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Entradas etiquetadas como ‘Artefactos’

Animaciones con un torno de alfarería

03 enero 2014

Jim Le Fevre siente debilidad por los giradiscos como herramienta para crear movimiento. Tan sencillo como una superficie circular dando vueltas, el aparato lo ha inspirado para hacer experimentos basados en el zoótropo. El animador británico documenta el resultado en vídeo y llama a la revisión modernizada del añejo mecanismo decimonónico phonotrope (fonótropo).

Amigo de los ceramistas Alice Johnstone y Roop  (dúo creativo del estudio de cerámica inglés RAMP) desde los días en que estudiaban en la Escuela de Arte de Edimburgo, Le Fevre se vio tentado a probar suerte con en el torno de alfarería. “Era demasiado irresistible para ignorarlo”, confiesa en su página web cuando habla de la heterodoxa colaboración.

Los tres artistas (con el director de documentales Mike Paterson) unen de manera sorprendente la cerámica y la animación. El vídeo —un encargo para el Crafts Council de Londres, una veterana escuela de artes y oficios— muestra a los autores en el estudio de cerámica, primero creando un cuenco y después diseñando los motivos pintados que producirán la ilusión de movimiento.

Una fila de esquemáticos abetos copados por pequeños círculos rojos oscilantes se convierten en un animado bosque atravesado por pájaros. El torno gira a la velocidad justa para que se pierda la sensación de estar mirando un objeto e introducir al espectador en la diminuta acción.

Helena Celdrán

Phonotropia - ceramics

¿Un disco vacío o una recopilación de silencios?

27 diciembre 2013
Portada del recopilatorio 'Sounds of Silence'

Portada del recopilatorio ‘Sounds of Silence’

La pieza consistía en dos minutos de nada, ni tan siquiera se escucha el sonido de dos personas guardando silencio. John Lennon y Yoko Ono incluyeron Two Minutes Silence (Dos minutos de silencio) en el disco Unfinished Music No. 2: Life with the Lions (1969), el segundo trabajo experimental de la pareja, todavía editado cuando los Beatles no se habían separado.

Aunque se insinúa que es una reacción al traumático aborto que ella acababa de sufrir, rendían homenaje a 4’33”: una pieza en tres movimientos que el compositor experimental estadounidense John Cage (1912-1992) había creado en 1952. La partitura estaba vacía, la orden para los músicos era no tocar sus instrumentos, lo único que se debía escuchar era el ambiente del auditorio.

Sounds of Silence (Sonidos del silencio) es una antología sin sonido, una recopilación de “algunas de las más intrigantes piezas silenciosas” de la historia. El experimento de John Cage y el homenaje de Lennon y Ono son dos de las obras del conjunto de constantes vacío provocados por artistas como Andy Warhol, Yves Klein, Sly & The Family Stone, Robert Wyatt, el vanguardista (letrista) francés Maurice Lemaître, Africa Bambaataa, John Denver, Orbital

Partitura de la obra 4'33''. de John Cage

Partitura de la obra 4’33”. de John Cage

El álbum —bautizado así como guiño a la canción de Simon y Garfunkel The Sound of Silence (1964)— está editado por la discográfica experimental italiana Alga Marguen y se pondrá a la venta el 21 de enero sólo en vinilo y en una limitadísima tirada de 250 ejemplares.

Alga Marguen hace énfasis en el disco como una colección de silencios diferentes unos a otros no sólo por los diversos motivos de los autores para crearlos (“pueden entenderse como un homenaje o un chiste; un ofrecimiento especial o algo totalmente indefinido”), sino porque cada uno conserva un buqué: imperfecciones y particularidades “intrínsecamente unidos al medio de reproducción”, relacionados con el paso del tiempo y el desgaste. El LP presenta los temas tal y como se grabaron en origen, sin remasterizar, como un cuaderno nuevo y amarillento tras haber sido olvidado en un cajón durante décadas.

Helena Celdrán

¿Eres escritor? En Detroit te regalan una casa

20 diciembre 2013
Una de las casas de Write-A-House durante los trabajos de renovación

Una de las casas de Write-A-House durante los trabajos de renovación

El objetivo es  tan idílico como ambicioso: reconstruir casas abandonadas y en ruinas y regalarlas a escritores de todo el mundo dispuestos a mudarse a la ciudad.

