem )

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Recordando a ‘Inseparables’ (1988), un Cronenberg fantástico

Encuadres

A finales de septiembre de 1988, concretamente el día 23, se estrenaba en las salas comerciales estadounidenses Inseparables (Dead Ringers) del canadiense David Cronenberg. Al igual que otras películas suyas, como Spider (2002), era una obra maestra que no obtuvo una acogida especialmente afectuosa por parte del gran público. “Todos me dicen que es extraordinaria, pero que no tiene viabilidad comercial en cines”, recuerdo que aseguraba el mismo cineasta a un reducido grupo de periodistas cuando lo entrevistamos con motivo de la presentación de Spider en el Festival de Sitges.

Inseparables se inspiraba en un caso real, el de dos gemelos idénticos ocurrido en Nueva York en 1975, cuando los ginecólogos Cyril y Stewart Marcus decidieron poner fin a su vida y a la tormentosa relación que les unía. Los Marcus se transformaron en los Mantle y Jeremy Irons, arrastrando aún el prestigio de la miniserie británica Retorno a Brideshead (1981), considerada durante años y por buena parte de la crítica como la mejor serie que se había realizado nunca, logró la que quizá es la mejor interpretación de su carrera.

Inseparables (Dead Ringers, 1988)

( ©Fox / Telefilm Canada )

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Y Venecia (su festival de cine) cambió las normas

Cápsulas de cine

Y ha tenido que ser una película que lleva como título Roma, el nombre de la capital italiana, pero que en realidad hace referencia a un barrio de la Ciudad de México. Alfonso Cuarón conquistó al jurado, presidido por otro mexicano, Guillermo del Toro (ganador en la edición del pasado año con La forma del agua, que luego triunfaría en los Óscar), y a los críticos que cubrían el Festival Internacional de Cine de Venecia. Desde su proyección se erigió en la gran favorita para hacerse con el León de Oro.

Rodada en un blanco y negro tan nostálgico como esplendoroso, Roma es, según los cronistas, además de un retrato de la diferencia de clases sociales en el México de los años 70, el particular y sentido homenaje del cineasta a su “segunda madre”, a la nana que le cuidó de pequeño, a él y a sus otros tres hermanos. Pero el triunfo no solo es de Cuarón, o de su niñera, también le pertenece a Netflix, productora y exhibidora del filme. El gigante de las plataformas de streaming sale reforzado con una victoria sin precedentes. Un largometraje que, en principio, no se estrenará primero en cines gana en uno de los grandes festivales internacionales.

Roma Alfonso Cuarón

( Yalitza Aparicio en ‘Roma’ ®Netflix )

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Nacidos para provocar: lo nuevo de Lars von Trier y Gaspar Noé

Listas de cine

Las dos películas se presentaron en primicia en el pasado Festival de Cannes, ambas cuentan con distribución y se estrenarán en nuestras salas. Y también son dos títulos que está previsto que se proyecten en el próximo Festival de Cine Fantástico de Sitges, que tendrá lugar del 4 al 14 de octubre.

Cine de autor sin paliativos, cineastas fieles a sus postulados y a su forma de ser y rodar. Buscando remover conciencias y estómagos. Uno es de sobras conocido, el danés Lars von Trier, el otro es el director argentino afincado en Francia Gaspar Noé. Y ambos tienen preparados nuevos “artefactos” fílmicos para provocar al personal: The House That Jack Built y Climax, respectivamente. Cuando lleguen a las pantallas, prometen no dejar indiferentes a nadie, aunque no se hayan visto.

‘The House That Jack Built’ de Lars von Trier

The House That Jack Built

( ©Golem Distribución )

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La película que cambió la forma de rodar las escenas de batalla: 20 años de ‘Salvar al soldado Ryan’

Encuadres

Hace dos décadas los periódicos, por entonces Internet era aún una promesa de futuro, un medio que usaban muy pocos, empezaron a llegar noticias de que la nueva película de Spielberg era todo un taquillazo. No era nada sorprendente. Pero además se hacían eco de que contenía unos 15 minutos, en el inicio, impresionantes. Unas secuencias recreando el desembarco de Normandía que ponían la piel de gallina.

También desde entonces ha llovido mucho y se ha guerreado aún más. La audiencia se ha curtido en mil y una batallas desde las ficciones de la pequeña o gran pantalla. Pero en su época fue espectacular. Las reseñas destacaban que era lo nunca visto y también sus elementos gore. Había sangre por todas partes, cuerpos desmembrados, vísceras al descubierto. Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan) mostraba una crudeza desgarradora. El público dejaba de ser un mero espectador para sentirse inmerso en el combate y la mirada de su protagonista, el capitán Miller (Tom Hanks), abrumado por tanto horror y muerte, era también la nuestra.

