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Trasdós Trasdós

No nos disgusta la definición del término trasdós: la "superficie exterior convexa de un arco o bóveda". En este blog perseguimos estar en alerta y con el objetivo siempre dispuesto para capturar los reflejos, destellos, brillos y fulgores que el arte proyecta.

Copiando a Picasso en 3D y creyéndose artista

El Picasso, a la izquierda, y la versión de Omar Aqil

El Picasso, a la izquierda, y la versión de Omar Aqil

El paquistaní Omar Aqil, un virtuoso de los programas de generación de imágenes en tres dimensiones, se ha propuesto, en el proyecto MIMIC, recrear con herramientas de software obras de Picasso. Al afanoso joven de Lahore no le van las apuestas bajas.

Define su trabajo como “experimentos visuales que utilizan el arte del pasado”. Como la intención conlleva cierta grosería en la autosuficiencia —por otra parte tan común entre los informáticos, sean programadores o simples expertos—, enseguida se apresura a anotar la obviedad: que Picasso es “uno de los más grandes e influyentes artistas del siglo XX”.

Aún aceptada la nota de humildad, Aqil empeora el asunto explicando que eligió seis obras de Picasso, para “ver cómo funcionan al volver a crearlas como imágenes en 3D modernas”. En mi tiempo a ese juego se le llamaba copiar.

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Le Quidam, un artista urbano que renueva la idea del urinario de Duchamp

'White Rectangle on a Red Circle' - Le Quidam - Foto: lequidam.com

‘White Rectangle on a Red Circle’ – Le Quidam – Foto: lequidam.com

El urinario masculino apareció en una exposición colectiva organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York en 1917. Nadie se esperaba en aquel entorno un objeto así, exhibido sobre un pedestal, con un título artístico: La fuente. Escrito sobre el urinario se lee R. MUTT, pero en realidad tras la firma en mayúsculas estaba Marcel Duchamp (1887-1968), que pertenecía a la sociedad artística en cuestión y quería poner a prueba a sus colegas.

Habían concluido con antelación que para aquella muestra se aceptaría cualquier obra que se presentara y el autor entró al trapo con un objeto vulgar. Perplejos, los miembros de la sociedad debatieron sobre si aquello era arte o no y al final escondieron la obra, lo que hizo que Duchamp se marchara de la junta de artistas.

De aquel episodio se cumplen 100 años que no parecen mas que un segundo, porque la discusión sigue siendo la misma, el dilema de elegir entre la genialidad y la desfachatez para entender el arte conceptual sigue ahí. ¿Es arte un objeto solo por exhibirse en un museo o en una galería? ¿Se transforma cuando está fuera de su contexto original, sobre un pedestal y titulado por un artista?

Un siglo después no es solo que la provocación siga activa, hay creadores que demuestran cómo aún se pueden seguir buscándole las cosquillas al arte en nombre de Duchamp.

El artista callejero Le Quidam —con un significado en francés cercano a “fulanito de tal”— vive entre París y londres, ciudades que convierte en escenarios de sus intervenciones. Las obras son discretísimas y nada invasivas, comentarios en voz baja para el deleite de quien se molesta y maravilla en escuchar a los que no gritan ni hacen aspavientos.

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Un museo japonés permite controlar por Internet los objetos en exhibición

Los objetos sustituyen a los seres humanos de carne y hueso, que no tienen por qué visitar el museo para participar en la instalación interactiva. Sin aparente relación entre ellos, un ventilador, un cono de tráfico, un teléfono o el busto pálido de una venus grecorromana comparten la sala. Tienen en común una serie de añadidos insertados: pantallas, cámaras y microprocesadores.

Avatars (Avatares) es una exposición basada en la participación a distancia. Las piezas que se exhiben en la muestra se pueden controlar, están conectadas a Internet y sólo hay que entrar en una web para manejarlas.

Los artistas japoneses So Kanno y Yamaguchi Takahiro son los autores de la instalación, que permanecerá hasta el 14 de mayo en el YCAM (en la ciudad de Yamaguchi, al sur de Japón), un museo especializado en proyectos que unen arte y nuevas tecnologías. Quien desee participar tendrá que hacerlo cuando el centroestá abierto en Japón, de 10:00 a 19:00 horas, de las 3 a las 12 de la mañana UTC.

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El cruce de dos artistas incorrectos: Kiefer y Céline

Courtesy: Anselm Kiefer

Courtesy: Anselm Kiefer

Tres citas de un monstruo:

Cuando los grandes de este mundo empiezan a amarnos es porque van a convertirnos en carne de cañón.
El amor es el infinito puesto al alcance de los caniches. ¡Y yo tengo dignidad!
Invocar la propia posteridad es hacer un discurso a los gusanos.