Write-A-House (que se podría traducir por Escribe una casa) es una organización fundada en 2012 por escritores y “activistas urbanos” de Detroit que buscan una solución para el deterioro fatalista que sufre la localidad estadounidense, declarada en quiebra a principios del mes de diciembre. “Las casas están en barrios emergentes, activos y diversos. No será Beverly Hills, pero a lo mejor eso también está bien”.

Interiores de una de las viviendas de Write-A-House

Interiores de una de las viviendas de Write-A-House

“Es como un programa de residencia para escritores, sólo que en este caso, en realidad, estamos dando la residencia a los escritores, para siempre”, declaran en su página web. Los impulsores de la iniciativa buscan a “autores, periodistas, poetas…” que quieran establecerse en Detroit y comprometerse a “dar vida a las artes literarias”.

El plazo para recibir solicitudes se abre en primavera de 2014 y el candidato puede ser local, estadounidense o de cualquier país del mundo. El aspirante debe mandar tres páginas de material escrito propio, un currículo y dos párrafos contando por qué está interesado en mudarse a Detroit. Por supuesto, existen requisitos para evitar engaños y comportamientos abusivos: Write-A-House se encarga del 80% de las reformas y deja a su nuevo dueño el 20% restante además del pago del seguro y de los impuestos de la propiedad.

En los dos primeros años de residencia, se espera que el nuevo vecino se involucre en eventos culturales locales, que escriban de vez en cuando en el blog de la organización, que use la vivienda como primera residencia y “sea un propietario residente y ciudadano literario responsable”.

Transcurrido ese tiempo, el autor se convertirá en el dueño de la casa y no tendrá compromisos sociales, pero se confía en la buena voluntad del beneficiado por el programa y en su intención de quedarse en un ambiente acogedor y afín a sus inquietudes. Si el propietario decide vender el inmueble en los siguientes cinco años, la única posible compradora será la organización, que lo adquirirá por la misma suma que el escritor haya invertido en terminar y mejorar la vivienda.

Las reformas las llevan a cabo jóvenes de Detroit. Conocedora del problema del desempleo juvenil —en el area metropolitana, el índice de paro en personas de 16 a 21 años es del 30%, el más alto del país en un area urbana. En la ciudad es de más del 60%— Write-A-House se ha asociado con Young Detroit Builders, una organización sin ánimo de lucro que proporciona programas y cursos de carpintería y construcción para instruir a jóvenes.

Helena Celdrán

Write-A-House- Peach House

“12 zapatos para 12 amantes”, arte sobre relaciones fallidas

13 diciembre 2013

'La roca', zapato nº 12, dedicado a Alice - Sebastian Errazuriz

Alice sabía que estaríamos juntos mucho antes de que yo lo supiera.
También sabía que al final romperíamos, aunque yo siempre quise creer lo contrario.
Ninguno de nosotros supo que sería tan corto.
La quería tanto.
Siempre la querré.

La historia, apenas el boceto de una experiencia, es la última de una serie de 12. En cada narración (en tono amargo, humorístico, melancólico, misterioso…), el artista residente en Nueva York Sebastián Errazuriz (Chile, 1977) relata una relación sentimental fallida. Adjuntos al relato, un par de zapatos de tacón ilustran el calzado imaginario de la amante, a la que ha cambiado el nombre para preservar su intimidad. A Alice le corresponde ser La roca y el autor crea para ella un pedregoso y contundente zapato en el que ni siquiera se distingue el tacón.

En 12 SHOES for 12 LOVERS (12 ZAPATOS para 12 AMANTES) Errazuriz modifica o esculpe cada par de modo que hacen referencia al carácter de la mujer, a la ruptura de la pareja o a una experiencia común: el zapato número 10 —verde y con un soldado de juguete en la puntera— es de Barbara, cuyo padre era coronel. El zapato número 6 —rojo, como chorreando sangre— representa a la escandalosa Caroline, que arrastró al artista a montar un número en la boda de un familiar. Dorado y con una figura masculina a modo de tacón, el zapato número 3 representa a Alison, demasiado obsesionada con tener un novio rico como para aceptar que el artista no tuviera una boyante cuenta corriente.

