Entradas etiquetadas como ‘óleo’
20minutos 26 de abril de 2017
‘Boulder, Colorado’ – Heidi Annalise – Foto: instagram.com/heidi.annalise.art
Dentro de la pequeña lata de pastillas de menta Altoids hay pegotes de pintura alineados, con extremos ya mezclados con otros colores, aplastados y convertidos en una versión más clara u oscura de sí mismos. El interior de la tapa es el soporte para un pequeño lienzo.
En el estudio, Heidi Annalise pinta paisajes «entre el realismo y el impresionismo», añadiendo «un elemento de fantasía al mundo natural con colores acentuados y formas simplificadas». Representa con exactitud los accidentes geográficos, pero se permite licencias poéticas para pintar la niebla o las nubes con una apariencia cremosa o para que los arbustos entre los que asoman dos cervatillos parezcan más bien algodones azulados.
En el exterior, la caja metálica es su «joya portátil», la herramienta para pintar en la naturaleza sin quebraderos de cabeza, convirtiendo la amplitud del paisaje en una miniatura íntima. No se atribuye la invención del sistema, otros han utilizado antes el útil recipiente de caramelos ingleses para hacer acuarelas. Las fotos en las que muestra sus trabajos en Instagram son, sin embargo, especialmente estéticas: el paisaje real se completa con el que atesora la cajita, la pintura complementa al fondo.
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20minutos 07 de marzo de 2017
‘Untitled (staple and table cloth)’ – Lillian Bayley Hoover – Foto: lillianhoover.com
Son rincones de una casa cualquiera, banales rastros de actividades que se automatizan. Durante siglos, la pintura ha sido el medio de expresar pasiones y sentimientos profundos y nobles, plasmar hechos históricos, retratar a los notables. La estadounidense Lillian Bayley Hoover apuesta por todo lo contrario, percibe que el tiempo que dedicamos prestando atención a algo guarda una relación directa con el valor que tiene para nosotros, cualquier menudencia puede ser poética, vital, valiosa en nuestra intimidad mundana.
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20minutos 20 de julio de 2016
‘Murugan’ – Raja Ravi Varma
En los rasgos, expresiones y actitudes las mujeres se ajustan a un ideal indio que no ha variado en siglos. El realismo, las pinceladas y la perspectiva o los juegos de luz y sombra indican un contacto con el arte europeo. Recargados y excesivos, son el sueño de un coleccionista occidental que se decante por lo kitsch, pero también es posible encontrar en estas obras el atractivo de la rareza histórica.
Considerado como el más sobresaliente pintor realista indio y uno de los artistas nacionales de cabecera, Raja Ravi Varma (1848-1906) fue también el primero en usar el óleo y mezclar la temática tradicional con el estilo pictórico del viejo continente.
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20minutos 01 de julio de 2016
Obras recientes de Mike Lee – Fotos: mikelee.space
Hay algo de placentero y confortante en las criaturas que dibuja y pinta el estadounidense Mike Lee. La suavidad de las curvas, pies y manos acabados en pico, cabezas de cerilla, cuerpos de un volumen inaceptable según los cánones de belleza que se fomentan con fanatismo desde las pasarelas de moda hasta los maniquíes de cualquier tienducha.
Repasando los archivos del microblog que Lee emplea para documentar sus progresos, es fácil comprobar cómo en mayo de 2015 los personajes redondeados todavía tenían ojos. «Aunque eran sólo dos puntos (…), todavía sentía que estaba explicando demasiado. Quería dejar espacio al espectador para recibir e interpretar el trabajo, así que jugué a alargar las proporciones y mantuve las caras en blanco», cuenta en una entrevista reciente.
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20minutos 16 de febrero de 2016
‘Silver’ – Samantha Keely Smith – Foto: samanthakeelysmith.com
No representa lugares reales, ni siquiera acude a ellos para inspirarse. Samantha Keely Smith tiene la ambición de transformar los estados de la mente en olas de varios metros que chocan contra riscos, lenguas de fuego, oscuridad geológica… El proceso es casi químico: sobre el lienzo, el estado emocional de la artista se transforma en un paisaje que sólo existe en su cabeza.
Cataloga las obras como abstractas, pero matiza que otros las definen como «paisaje semiabstracto». La duda está justificada: en las pinturas hay tormentas, erupciones volcánicas, luces en la lejanía tamizadas por la niebla, atmósferas teñidas… Siempre hay algo que resulta demasiado familiar como para rendirse y sentenciar «yo no veo nada más que una mezcla de colores».