Las frases, todo negrura, horca y misantropía, son de Viaje al fin de la noche (1932), una de las novelas más brutas del siglo XX. Escrita por el incómodo Louis-Ferdinand Céline (1894-1961) —estigmatizado por antisemita, condición negativa a las claras, pero insuficiente para borrarlo del canon literario, como algunos han porfiado—, es la obra cumbre del nihilismo, la incorrección y el tedio de la existencia.

A la figura siempre peligrosa del escritor francés se ha arrimado otro creador complicado, el artista alemán Anselm Kiefer (1945).

Tres de sus citas, para intentar la conexión:

No pinto para pintar un cuadro. Para mí pintar es pensar, investigar (…) y no precisamente investigar sobre la pintura.
Una de mis motivaciones para pintar es la historia de Alemania. Es una investigación sobre mí mismo, sobre lo que soy, sobre dónde nací.
El arte es un intento de llegar al mismo centro de la verdad. Nunca puede, pero es capaz de acercarse bastante.

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Stephen Wilts, la ‘cámara humana’ que memoriza la arquitectura de una ciudad

Stephen Wiltshire dibujando una panorámica de Tokio - Foto: www.stephenwiltshire.co.uk

Stephen Wiltshire dibujando una panorámica de Tokio – Foto: www.stephenwiltshire.co.uk

Tenía cinco años cuando dijo su primera palabra: papel. Al británico Stephen Wiltshire (Londres, 1974) se le ha llamado “la cámara humana” por su extraordinario talento como ilustrador arquitectónico. Sólo con echar un vistazo a un paisaje urbano, desde un helicóptero o un edificio elevado, es capaz de dibujarlo al detalle, con monumentos, edificios, trazados de calles.

Que a los tres años le diagnosticaran autismo fue solo el comienzo de la historia. A los siete empezó a dibujar con esmero edificios representativos de Londres, el interés de los medios de comunicación lo convirtió en un famoso niño artista, publicó un primer libro de dibujos con apenas 13 años, empezó a recibir encargos, exponer, viajar al extranjero… Ha sido condecorado Miembro del Imperio Británico por sus servicios prestados al arte, cuenta con su propia galería de arte en el centro de Londres y tiene una lista de encargos con una previsión de entre cuatro y ocho meses de espera. Desde el verano pasado, sus vastas panorámicas de Londres reciben a los viajeros en el aeropuerto de Heathrow.

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Mordacidad, humor y elegancia en las viñetas de Andrea Ucini

'Economic paralysis' - Andrea Ucini - Imagen: Anna Goodson Illustration Agency

‘Economic paralysis’ – Andrea Ucini – Imagen: Anna Goodson Illustration Agency

Las escenas tienden a ser solitarias y están salpicadas de pocos elementos, pueden evocar el thriller y también provocar la sonrisa. El carrito de la compra con ladrillos en lugar de ruedas descansa en un parking desierto. Un chaval negro mira impotente a la bola de baloncesto que acaba de lanzar, atascada porque el aro de la cancha es demasiado pequeño. Dos policías investigan en una zona acordonada un crimen: la víctima es un like de Facebook y una de las pistas numeradas es una pluma color azul claro que hace referencia a Twitter.

Los objetos alterados transforman su función y propiedades originales, hay frecuentes guiños mordaces a nuestra sociedad, el acabado es limpio y elegante… Andrea Ucini maneja los resortes que activan en el espectador reacciones rápidas, crea ilustraciones que son viñetas del presente, instantes verdaderos disfrazados de metáforas.

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¿Quieres que el MoMA te enseñe a pintar como Pollock, Rothko, De Kooning…?

Algunas de las obras que serán analizadas en el curso en línea del MoMA © MoMA

Algunas de las obras que serán analizadas en el curso en línea del MoMA © MoMA

Dediquen un momento a las seis obras de arte del mosaico que abre la entrada.

Desde arriba a la izquierda y en el sentido de las agujas del reloj, Númber 107, de Ad Reinhardt, una textura de fosforescencia blanco y aspecto de pared de ladrillo; White Light, uno de los últimos cuadros de Jackson Pollock, que habló del “peligroso glamour” de la pieza; No. 10, en el que Mark Rothko dio un paso más en la pretensión de “eliminar todos los obstáculos entre la idea y el cuadro”; Vir Heroicus Sublimis, de Barnett Newman, donde el pintor deseaba compomer un paisaje legendario para una época sin dioses ni creencias; Excavation, una de las marañas de Willem de Kooning, y Friendship, de Agnes Martin, que, como es habitual, traza una red articulada para alcanzar el zen de vacía tranquilidad del minimalismo.