“Cuando empecé con este proceso nunca me imaginé dónde terminaría. Ha sido infinitamente más complejo, revelador y difícil de lo que pensaba”, declara el autor, que ha sido testigo de cómo la iniciativa artística se convertía con rapidez en una colección de confesiones íntimas ahora disponibles en la pantalla de ordenador de cualquiera que entre en la página web del proyecto.

Helena Celdrán

Shoe 9 - 'Hot Bitch' - Sebastian Errazuriz

Shoe 9 – ‘Hot Bitch’ – Sebastian Errazuriz

Shoe 3 - 'Gold Digger' - Sebastian Errazuriz

Shoe 3 – ‘Gold Digger’ – Sebastian Errazuriz

Shoe 9 - 'The Boss' - Sebastian Errazuriz

Shoe 9 – ‘The Boss’ – Sebastian Errazuriz

Shoe 10 - 'GI Jane' - Sebastian Errazuriz

Shoe 10 – ‘GI Jane’ – Sebastian Errazuriz

Shoe 7 - 'The Virgin' - Sebastian Errazuriz

Shoe 7 – ‘The Virgin’ – Sebastian Errazuriz

Shoe 2 - 'Cry Baby' - Sebastian Errazuriz

Shoe 2 – ‘Cry Baby’ – Sebastian Errazuriz

Aparatos que parecen recuperados de una excavación arqueológica

06 diciembre 2013
'Mobile Phone', la primera entrega de la serie 'Future Relics'

‘Mobile Phone’, la primera entrega de la serie ‘Future Relics’

Grietas, superficies más que melladas, carcasas ennegrecidas… El experimento visual del estadounidense Daniel Arsham (Cleveland-Ohio, 1980) nos recuerda que todo lo que se remonte a hace unas décadas adopta en nuestra mente la forma de una reliquia milenaria.

'Rollieflex', 2013 - Daniel Arsham

‘Rollieflex’, 2013 – Daniel Arsham

El artista lleva desde finales de 2012 ampliando una serie de esculturas —hechas de una mezcla de cemento, cristales diminutos y a veces pequeños pedazos de acero— que representan aparatos del siglo XX como si fueran antigüedades de varios centenares de años encontradas en excavaciones arqueológicas. “Busco algo con lo que la gente tenga algún tipo de relación, que pueda recordar, pero ya no usen“, comenta en una entrevista.

La lúgubre colección, como superviviente de un desastre que dejó sepultados a los aparatos, sirve de reflexión sobre el frenético ritmo al que avanza la tecnología: ninguno de los objetos es tan antiguo para tener la pátina de deterioro que exhiben las cabinas telefónicas, la cámara de cine o el modesto radiocasete de una pletina.

Con motivo de la feria de arte contemporáneo Art Basel inaugurada ayer en Miami (EE UU) amplía su proyecto anunciando una nueva serie de objetos. Para iniciar Future Relic (Reliquia futura) se ha decidido por esculpir un teléfono móvil rectangular y voluminoso. Para contextualizar la obra ha presentado un vídeo de 10 minutos en el que realiza una narrativa teatral mostrando el hipotético descubrimiento arqueológico del objeto.

Como signos de progreso o de un futuro que llega demasiado deprisa, los trabajos de Arsham son consecuencia de nuestro creciente apremio por deshacernos de los aparatos anticuados para sustituirlos por otros que serán ‘ruinas’ en cuanto pestañeemos.

Helena Celdrán

'Payphones', 2013 - Daniel Arsham

‘Payphones’, 2013 – Daniel Arsham

'Boombox', 2013 - Daniel Arsham

‘Boombox’, 2013 – Daniel Arsham

'Movie Camera', 2013 - Daniel Arsham

‘Movie Camera’, 2013 – Daniel Arsham

'Bolex', 2013 - Daniel Arsham

‘Bolex’, 2013 – Daniel Arsham

'Eroded Camera', 2012 - Daniel Arsham

‘Eroded Camera’, 2012 – Daniel Arsham

El italiano de 83 años que fabrica barcos alados

29 noviembre 2013


A los 83 años sigue cultivando la ilusión de ver volar a las frágiles y hermosas naves que invaden su despacho. Pesan entre 20 y 50 gramos, están hechas con finas piezas de madera de balsa (la más ligera que se conoce) y papel ultrafino y efectúan un elegante vuelo con gomas elásticas especialmente encargadas a Japón.

