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Trasdós Trasdós

No nos disgusta la definición del término trasdós: la "superficie exterior convexa de un arco o bóveda". En este blog perseguimos estar en alerta y con el objetivo siempre dispuesto para capturar los reflejos, destellos, brillos y fulgores que el arte proyecta.

Archivo de la categoría ‘Artefactos’

Le Quidam, un artista urbano que renueva la idea del urinario de Duchamp

'White Rectangle on a Red Circle' - Le Quidam - Foto: lequidam.com

‘White Rectangle on a Red Circle’ – Le Quidam – Foto: lequidam.com

El urinario masculino apareció en una exposición colectiva organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York en 1917. Nadie se esperaba en aquel entorno un objeto así, exhibido sobre un pedestal, con un título artístico: La fuente. Escrito sobre el urinario se lee R. MUTT, pero en realidad tras la firma en mayúsculas estaba Marcel Duchamp (1887-1968), que pertenecía a la sociedad artística en cuestión y quería poner a prueba a sus colegas.

Habían concluido con antelación que para aquella muestra se aceptaría cualquier obra que se presentara y el autor entró al trapo con un objeto vulgar. Perplejos, los miembros de la sociedad debatieron sobre si aquello era arte o no y al final escondieron la obra, lo que hizo que Duchamp se marchara de la junta de artistas.

De aquel episodio se cumplen 100 años que no parecen mas que un segundo, porque la discusión sigue siendo la misma, el dilema de elegir entre la genialidad y la desfachatez para entender el arte conceptual sigue ahí. ¿Es arte un objeto solo por exhibirse en un museo o en una galería? ¿Se transforma cuando está fuera de su contexto original, sobre un pedestal y titulado por un artista?

Un siglo después no es solo que la provocación siga activa, hay creadores que demuestran cómo aún se pueden seguir buscándole las cosquillas al arte en nombre de Duchamp.

El artista callejero Le Quidam —con un significado en francés cercano a “fulanito de tal”— vive entre París y londres, ciudades que convierte en escenarios de sus intervenciones. Las obras son discretísimas y nada invasivas, comentarios en voz baja para el deleite de quien se molesta y maravilla en escuchar a los que no gritan ni hacen aspavientos.

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Un museo japonés permite controlar por Internet los objetos en exhibición

Los objetos sustituyen a los seres humanos de carne y hueso, que no tienen por qué visitar el museo para participar en la instalación interactiva. Sin aparente relación entre ellos, un ventilador, un cono de tráfico, un teléfono o el busto pálido de una venus grecorromana comparten la sala. Tienen en común una serie de añadidos insertados: pantallas, cámaras y microprocesadores.

Avatars (Avatares) es una exposición basada en la participación a distancia. Las piezas que se exhiben en la muestra se pueden controlar, están conectadas a Internet y sólo hay que entrar en una web para manejarlas.

Los artistas japoneses So Kanno y Yamaguchi Takahiro son los autores de la instalación, que permanecerá hasta el 14 de mayo en el YCAM (en la ciudad de Yamaguchi, al sur de Japón), un museo especializado en proyectos que unen arte y nuevas tecnologías. Quien desee participar tendrá que hacerlo cuando el centroestá abierto en Japón, de 10:00 a 19:00 horas, de las 3 a las 12 de la mañana UTC.

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Dibujos diarios de Trump sudoroso, derretido y amorfo

El primer dibujo de Craghead para el proyecto 'TrumpTrump' - Warren Craghead - Imagen: trumptrump.tumblr.com

El primer dibujo de Craghead para el proyecto ‘TrumpTrump’ – Warren Craghead – Imagen: trumptrump.tumblr.com

Una masa amorfa, derretida, sudorosa y arrugada; a veces un humanoide de rasgos cadavéricos, pero casi siempre reconocible en los rasgos básicos. Warren Craghead dibuja a Donald Trump a diario desde julio de 2016, cuando la bufonada se volvía un asunto serio.

