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17 mayo 2013
Viktoria Modesta Moskalova con una prótesis de Sophie de Oliveira Barata – Foto: Rosemary Williams
Cuando Victoria Modesta Moskalova nació, una negligencia en el parto provocó que su pierna izquierda quedara dañada para siempre. La cantante e intérprete de 27 años decidió a los 22 que la amputación por debajo de la rodilla era la única solución a un sufrimiento creciente que no le permitía tener una vida normal.
De forma inesperada, la extremidad que no tiene se ha convertido en una de sus señas de identidad. Las prótesis que exhibe son obras de arte, biónicas, de diseño, con pequeños altavoces incorporados… Les saca partido hasta en las ocasiones más especiales: en la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Londres, en la que cantó interpretando a la Reina de las nieves, Moskalova actuó exhibiendo una pierna cristalizada de Swarovski, una pieza única que completaba su vestuario con naturalidad.
Tras los excepcionales complementos de fantasía de Moskalova está Sophie de Oliveira Barata, creadora de The Alternative Limb project (Proyecto Extremidad Alternativa). La artista, especializada en prótesis para efectos especiales en películas y televisión, da un significado diferente a la extremidad artificial y la convierte en un objeto de diseño que se fusiona con el cuerpo, destinado a ser lucido y reforzar el carácter de la persona que la lleva: “Tiene que ver con que la persona vea, en lugar de lo que falta, lo que tiene“.
Sophie de Oliveira Barata en su estudio
En su estudio de Harlesden (al noroeste de Londres) hace prótesis realistas que imitan en silicona las pecas, la forma de las uñas, las venas, los rasgos de la edad, la textura de la piel… Los miembros “alternativos” van un paso más allá y se hacen tras planificar e intercambiar ideas con el cliente, que incluso puede acudir a la elaboración si lo desea.
Ryan Seary (especialista en explosivos), que perdió en Afganistán una pierna y un brazo en la detonación de una bomba, es otro de los clientes de la artista, que ha creado para él una pieza de aspecto biónico que reproduce los huesos y la musculatura.
Kiera Roche (presidenta de Limb Power, una asociación que ofrece rehabilitación y organiza actividades deportivas con personas amputadas) es la dueña de la pierna floral, de aspecto delicado como la porcelana y que exhibe orgullosa en una sesión de fotos: “Perder una extremidad tiene un profundo impacto en la autoestima y en la imagen física. Tener una pierna preciosa y artesanal te hace sentir especial y valioso (…). Creo que podría ayudar a las personas que recientemente han sufrido una amputación a afrontar su pérdida”.
Helena Celdrán
Kiera Roche – ‘The Alternative Limb Project ‘
Prótesis para Ryan Seary – ‘The Alternative Limb Project’
Jo-Jo Cranfield con un ‘brazo-serpiente’ – ‘The Alternative Limb Project ‘
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10 mayo 2013
‘Rotating Kitchen’ – Zeger Reyers
En una cocina pequeña, pero bien equipada, limpia y ordenada, donde una mujer hace gazpacho dando sorbos de vez en cuando a una copa de vino. Ajena al movimiento de los visitantes de la Kunsthalle de Düsseldorf (Alemania), la cocinera termina y abandona el cubo en el que la estancia está construida. Inesperadamente la habitación empieza a ladearse. El estruendo de las botellas, los botes y los utensilios son sólo el comienzo de la decandencia del escenario, que pronto se transforma en un recipiente sucio y de objetos rotos.
Rotating Kitchen (Cocina rotatoria) puede verse como una extravagancia sin sentido, un experimento de ciencias de nivel básico o —como lo ve su creador, el artista afincado en Holanda Zeger Reyers (1966)— una instalación artística que reflexiona sobre el desperdicio de comida en nuesta sociedad y sobre el micromundo que genera el propio destrozo de la obra. El gran cubo estuvo girando con lentitud durante tres meses, hasta que apenas se distinguía nada de la estancia original.
Reyers explora en sus trabajos cómo la naturaleza y las reacciones físicas más elementales afectan al mundo artificial creado por el ser humano. Según el artista necesitamos “crear diferentes ambientes para cualquier situación” y por eso tenemos la urgencia de inventar “coches, neveras, calefacción central” y otros objetos que nos ayuden a “manipular” nuestro entorno. “En este modelo hecho por el hombre (…) no hay ni una sola célula, ni siquiera una molécula” que siga su curso natural”, dice en su página web. La cocina de Rotating Kitchen es rebelde e incontrolable, un espacio para el caos en nuestro orden inventado que sólo necesita de la ley de la gravedad para escapar de nuestro dominio.