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Tags: abstracción, arte, Frederic Edwin Church, J.M.W. Turner, Obsesiones, óleo, paisaje, pintura, Rain, Samantha Keely Smith, semiabstracción, Snow Storm: Steam-Boat off a Harbour's Mouth, Steam and Speed – The Great Western Railway, The Morning after the Deluge | Almacenado en: Obsesiones
20minutos 22 de diciembre de 2015
‘Bad Trip Bologna’ – Sean Norvet
Pasa hasta en las mejores familias. Dentro de la nevera, olvidadas por completo, están aquellas sobras que confiábamos en aprovechar, metidas en un recipiente hermético y opaco que contribuye a que se mantengan en buen estado más tiempo, pero también a que pasen desapercibidas. Las descubrimos cuando ya es demasiado tarde y nos sometemos a una visión terrorífica, pero también fascinante, porque la comida estropeada provoca cierta curiosidad científica y llama a la observación, si no llega a ser porque el olor apremia a deshacernos de ella cuanto antes.
Con óleos sobre tabla o lienzo, Sean Norvet (1987, Los Ángeles – EE UU) se refocila en la podredumbre. En sus trabajos, la comida es la hermana siamesa de la decadencia, una presencia repulsiva y grasienta con cierto regusto apetecible. Practica un surrealismo pop ya tradicional de la cultura underground californiana, pero con especial interés en la gula, en el consumo impulsivo de fast food.
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20minutos 23 de junio de 2015
‘Pigeon!’ – Carl Beazley
Con la agilidad de un mago que juega con una baraja de cartas, Carl Beazley (Reino Unido, 1988) multiplica cabezas. Dentro del mismo rostro se reproducen otros, nacen en la barbilla, en la sien o en la mejilla, siempre pertenecen a la misma persona y crean un crisol de gestos que completan la imagen principal.
Dice que sus óleos, bañados por una luz lechosa como de flash fotográfico, son «retratos experimentales/surrealistas». Al autor le gustan las muecas extremas y las caras corrientes y rechaza la solemnidad que muchos artistas le dan al retrato. «Parece ser muy popular mostrar emociones minimalistas en los retratos para conseguir esa mirada misteriosa tipo ‘¿qué están pensando?’. Quería intentar pintar algo tan lleno de emoción que incluso pudiera resultar ridículo o falso«, dice en una de sus últimas entrevistas.
No siempre derrochó la seguridad en sí mismo como lo hace ahora, su lado artístico estuvo dormido hasta hace poco. Beazley es autodidacta y siempre tuvo miedo de confesar su deseo de ser pintor, temía que lo vieran como a un loco idealista, incluso se engañaba a sí mismo dibujando un futuro negro si intentaba hacer carrera del arte. Mientras, en la intimidad de su cocina, garabateaba dibujos.
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20minutos 02 de septiembre de 2014
‘Alicia’ (2014) – Antonio Santin
Antonio Santin (Madrid, 1978) se esmera en los tapizados, crea al óleo alfombras de exhaustivos adornos florales y arabescos que, de cerca, parecen más bordados que pintados sobre el lienzo. El asombroso dominio de la técnica queda olvidado por un momento cuando el espectador percibe las arrugas en la superficie: sombras y claroscuros que llevan a la conclusión de que hay algo debajo y ese algo se parece sospechosamente al cuerpo de una persona.
Ya en la serie Still-lifes (Naturalezas muertas), el pintor —primero residente en Berlín y ahora en Nueva York— daba muestras de su gusto por representar textiles en sus cuadros. Calificar de naturalezas muertas escenas protagonizadas por mujeres tumbadas es un indicativo de que algo no va bien, de que la postura relajada, la mirada perdida o los ojos cerrados de los personajes femeninos revisten la tragedia de un crimen. Pero el pintor no da más pistas, obliga a quien observa la obra a vivir en soledad con el terrible presagio.
Ofelia (2009) – Antonio Santin
Su experiencia como escultor y la admiración por la pintura tenebrista española son antecedentes lógicos para Rugs (Alfombras), una colección de obras que amplía desde 2011 y en la que continúa inmerso. Las espléndidas alfombras rectangulares y circulares ocultan siempre un bulto alargado y no hay indicativo alguno de que bajo ellas haya una persona. Por supuesto, para alimentar la duda las piezas reciben nombres como Claire o Alicia, pero también Nubes o nieblas o Volver.