Luigi Prina (Milán, 1930), arquitecto desde hace 56 años, siempre fue un apasionado de la literatura y de la aeronáutica. En una entrevista cuenta que cuando tenía 16 años ganó un premio nacional de aeromodelismo y que cuando fue a recoger el trofeo le preguntaron por qué no había ido su padre a buscarlo, pensando que la refinada obra era producto del esfuerzo de un adulto. Cuando contestó que él era el ganador, los organizadores se sintieron molestos por haber premiado a un adolescente.

Luigi Prina - © 2013 Gianluca Giannone

Luigi Prina – © 2013 Gianluca Giannone

Sus embarcaciones voladoras tienen un halo de invento renacentista y la mayoría están relacionadas con un mito o una imagen literaria. Prina se ha inspirado en Argo —la nave de Jasón y los Argonautas—, la nave con la que Ulises consigue llegar a Ítaca, la embarcación en la que el héroe troyano Eneas efectúa sus largos viajes, los experimentos aeronáuticos iniciados por Leonardo da Vinci, la siniestra leyenda del holandés errante…

No fue hasta hace 20 años cuando fabricó su primer barco alado. De galeones a veleros y barquichuelas de pescadores, desde entonces ha hecho 200. La inspiración le llegó en una de sus conversaciones con el pintor y poeta veneciano Eugenio Tomiolo (1911-2003), aficionado a la construcción de pequeñas embarcaciones.

Prina apostó con él a que conseguiría hacer volar las réplicas y creó un primer modelo. El vuelo inaugural fue en el estudio de Tomiolo, que había pintado un cielo azul con nubes en el techo. “Cuando lo vi algunos años después, lo primero que me dijo fue ‘¿Sabes que esas nubes se movían?’, dice en una corta pero hermosa entrevista en vídeo grabada por el fotógrafo italiano Gianluca Giannone para la página web Blinking City.

Helena Celdrán

‘Recetas’ para crear objetos de diseño en casa

22 noviembre 2013
'Luminous Bulb' - HOBBY:DESIGN

‘Luminous Bulb’ – HOBBY:DESIGN

Una bombilla gastada, silicona y pigmento fosforescente son los elementos básicos para crear una “bombilla luminosa” digna de una revista de decoración. Una mínima cantidad de cemento puede servir para construir relojes-despertador y minimalistas vasos para velas: pequeñas piezas de aspecto industrial que contrastan con la calidez de una vivienda y hacen de un objeto ordinario algo más particular.

Con HOBBY: DESIGN los coreanos Han Kukil, Kim Bojoong y Lee Hogyu quieren enfocar el diseño como si fuera un pasatiempo cualquiera, bajarla del pedestal de la exclusividad y animar a cualquier persona a que cree diseños como quien cocina o se dedica al bricolaje los fines de semana. Cada trabajo es una demostración de que no hace falta demasiado para crear un producto de calidad en casa.

Uno de sus fundadores cuenta cómo hace un tiempo, mirando libros de cocina, se le vino a la mente que “sería genial que hubiera recetas para el diseño como las hay para cocinar” y decidió entonces crear online un “libro de referencias” para todos los que deseen enfocar el diseño como una aficción.

El resultado es una reciente página web en la que ya hay 14 ejemplos de creatividad que no exigen grandes instalaciones ni herramientas demasiado complejas. Cada idea de diseño se expone como una receta, con fotos de los ingredientes, del proceso y del resultado para facilitar la explicación a usuarios de cualquier nivel.