Helena Celdrán
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03 mayo 2013
La mano izquierda tiene un reloj en la muñeca y una anotación en el envés: “comprar tinta”; la derecha tiene una araña tatuada. El truco permite al espectador darse cuenta de que el par de manos que se reproduce es siempre el mismo y el comienzo es más o menos claro, pero pronto las acciones son demasiado rápidas y es fácil perderse, la espiral de imágenes que manipulan los dedos es cada vez más compleja y la mente no sabe interpretar el despiste.
Willie Witte, el autor del trabalenguas visual, hace documentales y en sus ratos libres explora las posibilidades del montaje de vídeo. En Screengrab (que se podría traducir por agarrar la pantalla) desarrolla un proceso con el que todavía está experimentando: imprime fotogramas (frames) de la misma grabación y con las imágenes congeladas construye transiciones que seguramente cautivarían a M.C. Escher. Según Witte, el vídeo no contiene imágenes generadas por ordenador, sólo material grabado con una cámara y montado para crear las ilusiones.
Helena Celdrán
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26 abril 2013
El sonido provoca la sensación de estar escuchando varios instrumentos de cuerda a la vez, aunque con frecuencia se percibe un extraño y afilado deje metálico que no se corresponde con la calidez de las cerdas de un arco sostenido por una mano y frotando directamente las cuerdas.
La Wheelharp (cuya traducción aproximada sería arpa de rueda) es un nuevo instrumento musical con aspecto retrofuturista que podría pasar por un invento hasta ahora desconocido que un músico experimental hubiera ideado en el siglo XIX. El invento (que se toca con un teclado como el del piano) permite al intérprete orquestar las escalas cromáticas correspondientes a los instrumentos de cuerda frotada. En teoría, es como tener al alcance de la mano una orquesta de cuerdas, una orquesta de cámara de violines, violas, violonchelos y contrabajos acompañados de un clave o un piano.
Los autores del arpa son Antiquity Music, una pequeña empresa estadounidense dedicada a la fabricación y a la venta al por menor de reproducciones de instrumentos antiguos dirigida al cliente “que busca instrumentos que los diferencien del montón” y que además tengan una “calidad sonora excelente”. Han creado modelos radiales (con el teclado curvado siguiendo la rueda) y lineales (con las teclas colocadas de modo tradicional) y esperan que la wheelharp inspire a todo el que desee adentrarse en un “nuevo territorio sónico” y sirva para “los músicos, compositores y estudios que deseen crear un sonido natural de instrumentos clásicos de cuerda” pero quieran evitar la “calidad con frecuencia estéril” y depurada en exceso de los sintetizadores y los sampleados. El precio oscila entre de 9.900 a 11.900 dólares (7.600 y 9.134 euros respetivamente) según las octavas que alcalcen.
Helena Celdrán
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19 abril 2013
“Después de 50 años apuntando y clicando, celebramos la cercana desaparición del cursor del ordenador con un vídeo musical en constante cambio en el que todos nuestros cursores pueden contemplarse al mismo tiempo por última vez”, dicen los componentes del grupo musical holandés Light Light. Convencidos de que pronto no habrá más que pantallas táctiles, han querido rendir homenaje al ratón, la herramienta que consiguió establecer un contacto directo entre el ser humano y la máquina. el extraño vínculo entre la pantalla y nuestro brazo derecho.
El vídeo Do Not Touch —dirigido por el estudio de diseño Moniker— corresponde a la canción Kilo y presenta a la recién fundada banda de Amsterdam, formada con músicos de zZz y Saelors, dos pequeños grupos que han decidido aunar sus estilos para iniciar una nueva carrera. Light Light ha dado en el clavo con un sencillísimo pero imaginativo clip que se ha convertido en fenómeno de Internet.
La grabación comienza automáticamente al abrir el dominio donottouch.org. Sin avisos ni normas, el usuario está invitado a pasear el cursor por la parte de la pantalla que crea más conveniente y a la vez puede ver los cursores de quienes se han sometido al mismo experimento antes.
El mar de flechas blancas y negras compone un enjambre que pronto reacciona ante las figuras que aparecen en el videoclip: un mapa del mundo pregunta a dónde te gustaría viajar, las formas geométricas invitan al dueño del ratón a seguirlas… La marea de punteros actúa con picaresca cuando aparece una figura humana, pero también con ingenio cuando se trata de completar una escena. Mientras tanto, la canción ya se ha metido en tu cerebro.
