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¿Cabe en un circuito toda la música electrónica?

"Electric Love Blueprint" © Dorothy

“Electric Love Blueprint” © Dorothy

¿Cabe toda la música electrónica de la historia en un póster de 80 por 60 centímetros?

En el estudio de diseño Dorothy, de Manchester (Reino Unido), piensan que sí y lo intentan demostrar con Electric Love Blueprint – A History of Electronic Music.

Los cuatro jóvenes que impulsan desde 2010 la dinámica empresa, Ali, Phil, Jim y Tich, siguen en la senda de cartografiar con mapas imaginarios los santorales o caminos creativos de la cultura pop contemporánea: ya lo intentaron con la historia del cine condensada en bóvedas celestes —Hollywood Star Chart—, temas musicales con nombres de animales encapsuladas en un zoológico roquista —The Rock’N’Roll Zoo— y un callejero urbano diseñado con títulos de canciones—Song Map—.

Ahora se han convertido en seres eléctricos y han trazado un circuito con los iconos habituales —condensadores, nodos, mallas, ramas, fuentes, conductores…— para resumir el género que quizá tenga más progenitores de entre todas las formas musicales que siguen con vida. Podemos concluir, con matices pero sin llegar a la pelea, que el rock and roll nació en una cama redonda compartida por blues eléctrico, countrybluegrass, pero el asunto no es tan fácil cuando se trata de la electrónica.

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Monstruos que ‘habitaron’ los mares medievales y renacentistas

'Ziphius et Orca', 2014 - Bailey Henderson

‘Ziphius et Orca’, 2014 – Bailey Henderson

El zifio o ballenato de Cuvier (Ziphius cavirostris) es un cetáceo de tamaño medio, con las partes superiores del cuerpo y la cabeza más clara. Sólo en el siglo XIX se supo de su existencia: en 1804 se creía que era una especia extinta (sólo se había encontrado un cráneo en la costa mediterránea de Francia), pero en 1850 se comprobó que seguían habitando los mares.

Mucho antes, en los mapas europeos de la edad media, el inofensivo ballenato tuvo un antepasado imaginario. Lo llamaban zifio o búho de agua y decían que en su anatomía había tanto características del ave nocturna como de un pez. La criatura era temida por los marineros por su afilada aleta dorsal, con la que se decía que perforaba los cascos de los barcos. Es posible que la leyenda derivara del avistamiento de ejemplares verdaderos y que el miedo a lo desconocido hiciera el resto.

Monstrorum Marines es un proyecto que une fantasía e historia y que la escultora e ilustradora canadiense Bailey Henderson sigue ampliando. Las criaturas de las obras habitaban los mapas europeos medievales y renacentistas, en periodos históricos en que la creencia de que la Tierra era plana (y uno se podía caer si llegaba al final), la fascinación por los descubrimientos y la imaginación de los exploradores se mezclaba con la cartografía.

'Porcus Marinus', 2014 - Bailey Henderson

‘Porcus Marinus’, 2014 – Bailey Henderson

La presencia de estos seres en los mapas originales de los siglos XII al XVII empezaron por ser una advertencia sobre posibles peligros y evolucionaron después hacia lo artístico, con ilustraciones cada vez más elaboradas que aumentaban el valor económico de los mapas. Los gallos o los unicornios mitad serpiente acuática o las sirenas de cola partida y con pinchos pasaron a interesar más a los nobles, deseosos de imaginar travesías peligrosas en lugares remotos del mundo.

El estilo de las obras de Henderson —y su foto de perfil en Behance, la red social para artistas— descubre a una autora muy joven, que con la serie de esculturas inicia uno de sus primeras iniciativas serias. De momento, en su web personal sólo tiene cuatro ejemplos de animales mitológicos y feroces, pero creados en un estilo exquisitamente detallista que choca con los ojos ocultos entre escamas, los chorros de agua emergiendo de la cabeza como si fueran cuernos yotras características habituales en los monstruos marinos del pasado.

Helena Celdrán

'Pinniped', 2013 - Bailey Henderson

‘Pinniped’, 2013 – Bailey Henderson

'Cockatrice', 2013 - Bailey Henderson

‘Cockatrice’, 2013 – Bailey Henderson

Maude White transforma el papel en frágiles estructuras

Maude White

Maude White

“Guardo un gran respeto por el papel. Cuando corto, el material fino y membranoso me revela su fuerza. (…) El papel está en todas partes y ha estado contando historias durante siglos. Respetándolo y honrándolo por lo que es y no considerándolo como un paso previo a algo más grande, siento que comunico algo del placer que me produce”.

Es capaz de reducir el folio a un esqueleto. La estadounidense Maude White (Búfalo – Nueva York, 1986) transforma el papel en finos laberintos, en redes enrevesadas como mapas urbanos. Cuando muestra ante la cámara sus trabajos, sostiene las frágiles estructuras, a veces sólo levantándolas ligeramente de la superficie con la yema de los dedos, para demostrar que son carcasas sin relleno.

Enamorada de su técnica, lo que más le gusta de ella es crear espacios negativos, convertir los huecos en la parte más importante de la obra. Desde pequeña quiso encontrar “lugares ocultos”, detalles secretos en el mundo que nos rodea: en su página web, confiesa que siempre creyó que si uno mira un objeto con detalle, puede ver algo que hasta ese momento había pasado desapercibido y resulta ser incluso precioso.