Salvar al soldado Ryan (1988)

©Dreamworks/The Kobal Collection )

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El ‘Quijote’ de Gilliam, una película maldita también después de estrenarse

Cápsulas de cine

Terry Gilliam había tardado algo así como 20 años en materializar su ansiado proyecto sobre la obra más célebre de Cervantes. El hombre que mató a Don Quijote era al fin una realidad y se presentó mundialmente en el pasado Festival de Cannes. No se hizo esperar para llegar también a los cines, de España y Francia, países desde donde había logrado captar el presupuesto necesario de productoras para llevarlo a cabo.

Antes de ese estreno, desde los medios hacía semanas que se hablaba de la maldición y las circunstancias que habían truncado en más de una ocasión ese sueño del cineasta norteamericano y que fue uno de los integrantes del mítico grupo humorista británico Monty Python. Problemas de financiación, dificultades técnicas y climáticas durante los intentos de rodaje o cambio de actores por diversos imprevistos. Pero ni así, ni habiendo logrado aparentemente su propósito se ha deshecho de la condena a la que está definitivamente abocada su película.

El hombre que mató a Don Quijote

( ©Warner Bros )

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Harvey Weinstein inspira una película de terror

Cápsulas de cine

Podría haber sido un drama, un thriller o una comedia negrísima o paródica. Pero a Brian De Palma lo que le conduce pensar en el caso Weinstein es al horror. Así lo anunciaba el mismo director en unas declaraciones a The Playlist y asegurando que se encuentra enfrascado en la escritura de un guion inspirado en Harvey Weinstein.

Terrorífica era también a su modo Redacted, la mejor película de los últimos años, aunque haya que remontarse hasta 2007, del autor de Carrie, Los intocables de Eliot Ness, Atrapado por su pasado, Doble cuerpo o El precio del poder. Un descenso a los infiernos de la guerra, en esos avernos en el que las víctimas acaban siendo los más débiles y a manos de quienes se supone deben protegerlos o velar por su seguridad. Era el relato de la violación de una muchacha adolescente, y el de su asesinato, el de ella y toda su familia, a cargo de cinco marines norteamericanos durante la guerra de Irak.

Harvey Weinstein

Harvey Weinstein en la conmemoración del 25 aniversario de ‘Reservoir Dogs’, en abril de 2017 (©GTRES)

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‘Vértigo’, 60 años de una irresistible obsesión

Encuadres

Madeleine y Judy. A ambas las interpretó la misma actriz, Kim Novak. De hecho eran el mismo personaje en Vértigo y representaban una retorcida dualidad, la de la mujer real y la mujer soñada.

La trama creó también a un protagonista masculino con el que el público pudiera identificarse fácilmente. Vulnerable, íntegro, de apariencia normal y corriente, con marcadas limitaciones y debilidades. Y pocos actores más adecuados para este tipo de personaje, cercano, simpático pero atormentado, que James Stewart. Aquí un expolicía, Scottie, que padece acrofobia (miedo a las alturas) y que sin poderlo remediar también quedaba encadenado a una extraña fijación hacia una mujer, hacia Madeleine, la mujer soñada.

Vértigo 1958

( ©Sony / Universal )

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60 años de ‘Sed de mal’ y su magistral plano secuencia

En blanco y negro

Nada más empezar, poco más de tres minutos que dejaron boquiabiertos a los críticos y cinéfilos más exigentes. Es el famoso plano secuencia que abre Sed de mal (Touch of Evil, 1958) de Orson Welles, desde el plano detalle de unas manos preparando un explosivo para colocarlo en el interior del maletero de un coche hasta la explosión final, una vez que el conductor, un empresario norteamericano, y su acompañante, una cabaretera, han cruzado la frontera de México con Estados Unidos. Y de fondo, la música con toques de jazz de Henry Mancini.

Cine negro, muy negro, y rodado naturalmente también en blanco y negro con una fotografía barroca e inspirada en el expresionismo alemán (captada por Russell Metty) que acentuaba los contrastes luminosos y lo grotesco de sus personajes. No era una película de Dreyer, pero el tratamiento de la luz y las tinieblas estaban a la par con su trasfondo, el enfrentamiento entre la integridad y la corrupción. El primer concepto representado por Mike Vargas (Charlton Heston), un influyente agente antidrogas del gobierno mexicano, y el segundo por el capitán de policía estadounidense Hank Quinlan (encarnado por el propio Welles).

Sed de mal (Touch of Evil)

( ©Universal )

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