Helena Celdrán
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12 abril 2013
El intérprete enchufa su chaleco negro al ordenador y juega a colocar las manos de diferentes maneras, a ejercer diferentes grados de presión hasta que le gusta lo que escucha y construye un ritmo.
El diseñador industrial Wesley Chau (Toronto-Canadá, 1991) es el creador de Drop the Beat (que se podría traducir por Crea el ritmo) un instrumento electrónico y “ponible” de percusión que “tiene el objetivo de elevar la presencia del artista durante una actuación en vivo”.
Su inspiración para el proyecto es la película-concierto dirigida y protagonizada por Laurie Anderson Home of the Brave (1986), una extravagante actuación dominada por la fascinación por los sintetizadores. En este vínculo se puede ver a partir del minuto 11:30 a la artista bailando al ritmo de una batería electrónica como si ella emitiera con sus manos cada sonido que se escucha.
La prenda negra de neopreno está repleta de tiras de velcro para colocar los apliques de sensores piezoeléctricos que miden la presión que el usuario ejerce y la convierten en señales eléctricas.
Helena Celdrán
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05 abril 2013
El ‘DIY cellphone’ de David Mellis
A primera vista parece un juguete sin relación con la electrónica, un objeto de diseño que recuerda al más sencillo de los teléfonos. El DIY cellphone (el móvil Hazlo tú mismo) sin embargo funciona. El aparato es en esencia una tarjeta de circuito impreso con una carcasa de madera cortada con láser, acepta tarjetas SIM estándar y funciona con cualquier compañía telefónica.
Su creador, el estadounidense David Mellis, es un estudiante de doctorado “interesado en la relación (aplicada a la manufacturación, la electrónica y la programación) entre la información digital y los objetos físicos”. El aparato es una de las iniciativas con las que quiere crear herramientas y ejemplos que activen la capacidad y la inspiración de la gente corriente para “diseñar, construir y programar aparatos electrónicos”.
Prototipo del móvil de Mellis
El autor es además uno de los creadores de Arduino, una plataforma de hardware y software de código abierto (que el autor también ha utilizado para el teléfono) de fácil programación y disponible para cualquiera que quiera realizar prototipos electrónicos sin ser un experto. Por supuesto, las instrucciones para fabricar un móvil como el suyo están colgadas en Internet a disposición de cualquiera. Mellis anima al usuario a hacer variaciones sobre el modelo para adaptarlo a las necesidades de casa uno, aunque sólo sea cambiando el diseño de la carcasa.
Con el DIY Cellphone se pueden hacer y recibir llamadas y mandar y recibir mensajes de texto, permite almacenar los números en una agenda, tiene fecha y hora: es un teléfono de la vieja escuela, utilitario y libre de cualquier opción que puede ofrecer un smartphone, pero su sola contemplación puede valer como recordatorio de la función original de un móvil, pensado para hablar con otra persona siempre que haya algo que decir, no para vivir zambullido en la soledad de una pantalla brillante mientras el mundo real pasa desapercibido.
Sólo hay una pequeña contradicción en el proyecto. El modelo definitivo de Mellis, tan sencillo como parece, ha costado en total 120 dólares (unos 92 euros), una suma que supera sin duda a los modelos de móvil más humildes y que convierte el teléfono de Mellis es un experimento sin posibilidad de prosperar si no se ofrece como una alternativa que seduzca por su rentabilidad.
Helena Celdrán
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22 marzo 2013
‘Garza’ – Kiyoshi Mino
Kiyoshi Mino escoge a animales silvestres, de granja y domésticos. Los reproduce con rasgos suavizados, miradas inocentes y posturas que resaltan su candidez, pero no los dulcifica hasta el dibujo animado, siguen conservando su esencia realista y natural.
El artista estadounidense de origen japonés elabora las pequeñas figuras con fieltro y una aguja fina rematada con un pequeño gancho. El proceso de cardar la lana le permite después moldearla en esculturas invertebradas que, sin la ayuda de un alambre interno, se mantienen en pie sólo por la densidad que Mino le da al material.
Pasaron bastantes años hasta que se interesó por el arte. Creció en Chicago, fue a la universidad en Massachusetts, se licenció en Illinois y tras estudiar pasó cuatro años en el ejército, uno de ellos destinado en Afganistán. Volvió otro año más a tierras afganas para realizar labores de “ayuda” y “desarrollo”, palabras entrecomilladas también por Mino, que descree ahora de ese tipo de misiones.