Helena Celdrán

'Concrete Alarm Clock' - HOBBY:DESIGN

‘Concrete Alarm Clock’ – HOBBY:DESIGN

'Helical Lighting' - HOBBY:DESIGN

‘Helical Lighting’ – HOBBY:DESIGN

'Pencil vase' - HOBBY:DESIGN

‘Pencil vase’ – HOBBY:DESIGN

'Tripod Lighting' - HOBBY:DESIGN

‘Tripod Lighting’ – HOBBY:DESIGN

 

‘Arte a larga distancia’ o cómo dibujar en tres ciudades a la vez

15 noviembre 2013
Alex Kiessling y uno de sus "robots asistentes"

Alex Kiessling y uno de sus “robots asistentes”

Los brazos mecánicos de dos robots de color naranja pintan sin la gracia de la curvatura de la mano, implacables como si blandieran armas en lugar de manejar un rotulador. El resultado sin embargo es sorprendentemente humano: es más, en ese mismo momento, hay un hombre realizando exactamente los mismos trazos que la pareja de máquinas.

“Usar robots como asistentes” era un deseo que el artista austriaco Alex Kiessling (Viena, 1980) veía cada vez más posible, convencido del rápido avance de la robótica. “La idea de un estudio global donde un trabajo se pudiera crear de manera simultánea me fascinaba y arrojaba una nueva luz sobre lo que hasta ahora sabíamos de los estudios de artistas, los talleres y las factories (como la de Warhol)”.

Materializó su deseo en el proyecto Long Distance Art (Arte a larga distancia), que tuvo lugar en el Museumsquartier de Viena —un complejo en la capital austriaca que reúne a los museos más destacados de la ciudad y sirve de sede para festivales culturales— el 26 de septiembre de 2013.

Uno de los robots de Kiessling dibujando en Berlín al mismo tiempo que el artista

Uno de los robots de Kiessling dibujando en Berlín al mismo tiempo que el artista

Pintó en tres ciudades a la vez. Mientras el rotulador manejado por Kiessling se deslizaba sobre el papel para crear una ilustración a gran tamaño, en la Breitscheidplatz de Berlín y en Trafalgar Square (Londres) los espectadores también podían atestiguar cómo surgía cada trazo de los brazos mecánicos que obedecían al artista conectados a una transmisión vía satélite. La acción se pudo seguir en directo desde una página web creada por el Museumsquartier.

Las tres cabezas humanas del bautizado por el vienés como “dibujo híbrido” no son un motivo escogido al azar. Sólo una de ellas se ve completa y las otras dos sólo se ven hasta la mitad: con los tres cuadros, el autor ha “formado una cadena visual en la que cada imagen salpica a la de al lado y la complementa”. La serie de rostros, vistos en conjunto, también revelan un detalle asombroso: a pesar de la condición mecánica de los dos ‘asistentes’, las obras no son copias exactas, varios factores “engendran” un trazo particular, levemente diferente del original, que lo hacen irónicamente personal.

Helena Celdrán

'Eugenia', el "dibujo híbrido" de Kiessling y sus dos robots

‘Eugenia’, el “dibujo híbrido” de Kiessling y sus dos robots

Kiessling en Viena durante la acción artística

Kiessling en Viena durante la acción artística

Robot de 'Long Distance Art' en Londres - (Foto: Dirk Mathesius)

Robot de ‘Long Distance Art’ en Londres – (Foto: Dirk Mathesius)

Long Distance Art Project

Crean el “humano sintético” perfecto para hacer prácticas quirúrgicas

08 noviembre 2013

SynDaver Synthetic Humans

Se pueden abrir con bisturí y cerrar con puntos de sutura. Tienen piel, capas de grasa y fascia (el tejido que envuelve todas las estructuras corporales y las une), sistema digestivo y respiratorio; articulaciones, órganos reproductivos, cada hueso, músculo y tendon de la compleja maquinaria que es el cuerpo humano.

El SynDaver Synthetic Human (Humano sintético SynDaver) es el más sofisticado “simulador quirúrgico” que existe. Su sola visión transmite que no estamos ante un sencillo muñeco, el realismo de su aspecto estremece y causa respeto. Incluso está dotado con un mecanismo que le permite bombear una sangre artificial con la misma temperatura que la nuestra.

SynDaver Synthetic HumanEl laboratorio SynDaver de Tampa (Florida – EE UU) tiene como meta sustituir con sus asombrosa creación la utilización de cadáveres reales de animales y personas en la formación de cirujanos y en los ensayos con nuevo material médico. Desde 2004 han estado desarrollando perfectas réplicas de la anatomía y ahora están inmersos en conseguir que esos cuerpos imiten a la perfección la respiración y el bombeo de sangre y “reaccionen a estímulos con autonomía” mezclando los materiales artificiales más avanzados con incluso algunas células vivas.