Santin no da importancia al desasosiego que causa no resolver el misterio y otorga al espectador el poder de decidir si existe una víctima o no. En una entrevista a la publicación online berlinesa Freunde von Freunden (FvF), el autor cuenta que hacer desaparecer los cuerpos de las obras fue un acto de valentía. «Me divierte mucho trabajar con la figura humana, pero también es mi zona de confort. Fue un reto quitarse de enmedio a la figura, trasladar el fondo al frente de manera tan drástica. He aprendido mucho con esta serie. De todas maneras, el cuerpo sigue ahí, bajo la alfombra».
Helena Celdrán
‘K de etaat’ (2013) – Antonio Santin
‘Claire’ (2014) – Antonio Santin
Detalla de ‘Claire’ (2014) – Antonio Santin
‘Volver’ (2013) – Antonio Santin
‘Fall’ (2010) – Antonio Santin
‘Yeh’ (2013) – Antonio Santin
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20minutos 02 de octubre de 2012
Monedas de centavo ilustradas por Jacqueline Skaggs
Son las monedas más insignificantes, las que algunos ni se molestan en recoger cuando caen al suelo. Los centavos de EE UU (en inglés cents o pennies, en honor al céntimo británico) son el equivalente al céntimo europeo, del mismo tamaño y del mismo material (acero recubierto de cobre), la calderilla más insignificante.
La estadounidense Jacqueline Skaggs utiliza la superficie de los centavos como pequeños lienzos circulares sobre los que plasma imágenes de exquisito detalle. «Las imágenes trascienden el valor de las monedas mientras, en cierto modo, las desfiguran», dice la artista. Su trabajo es un homenaje a la pintura tradicional y en especial a la miniatura holandesa y alemana del siglo XVII, elaborada también en óleo sobre cobre y que servía de amuleto, recuerdo o joya.
A veces, la cabeza del presidente Abrahan Lincoln —que figura de perfil en la cara del centavo— sirve para hacer pequeños juegos de relieve que coinciden con el motivo. El edificio del Monumento a Lincoln, que figura en la mayoría de las tirafas en la cruz de la moneda, se puede fundir con gracia para combinarlo con los paisajes.
La colección de 12 obras que muestra en su página web descubre motivos clásicos, naturalezas muertas, retratos copiados de viejas instantáneas familiares en blanco y negro… Algunas de connotaciones religiosas (La mesa de la última cena, La zarza que no ardió, El Baptisterio); otras, puros ejercicios artísticos.
Helena Celdrán
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20minutos 14 de agosto de 2012
‘PROSCAENIA’ (2011) – Dino Valls
Decir que su pintura es clásica y figurativa sería como cerrar los ojos en un museo, soberbio e inútil.
La obra del pintor zaragozano Dino Valls (1959) ilustra miedos humanos, fundados o ilógicos, olas de angustia que no tienen compasión de nadie. Con una belleza formal que recuerda al Renacimiento y a maestros de la pintura flamenca como Rembrandt, el contraste es todavía mayor. Las formas pertenecen a un mundo pasado que todavía no conocía el terror del hombre moderno. De pronto la armonía se resquebraja con miradas de dolor, instrumentos quirúrgicos e incertidumbre.
Valls se licenció en Medicina y Cirugía y ejerce el estudio de la mente humana con óleos sobre tabla, muchos de ellos dominados por la presencia de una joven (que a veces también podría ser un adolescente), de facciones suaves y asexuadas, que mira de frente al espectador con intensidad. «Responde a un tipo de belleza que me conmueve: es la hermosura de la ambigüedad en la edad, en el sexo, en el tiempo histórico», dice el pintor en una entrevista.
El choque entre la técnica y los temas hace que clasifiquen su obra como figuración de vanguardia. Nunca pinta del natural y no se considera realista, las imágenes nacen en su mente, luego se obsesiona con ellas y las elabora en «decenas de bocetos» que perfecciona y desecha.
Experimentos médicos, erotismo, fórmulas magistrales, recuerdos innombrables, iconografía religiosa… Atento a los impulsos, pero con la capacidad cerebral para no dejarse arrastrar sin control, Valls atrapa «la espontaneidad subconsciente» y la aborda con la razón, como leyendo los resultados de un análisis.
Helena Celdrán
‘DIES IRAE’ (2012) – Dino Valls
‘ARS MAGNA’ (2010) – Dino Valls
‘NUBILIS’ (2010) – Dino Valls
‘NIGREDO’ (2010) – Dino Valls
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