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Trasdós Trasdós

No nos disgusta la definición del término trasdós: la "superficie exterior convexa de un arco o bóveda". En este blog perseguimos estar en alerta y con el objetivo siempre dispuesto para capturar los reflejos, destellos, brillos y fulgores que el arte proyecta.

Archivo de la categoría ‘Obsesiones’

Las pinturas ‘enlatadas’ de Heidi Annalise

'Boulder, Colorado' - Heidi Annalise - Foto: instagram.com/heidi.annalise.art

‘Boulder, Colorado’ – Heidi Annalise – Foto: instagram.com/heidi.annalise.art

Dentro de la pequeña lata de pastillas de menta Altoids hay pegotes de pintura alineados, con extremos ya mezclados con otros colores, aplastados y convertidos en una versión más clara u oscura de sí mismos. El interior de la tapa es el soporte para un pequeño lienzo.

En el estudio, Heidi Annalise pinta paisajes “entre el realismo y el impresionismo”, añadiendo “un elemento de fantasía al mundo natural con colores acentuados y formas simplificadas”. Representa con exactitud los accidentes geográficos, pero se permite licencias poéticas para pintar la niebla o las nubes con una apariencia cremosa o para que los arbustos entre los que asoman dos cervatillos parezcan más bien algodones azulados.

En el exterior, la caja metálica es su “joya portátil”, la herramienta para pintar en la naturaleza sin quebraderos de cabeza, convirtiendo la amplitud del paisaje en una miniatura íntima. No se atribuye la invención del sistema, otros han utilizado antes el útil recipiente de caramelos ingleses para hacer acuarelas. Las fotos en las que muestra sus trabajos en Instagram son, sin embargo, especialmente estéticas: el paisaje real se completa con el que atesora la cajita, la pintura complementa al fondo.

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Descarga y monta la casa de Norman Bates y otras mansiones de terror

'Bates House' - Ray Keim - Foto: haunteddimensions.raykeim.com

‘Bates House’ – Ray Keim – Foto: haunteddimensions.raykeim.com

La imponente pero desaliñada casa en la que viven Norman Bates y su madre es una de las señas de identidad de Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960). Con el presupuesto limitado que tenía la película, el exterior de la casa se construyó reciclando partes de otro decorado y en realidad es solo la fachada y una de las paredes, ya que planeaban filmarla desde el mismo ángulo para no tener que reproducir un edificio completo. Aún sin haber existido nunca como casa real, el edificio constituye un emblema del terror clásico.

En la adaptación a papel, Ray Keim diseña los cuatro costados del hogar de los Bates e incluso hace un guiño a la esquiva madre en una de las ventanas superiores. La maqueta está disponible en Internet para que cualquiera pueda imprimir el modelo y montarlo.

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Stephen Wilts, la ‘cámara humana’ que memoriza la arquitectura de una ciudad

Stephen Wiltshire dibujando una panorámica de Tokio - Foto: www.stephenwiltshire.co.uk

Stephen Wiltshire dibujando una panorámica de Tokio – Foto: www.stephenwiltshire.co.uk

Tenía cinco años cuando dijo su primera palabra: papel. Al británico Stephen Wiltshire (Londres, 1974) se le ha llamado “la cámara humana” por su extraordinario talento como ilustrador arquitectónico. Sólo con echar un vistazo a un paisaje urbano, desde un helicóptero o un edificio elevado, es capaz de dibujarlo al detalle, con monumentos, edificios, trazados de calles.

Que a los tres años le diagnosticaran autismo fue solo el comienzo de la historia. A los siete empezó a dibujar con esmero edificios representativos de Londres, el interés de los medios de comunicación lo convirtió en un famoso niño artista, publicó un primer libro de dibujos con apenas 13 años, empezó a recibir encargos, exponer, viajar al extranjero… Ha sido condecorado Miembro del Imperio Británico por sus servicios prestados al arte, cuenta con su propia galería de arte en el centro de Londres y tiene una lista de encargos con una previsión de entre cuatro y ocho meses de espera. Desde el verano pasado, sus vastas panorámicas de Londres reciben a los viajeros en el aeropuerto de Heathrow.