La semejanza de esta excepcional pieza de diseño con nuestro cuerpo no termina en el aspecto hiperrealista: las propiedades “mecánicas, físicas y químicas; la geometría y la interrelación entre los órganos” son también fieles al original. Con “la geometría” los creadores se refieren nada menos que a la forma, el diametro y el grosor de las paredes de cada órgano por separado. De los riñones al intestino delgado o la aorta abdominal, cada elemento de tejido artificial imita la porosidad, la resistencia, el contenido de agua, fibra y sal…

“Representa la cúspide de la práctica de la simulación quirúrgica y está hecho como un rompecabezas en 3D. Cada músculo, hueso, órgano y componente vascular es de quita y pon y reemplazable”, detalla el laboratorio, que vende el muñeco completo por un precio medio de 40.000 dólares (casi 30.000 euros).

Helena Celdrán

SynDaver-pic-skull

SynDaver-pic-upper

SynDaver-pic-female

SynDaver-pic-autopsy

SynDaver -pic- laceration

SynDaver-pic-kidney

SynDaver-pic-arm

 

 

‘Dinosaurios’ de la animación convertidos en gifs animados

01 noviembre 2013
Uno de los discos de fenaquistiscopio de Balzer convertidos en gif animado

Uno de los discos de fenaquistiscopio de Balzer convertidos en gif animado

Con el principio de la persistencia retiniana, el físico belga Joseph-Antoine Ferdinand Plateau aseguraba en 1829 que nuestro cerebro es capaz de retener una décima de segundo una imagen, de tal manera que si vemos una secuencia (un mínimo de 10 por segundo) cada una se une a la anterior formando una cadena que provoca una ilusión de movimiento.

Aunque la teoría ahora se cuestiona y los neurofísicos consideran que son las señales eléctricas procedentes de la retina las que mandan los estímulos al cerebro para que interprete el movimiento, el de Plateau es un razonamiento lógico que además va acompañado de un invento precursor de la animación creado por el científico en 1832: el fenaquistiscopio (del griego antiguo φενακιστής —impostor— y σκοπέω —mirar,examinar—).

Cada disco tenía entre 14 y 16 imágenes en orden, exhibiendo un progreso que, al girar con un pequeño mecanismo, mostraba a la figura en movimiento. Entre cada imagen progresiva había un ranura para asegurar que el espectador viera lo menos posible el fondo vacío.

Fenaquistiscopio

Fenaquistiscopio

El coleccionista Richard Balzer es un amante de estos primitivos ingenios y lleva más de 30 años ampliando su catálogo de fenaquistiscopios, taumatropos, zoótropos y otras creaciones —del siglo XIX y anteriores— que revelan el interés que siempre hemos tenido por ver cómo una imagen en dos dimensiones se mueve ante nuestros ojos.

Compartir los tesoros es, desde hace unos años, una necesidad para él. Los exhibe con orgullo en una página web, esperando despertar el interés por los artilugios y fomentar el conocimiento de la existencia de los dinosaurios en una la era digital que vivimos. El atractivo sin embargo no reside tanto en ver las piezas, sino en poder observar buena parte de ellas en movimiento gracias a gifs animados.

Para dinamizar la presentación de estas maravillas ante el espectador actual, ha creado recientemente The Richard Balzer Collection (La colección Richard Balzer), un microblog de Tumblr en el que exhibe sobre todo discos de fenaquistiscopios y tiras de zoótropos en todo su esplendor: rostros caricaturescos distorsionándose, arlequines bailando, demonios a los que les cortan la cabeza, caballos galopando, planetas y estellas fugaces rotando alrededor del sol… Una serie de microsecuencias tan añejas como atractivas, no libres de cierto grado de inocencia tétrica que las hace aún más encantadoras.

Helena Celdrán

The Richard Balzer Collection

The Richard Balzer Collection

The Richard Balzer Collection

The Richard Balzer Collection

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The Richard Balzer Collection

The Richard Balzer Collection