Maude White

Maude White

Su destreza le permite reproducir largas melenas de personajes femeninos, el trazado único de unas huellas dactilares, plumas de aves, aglomeraciones de burbujas de jabón, colibríes y halcones aprovechando mapas viejos…

Cuando corta papel, tiene la sensación de estar revelando uno de esos “espacios secretos” que buscaba de niña, como si lo que moldeara con tijeras y cuchillas siempre hubiera estado allí, esperando a que ella lo descubriera. “No creo por amor al arte, sino por amor al papel, para hacer visibles las historias que cada pieza de papel intenta comunicarnos”.

Helena Celdrán

'Violin Piece' - Maude White

‘Violin Piece’ – Maude White

Maude White

Maude White

Maude White

Maude White

'Bubble Girl' - Maude White

‘Bubble Girl’ – Maude White

'Red-Tailed+Hawk' - Maude White

‘Red-Tailed+Hawk’ – Maude White

‘Ciudades portátiles’ construidas en maletas

'Portable Cities' - Yin Xiuzhen

La visión del equipaje deslizándose sobre las cintas transportadoras del aeropuerto activó la inspiración de la artista. El contenido de una maleta es el hogar de cada uno y cada vez llevamos ese hogar de un lugar a otro con mayor facilidad, las distancias físicas se reducen.

Considerada una figura destacada en el arte contemporáneo chino, Yin Xiuzhen (Beijing, 1963) incluye a menudo en sus trabajos objetos usados y explora en sus creaciones temas relacionados con la globalización y la homogeneización del mundo. Procedente de la capital de China —que en estos últimos años ha arrasado sin piedad con barrios y edificios históricos para hacer sitio a construcciones modernas— es especialmente sensible al modo en que se están desarrollando las ciudades en el presente.

En Portable Cities (Ciudades portátiles), Xiuzhen fabrica urbes con prendas de segunda mano y retales que proceden de los habitantes anónimos de la misma ciudad que representa. Como terreno para los edificios blandos usa maletas usadas abiertas: cofres que atesoran las pertenencias, los recuerdos y los objetos cotidianos y necesarios para quienes viajan. En un momento en que somos capaces de cambiar radicalmente de emplazamiento en unas pocas horas, la artista interpreta la maleta como un ancla a nuestra identidad.

'Portable cities' - Yin Xiuzhen

A lo largo de los años ha creado modelos correspondientes a París, Groningen, Berlín, Düsseldorf, Nueva York, Seattle, Vancouver, Melbourne, varias ciudades chinas (Beijing, el Paso Jiayu, Shénzhen)… Para completar la instalación, la artista pone altavoces dentro creando bandas sonoras para cada lugar y deja una pequeña abertura similar a una mirilla para que el espectador observe, en el fondo de la maleta, un mapa de la ciudad.

Helena Celdrán

'Portable Cities' -Sydney

Yin Xiuzhen - 'Portable Cities' - New York

'Portable cities' - Yin Xiuzhen

'Portable Cities' - Yin Xiuzhen

Mapas de esponjas y estropajos de cocina usados

'World All Washed Up' - Jeffrey Allen Price

Jeffrey Allen Price utiliza esponjas y estropajos de cocina, ennegrecidos por la grasa doméstica o agrietados por el uso, para elaborar mapas. El artista selecciona cada pieza en las droguerías, buscando “diferentes colores, patrones y texturas” que combinen entre sí. Después las utiliza hasta que exhiben su característico aspecto deteriorado.

El artista califica sus trabajos como un reflejo de los procesos naturales, de los ciclos vitales relacionados con el crecimiento y después la decadencia. “Busco lo personal en lo universal (…) mi proceso de trabajo es ritualista. Mis instalaciones suelen ser collages del tamaño de una habitación y con varios fragmentos, recopilaciones y acumulaciones a las que he dedicado más de 15 años“, dice el autor en su declaración de intenciones.

Aunque son sólo una parte de su corpus creativo, los mapas son uno de esos ambiciosos procesos de coleccionismo que aborda con energía. El de los EE UU tiene un significado especial: “durante años” el autor tuvo en mente la idea de crear una representación de su país natal como “consumido y sucio”. Las imágenes resultantes no son una mera demostración creativa del potencial de un material reciclado: Price construye una “metáfora” del modo en que exprimimos y escurrimos el planeta hasta que, agrietado y maloliente, ya no da más de sí.

Helena Celdrán

'Used Sponges Assemblage' - Jeffrey Allen Price

‘Used Sponges Assemblage’ – Jeffrey Allen Price

Un mapa imaginario con títulos de canciones

'Song Map'

'Song Map'

En una primera ojeada uno se asoma con curiosidad y siente la tentación de forzar cada vez más los ojos para encontrar los títulos diseminados por el mapa. El Heartbreak Hotel de Elvis está junto a la Higway 61 Revisited de Bob Dylan, delante del Hotel California de los Eagles.

Parece un mapa normal, con diferentes colores para las vías según su importancia y una leyenda en la parte inferior con el índice de todos los nombres. Song Map une geografía urbana y música.

Es un proyecto de Dorothy, un estudio creativo de Manchester (Inglaterra). Con Ali Johnson y Phil Skegg como cabezas pensantes, está “inspirado en el conocimiento musical enciclopédico de Phil”. El plano recopila títulos de canciones con los que bautizan las calles, plazas, avenidas, parques, rotondas y edificios de una ciudad inventada -aunque  claramente inspirada en Londres-. Todos los títulos aluden a un lugar.

Cada rincón tiene su pequeño y caprichoso nombre. Entre las arterias centrales de la ciudad están El largo y sinuoso camino (The Long and Winding Road, de los Beatles) y la Autopista hacia el infierno (Highway to Hell, de AC/DC). Éxitos de Air, Blur, los Small Faces y de Siouxsie and the Banshees dan nombre a pequeñas zonas verdes. ¿Vamos?

Helena Celdrán