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Mordacidad, humor y elegancia en las viñetas de Andrea Ucini

'Economic paralysis' - Andrea Ucini - Imagen: Anna Goodson Illustration Agency

‘Economic paralysis’ – Andrea Ucini – Imagen: Anna Goodson Illustration Agency

Las escenas tienden a ser solitarias y están salpicadas de pocos elementos, pueden evocar el thriller y también provocar la sonrisa. El carrito de la compra con ladrillos en lugar de ruedas descansa en un parking desierto. Un chaval negro mira impotente a la bola de baloncesto que acaba de lanzar, atascada porque el aro de la cancha es demasiado pequeño. Dos policías investigan en una zona acordonada un crimen: la víctima es un like de Facebook y una de las pistas numeradas es una pluma color azul claro que hace referencia a Twitter.

Los objetos alterados transforman su función y propiedades originales, hay frecuentes guiños mordaces a nuestra sociedad, el acabado es limpio y elegante… Andrea Ucini maneja los resortes que activan en el espectador reacciones rápidas, crea ilustraciones que son viñetas del presente, instantes verdaderos disfrazados de metáforas.

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El físico que dejó la NASA y ahora es una eminencia del origami

Creaciones de Robert J. Lang - Imágenes: www.langorigami.com

Creaciones de Robert J. Lang – Imágenes: www.langorigami.com

Su carrera como físico de la NASA pertenece al pasado. En 2001, el estadounidense Robert J. Lang dejó su trabajo en la agencia espacial para centrarse al 100% en el origami, una pasión que había cultivado desde la niñez. La relación puede antojarse lejana, pero el arte japonés de doblar papel —sin cortes, pegamento o añadidos, sólo con dobleces— inspira y ayuda a ingenieros espaciales, arquitectos, matemáticos.

Autor de más de 600 diseños originales, algunos están entre los ejemplos más complejos que se hayan creado nunca, es un maestro mundial del origami. En el resumen biográfico de su página web, figura que en 1992 se convirtió en “el primer occidental” en ser invitado a la reunión anual de la Nippon Origami Association. Ha escrito libros, organizado talleres y dado conferencias sobre el arte japonés de plegar papel y su conexión con la ciencia, la tecnología o las matemáticas así como su aplicación sobre el diseño industrial.

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‘Feud: Bette and Joan’, una serie de televisión con créditos exquisitos

En un minuto escaso, dos siluetas femeninas se amenazan, se agreden, son manejadas por altos ejecutivos, lloran. La música escala del sinuoso clarinete a un jazz que emula a temas centrales del cine negro de los años cincuenta compuestos por Duke Ellington o Elmer Bernstein. También resuenan otros nombres asociados a brillantes bandas sonoras: John Barry, John Williams, Bernard Herrmann.

Uno de los golpes de efecto del canal estadounidense FX  para esta temporada, la serie Feud: Bette and Joan presenta un reparto de alto nivel (Jessica Lange, Susan Sarandon) y una trama que enlaza en 9 episodios el jugoso cotilleo hollywoodiense con los tejemanejes de la industria cinematográfica y el rodaje de un clásico atemporal: ¿Qué fue de Baby Jane? (Robert Aldrich, 1962), un pulso artístico y emocional para Bette Davis y Joan Crawford, que se detestaban.

Los créditos de la serie no desmerecen del atractivo conjunto, son un digno homenaje al burbujeante y elegantísimo Saul Bass (1920-1996). El revolucionario diseñador gráfico (que trabajó para —entre otros— Preminger, Billy Wilder, Martin Scorsese o Stanley Kubrick) le dio la vuelta a la idea de los créditos en una película, los transformó en suculentos aperitivos mientras los nombres de los actores, del equipo y del director salpicaban aquellas imágenes que preparaban al espectador para el disfrute de la película.