¿Le apetece pintar así? ¿Siente la llamada de la abstraccción pura y libre? ¿Considera, como Kandinski, que el color es un medio para llegar al alma y ninguna otra pretensión debe tener el arte? ¿Opina, como añadió Pollock, cansado de dar explicaciones, que “la pintura abstracta es… abstracta”?

¿Es usted uno de esos que, ante una brutal mancha o una trama informe e infinita, opina, con bastante suficiencia y aún más tontería, que eso lo puede pintar su hijo de seis años?

El Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, templo primario de la abstracción, le puede ayudar.

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Dibujos diarios de Trump sudoroso, derretido y amorfo

El primer dibujo de Craghead para el proyecto 'TrumpTrump' - Warren Craghead - Imagen: trumptrump.tumblr.com

El primer dibujo de Craghead para el proyecto ‘TrumpTrump’ – Warren Craghead – Imagen: trumptrump.tumblr.com

Una masa amorfa, derretida, sudorosa y arrugada; a veces un humanoide de rasgos cadavéricos, pero casi siempre reconocible en los rasgos básicos. Warren Craghead dibuja a Donald Trump a diario desde julio de 2016, cuando la bufonada se volvía un asunto serio.

En ese primer dibujo, representa al entonces candidato a la presidencia de los EE UU con cuatro pelos grasientos pegados a la cabeza, una expresión de autocomplacencia feroz y profusión de gotas de sudor. Bajo la imagen, una frase: “Mi coeficiente intelectual es uno de los más altos… ¡Y todos lo sabéis! Por favor, no os sintáis estúpidos o inseguros, no es vuestra culpa”. Las palabras son reales, están extraidas de un mensaje de Twitter que Trump escribió en su cuenta oficial el 8 de mayo del año 2013.

Craghead es autor de TrumpTrump, un microblog de Tumblr que describe de modo escueto como “Donald Trump dibujado diariamente hasta que esta pesadilla se acabe“. Acompañando a cada obra gráfica, el ilustrador estadounidense añade una cita del retratado o una noticia relacionada con sus nombramientos y políticas, siempre con un vínculo para acceder a la fuente original.

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¿Es posible que esta sea la mejor ‘foto joven’ del año?

Bientôt (Soon), from the series Ekaterina, 2012 © Romain Mader / ECAL

Bientôt (Soon), from the series Ekaterina, 2012 © Romain Mader / ECAL

Romain Mader (Suiza, 1988) tiene al menos dos problemas:

  1. No parece tomarse en serio.
  2. No nos toma en serio a los demás.

El primero, como nos demuestran los presocráticos y los buenos humoristas, tiene mérito. El segundo, que anula el anterior, es una falta de educación para la que nadie le ha dado permiso a Mader.

Mader hace fotos. Tampoco le han dado permiso, ni cosecha méritos, para afirmarlo.

Un museo holandés, esa tierra donde nacieron las sensibilidades de Fabritius y Breitner, acaba de conceder al robusto y sonriente Mader el título de mejor fotógrafo menor de 35 años de 2017.

No han pedido perdón. Lee el resto de la entrada »

El físico que dejó la NASA y ahora es una eminencia del origami

Creaciones de Robert J. Lang - Imágenes: www.langorigami.com

Creaciones de Robert J. Lang – Imágenes: www.langorigami.com

Su carrera como físico de la NASA pertenece al pasado. En 2001, el estadounidense Robert J. Lang dejó su trabajo en la agencia espacial para centrarse al 100% en el origami, una pasión que había cultivado desde la niñez. La relación puede antojarse lejana, pero el arte japonés de doblar papel —sin cortes, pegamento o añadidos, sólo con dobleces— inspira y ayuda a ingenieros espaciales, arquitectos, matemáticos.

Autor de más de 600 diseños originales, algunos están entre los ejemplos más complejos que se hayan creado nunca, es un maestro mundial del origami. En el resumen biográfico de su página web, figura que en 1992 se convirtió en “el primer occidental” en ser invitado a la reunión anual de la Nippon Origami Association. Ha escrito libros, organizado talleres y dado conferencias sobre el arte japonés de plegar papel y su conexión con la ciencia, la tecnología o las matemáticas así como su aplicación sobre el diseño industrial.

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