En ese primer dibujo, representa al entonces candidato a la presidencia de los EE UU con cuatro pelos grasientos pegados a la cabeza, una expresión de autocomplacencia feroz y profusión de gotas de sudor. Bajo la imagen, una frase: “Mi coeficiente intelectual es uno de los más altos… ¡Y todos lo sabéis! Por favor, no os sintáis estúpidos o inseguros, no es vuestra culpa”. Las palabras son reales, están extraidas de un mensaje de Twitter que Trump escribió en su cuenta oficial el 8 de mayo del año 2013.

Craghead es autor de TrumpTrump, un microblog de Tumblr que describe de modo escueto como “Donald Trump dibujado diariamente hasta que esta pesadilla se acabe“. Acompañando a cada obra gráfica, el ilustrador estadounidense añade una cita del retratado o una noticia relacionada con sus nombramientos y políticas, siempre con un vínculo para acceder a la fuente original.

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Un corto de 1904 que explota el cliché del loco que se cree Napoleón

Hay que perdonar las torpezas narrativas y de ritmo de Maniac Chase (Persecución del maniaco): el cortometraje data de 1904. También es justo alabar sus virtudes, en poco más de ocho minutos es capaz de arrancar una sonrisa. Resulta espontáneo y natural, no encierra otra pretensión que la de entretener y aún así permanece en el tiempo como un fósil audaz, ágil para tener 113 años.

La película narra la fuga de un hombre de una institución mental con más aspecto de cárcel o mazmorra que de sanatorio. Pronto lo estarán persiguiendo tres loqueros de catálogo, pero el protagonista no se rendirá con facilidad. Al tópico se le añade el mayor que podamos relacionar a la idea del manicomio decimonónico como escenario para la comedia: el personaje principal se cree Napoleón.

El origen del cliché parece ser verdadero. En el libro de 2014 The Man Who Thought He Was Napoleon (El hombre que pensaba que era Napoleón), la historiadora y escritora francesa Laure Murat cuenta que en diciembre de 1840, cuando los restos del militar y gobernante (fallecido 20 años antes en Santa Helena) llegaron a París para ser enterrados, el director del Hospital Psiquiátrico de la ciudad declaró que al día siguiente habían ingresado en la institución 14 hombres que decían ser Napoleón. La imagen recurrente del loco de chiste con un sombrero de papel y con la mano derecha en el estómago no ha cesado de repetirse en películas, dibujos, cómics y otros testimonios artísticos y populares.

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Esculturas de camisetas de los años noventa para recordar a un hermano muerto

'Retired Jerseys' - Chris Bakay - Foto: chrisbakayart.com

‘Retired Jerseys’ – Chris Bakay – Foto: chrisbakayart.com

No nos retratábamos a diario, nadie se arreglaba el pelo en el autobús o en el metro con la pantalla del móvil supliendo al espejo, las fotos se hacían para conservar un recuerdo, no para demostrar —con la cadencia esclava impuesta por las redes sociales— que lo estábamos pasando bien. En 1996, cuando nadie llevaba una cámara en el teléfono y la fotografía digital sólo empezaba a atisbarse, nuestras imágenes eran muchas menos y de otro cariz.

El artista estadounidense Chris Bakay (Atlanta – Georgia, 1977) perdió a su hermano David aquel año. Mayor que él solo por un año, murió en un accidente de coche a los 20. Bakay lamenta tener pocas fotos y vídeos de él, pero la falta de imágenes lo ha llevado a sentir un mayor apego por los objetos que David dejó atrás. El entonces tan habitual walkman, con los finos cascos amarillos de diadema a juego, las camisetas de Michael Jordan o del tercer disco de los Beastie Boys, una muestra de colonia Drakkar Noir, popular fragancia en los ochenta y noventa.

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Esculturas-retrato que imitan a las tartas industriales

Detalle de '25 and still alive' - 'Omar' - Patrick Martinez

Detalle de ’25 and still alive (Omar)’ – Patrick Martinez

En su ascendencia hay mexicanos, filipinos e indios americanos. La adolescencia en Los Ángeles en los años noventa, garabateos constantes en cualquier superficie que tuviera a la vista… Patrick Martinez (1980) vincula sus motivaciones artísticas al hip hop, al grafiti y al comentario social.