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El zen de pintar lo que no tiene importancia

'Untitled (staple and table cloth)' - Lillian Bayley Hoover - Foto: lillianhoover.com

‘Untitled (staple and table cloth)’ – Lillian Bayley Hoover – Foto: lillianhoover.com

Son rincones de una casa cualquiera, banales rastros de actividades que se automatizan. Durante siglos, la pintura ha sido el medio de expresar pasiones y sentimientos profundos y nobles, plasmar hechos históricos, retratar a los notables. La estadounidense Lillian Bayley Hoover apuesta por todo lo contrario, percibe que el tiempo que dedicamos prestando atención a algo guarda una relación directa con el valor que tiene para nosotros, cualquier menudencia puede ser poética, vital, valiosa en nuestra intimidad mundana.

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Cuando el marco se exhibe a sí mismo

'German Neo-Rococo Naturalistic Style' - Taylor Holland - Foto: taylorholland.com

‘German Neo-Rococo Naturalistic Style’ – Taylor Holland – Foto: taylorholland.com

Dentro del espacio que debería ocupar la pintura, se reproducen los motivos florales y geométricos, las volutas y zarcillos enlazándose en secuencias rococó y neorococó… Los listones se repiten y encajan como formando los caminos de un laberinto sin salidas.

Taylor Holland pone la artesanía del marco historiado “en el contexto del arte contemporáneo”. La serie de trabajos titulada FRA[MES]MAR[COS]— puede interpretarse como un ensayo absurdo, un juego surrealista o un homenaje a la importancia del marco: un complemento casi siempre invisible que damos por sentado cuando admiramos la pintura que encuadra.

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‘Santa Europa’ atravesada por una valla, una reveladora obra de arte callejero

'Santa Europa' - David Mesguich - Foto: davidmesguich.com

‘Santa Europa’ – David Mesguich – Foto: davidmesguich.com

Grandes cabezas humanas de aristas poligonales, a veces pintadas a medias, con rostros apenas detallados pero aún así expresivas, mezclándose con el entorno en una calle desierta, una zona de obras o un parque. Así son las esculturas que el artista belga David Mesguich abandona en los espacios públicos.

Sus creaciones —que describe como “instalaciones monumentales in situ“— podrían entrar en la categoría de arte urbano, pero el tamaño despista, intimida al espectador, porque uno no espera que el arte se manifieste con tanta solemnidad en la calle. Tampoco es normal que las obras sean tan elaboradas: las figuras humanas creadas a partir de la unión de pedazos de plástico coloreadas con espray llegan a alcanzar varios metros de altura y el autor necesita construirlas y trasladarlas con ayuda de su equipo.

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El médico del siglo XVII fascinado por el lenguaje de las manos

Ilustraciones del libro 'Chirologia, or The Natural Language of the Hand' (1644) - Escaneo de Folger Shakespeare Library, Washington D.C

Ilustraciones del libro ‘Chirologia, or The Natural Language of the Hand’ (1644) – Escaneo de Folger Shakespeare Library, Washington D.C

En el grabado que lo retrata a los cuarenta y tantos años, John Bulwern (1606?-1656) luce perilla y bigote de extremos puntiagudos, a la moda europea de la época. Con la mano derecha sujeta una capa, los expresivos dedos largos aprietan la tela contra el pecho en un gesto seguro y elegante.

El médico y filósofo inglés creía en el lenguaje no verbal y escribió cinco trabajos en torno a la capacidad de comunicarnos con el cuerpo. “Aplaudimos con las manos de alegría, las retorcemos en la pena, las levantamos en el rezo y en la admiración; sacudimos la cabeza en el rechazo, arrugamos la frente en el disgusto, fruncimos la nariz en el enfado, nos sonrojamos en la vergüenza”, escribe en el prólogo del libro Chirologia, or The Natural Language of the Hand (Quirología o el lenguaje natural de la mano), editado en 1644 y considerado iniciador del lenguaje de signos.

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