‘Cervatillo’ – Kiyoshi Mino
Con la vivencia, su opinión sobre la labor del ejército estadounidense en el extranjero se tornó escéptica: “Mis experiencias en Afganistán me enseñaron que la mayoría de los problemas más apremiantes del mundo se resolverían si nosotros los estadounidenses dejáramos de intentar forzar a los países “menos desarrollados” a ser más como nosotros y empezáramos a vivir de modo más sencillo”.
Tras volver a su país y casarse, le dio un giro a su vida y se inscribió en los talleres ofrecidos por una granja para aprender a llevar la suya propia en un futuro cercano. Su actividad artística llegó con ese renacimiento. En enero de 2011, sin contar con estudios artísticos previos, aprendió a moldear la lana cardada para crear cada vez más detalladas figuras. Desde desarrolla, sin ninguna pretensión más que la de reproducir la belleza innata de un animal, desarrolla una especie de taxidermia del fieltro, fascinado por “el pelaje y los plumajes” de sus modelos.
Helena Celdrán
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15 marzo 2013
El coche, un Mercedes de un inusual color dorado, tenía 159.768 kilómetros cuando dejó de funcionar definitivamente y terminó en el desguace. El equipo de Projecto Carma lo escogió para redimirlo de su pasado contaminante y transformarlo en un medio de transporte limpio, renovado de vida y además bonito.
“¿Puede una bicileta compensar lo que un coche ha causado?”, se preguntan los promotores de Carma. La iniciativa de Lisboa, respaldada por B – Cultura da Bicicleta —una modesta revista trimestral portuguesa dedicada a los ciclistas, a la bici y a la cultura y los estilos de vida relacionados con ella— es una idea de la agencia de publicidad Leo Burnett, pero a pesar de no tratarse de una acción espontánea y puramente artística, tiene una misión noble: hacer los mismos kilómetros con la bicicleta reciclada que los que hizo cuando sus piezas eran las de un coche.
La bici de ‘Projecto Carma’
Vitor Peixoto y Francisco Oliveira, de Rcicla bicicletas, un taller especializado en la reutilización y la fabricación de piezas para bicis, han sido los encargados de construir a Carma utilizando el mayor número de componentes del coche. Si la pieza que necesitaban no existía en la maquinaria del vehículo, debían moldearla aprovechando al menos el material. Al final incluso aprovecharon la tapicería para construir un asiento y cubrieron los manillares con textil del techo del vehículo.
El resultado debía ser perfecto, no se trataba de crear una obra curiosa a la vista para ser admirada tras una vitrina, Carma (llamada así porque debía “equilibrar el karma” en su nueva vida) tenía que ser capaz de igualar al viejo Mercedes, soportar casi 160.000 kilómetros. Ahora, para asegurarse de que la misión se cumple, sus creadores han instalado un GPS que les permitirá monitorizar la distancia recorrida.
Aunque todavía no hay fecha fija, desde la página web del proyecto anuncian que su presentación será este mes de marzo: la bici iniciará un recorrido por varias ciudades y parece que saldrá de Portugal a España para comenzar su proceso curativo ayudada por el que quiera probar sus pedales.
Helena Celdrán
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08 marzo 2013
Jeffrey Allen Price utiliza esponjas y estropajos de cocina, ennegrecidos por la grasa doméstica o agrietados por el uso, para elaborar mapas. El artista selecciona cada pieza en las droguerías, buscando “diferentes colores, patrones y texturas” que combinen entre sí. Después las utiliza hasta que exhiben su característico aspecto deteriorado.
El artista califica sus trabajos como un reflejo de los procesos naturales, de los ciclos vitales relacionados con el crecimiento y después la decadencia. “Busco lo personal en lo universal (…) mi proceso de trabajo es ritualista. Mis instalaciones suelen ser collages del tamaño de una habitación y con varios fragmentos, recopilaciones y acumulaciones a las que he dedicado más de 15 años“, dice el autor en su declaración de intenciones.
Aunque son sólo una parte de su corpus creativo, los mapas son uno de esos ambiciosos procesos de coleccionismo que aborda con energía. El de los EE UU tiene un significado especial: “durante años” el autor tuvo en mente la idea de crear una representación de su país natal como “consumido y sucio”. Las imágenes resultantes no son una mera demostración creativa del potencial de un material reciclado: Price construye una “metáfora” del modo en que exprimimos y escurrimos el planeta hasta que, agrietado y maloliente, ya no da más de sí.
Helena Celdrán
‘Used Sponges Assemblage’ – Jeffrey Allen Price
Tags: arte, Artefactos, cocina, collage, ecología, esponjas, estropajos, Jeffrey Allen Price, mapa, reciclaje | Almacenado en: Artefactos
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