Los trabajos son caramelos envenenados, apetecibles y perturbadores. Explora la belleza fuera de los cánones, hace composiciones de dibujos con escenas de detenciones y violencia policial, pinta helados infantiles baratos, bolsas de snacks y refrescos y luego encuadra el bodegón con un neón; escribe también con neones consignas incontestables: “Que le den al trozo. Yo quiero la tarta”.

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Esculturas que pueden esconder más de 600 metros de alambre

Escultura, máquina, juego, truco de magia, prototipo para la construcción de un autómata o un robot… ¿Qué es aquello que no deja de desplegarse? Los vídeos en time-lapse solo aumentan la intriga.

“El cuerpo humano, la idea del vestigio y la transformación” son el acicate creativo de Claude-Olivier Guay (La Sarre – Quebec, 1988). El artista canadiense estudia los parecidos entre el esqueleto humano y el de otros vertebrados, presta una atención técnica a las estructuras óseas.

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Deborah Simon, taxidermia falsa de osos y conejos desollados

'Ursus americanus' - Deborah Simon - Foto: Dan Wonderly

‘Ursus americanus’ – Deborah Simon – Foto: Dan Wonderly

No tarda en pronunciar la palabra taxidermia, sabiendo que sus esculturas llevan a menudo al engaño, cuando en realidad son “versiones poco convencionales del animal natural”. Deborah Simon construye especímenes creíbles con tal destreza que es difícil distinguir si ha utilizado un animal real, pero sus espejismos son de pintura acrílica, espuma, piel sintética, hilo, arcilla polimérica, cristal, tela…

Entre “lo salvaje y lo domesticado; lo bello y lo grotesco”, la artista estadounidense sabe que juega a provocar sensaciones de desamparo y dolor en su última serie de trabajos. Flayed Animals (Animales desollados) es una colección de osos y conejos, escogidos con intención, adorables criaturas que parecen tener la piel arrancada y dejan al descubierto venas, músculos, órganos y huesos.

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Esculturas ‘matemáticas’ que engañan a los sentidos

Es un objeto de plástico rígido y es fácil imaginar que los pinchos redondeados son blandos como los de una anémona. Las esculturas cinéticas de John Edmark ponen de relieve lo poco fiables que pueden ser nuestros sentidos con respecto a la realidad. El cerebro humano siente debilidad por rellenar espacios vacíos para generar ilusiones ópticas o imaginar un movimiento vivo donde sólo hay una rotación rápida.

“Mientras el arte es a menudo un vehículo para la fantasía, mi trabajo es una invitación a profundizar más en nuestro mundo y descubrir cómo de asombroso puede ser”. El diseñador, artista e inventor estadounidense, conocedor de que “el cambio es la única constante en la naturaleza”, adora los patrones, las rotaciones y los giros de precisión matemática.

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Un florista que experimenta con el arte callejero

'Léopold II', intervención de Geoffroy Mottart - Foto: www.geoffroymottart.com

‘Léopold II’, intervención de Geoffroy Mottart – Foto: www.geoffroymottart.com

Como buena intervención callejera es inesperada y efímera. Geoffroy Mottart utiliza las flores con humor e ingenio, modifica estatuas en jardines y parques de Bruselas y añade “una pequeña nota de color que llama a los transeúntes”.

Florista afincado en la capital belga, llama a sus creaciones fleurissements (floraciones). Duran como mucho un par de días y sólo quedan documentados en fotografías. Los espesos arreglos son peinados con permanente, barbas de importancia o elegantes tocados sobre las cabezas pétreas de “testimonios del pasado”, manifestaciones artísticas y conmemorativas que el autor considera que “valen la pena ser vistos”, que son “parte de nuestro patrimonio cultural” y se pierden en el frenético ir y venir de los habitantes de una ciudad.

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