Archivo de febrero, 2016

Un simulador interactivo de olas y otros sueños electrónicos

© David Li

Captura del simulador de olas de David Li

Imagino a David Li, del que sólo sé que vive en Londres, como a un otaku irredento, inseparable de sus logaritmos y códigos de programación —todos por cierto, dado que no hay interés crematístico alguno por su parte, son abiertos y los comparte en esta cuenta de GitHub—.

¿Qué regala al mundo esta persona? Su contribución a la humanidad es de tal deliciosa ineficacia práctica como, digamos, la poesía: un leve ardor, un vaporoso cosquilleo, un posible camino hacía el vacío mental.

¿Un ejemplo? El generador de olas oceánicas que pueden ver en funcionamiento en este vídeo.

Es bastante más divertido que observar pasivamente el vídeo entrar en la web del Ocean Wave Simulation e intervenir en el asunto modificando la velocidad del viento, el punto de vista y tamaño de la superficie oceánica y los grados de cresta y altura de las olas.

No esperen la misma experiencia sensorial de un simulador de tormentas, pero dejar que el emulador oceánico te meza en su profundo azul tiene algo de koan zen, de revelación lenta y cadenciosa.

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Los pies son los pinceles, la nieve es el lienzo

Obra de Simon Beck en Powder Mountain, Utah - Foto: Simon Beck

Obra de Simon Beck en Powder Mountain, Utah – Foto: Simon Beck

Recorre con decisión extensiones montañosas y nevadas en las que sólo se oyen sus discretos jadeos. Tiene la piel curtida por el frío y morena por el reflejo del sol en la nieve. La marca de las gafas de esquiar está fija en el rostro del británico Simon Beck, de 57 años y residente en algún lugar de los Alpes franceses o suizos.

Desde hace más de una década, camina sobre la nieve con exactitud matemática, con el único fin de dar forma a una obra de arte efímera y a la vez magna: en las extensiones blancas imprime con pisadas amplios dameros, círculos concéntricos, estrellas, arabescos, espirales, redes de rombos… El artista, a ras del suelo, utiliza sus pasos como pinceles de precisión sin poder ver su obra hasta que no está terminada.

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El matrimonio de chino y japonesa con un solo idioma común, las fotos

 

 RongRong & inri / In the Great Wall.China.2000.No.3 © RongRong & inri

RongRong & inri / In the Great Wall.China.2000.No.3 © RongRong & inri

RongRong nació en Zhangzhou, en la poblada provincia china de Fujian, en 1968. Cinco años más tarde, en la prefectura japonesa de Kanagawa nació inri —la minúscula inicial es decisión suya—. Se conocieron en el año 2000. Ninguno hablaba el idioma del otro ni tenían una tercera lengua para comunicarse.

Esa es la mentira que ellos mismos ponen en solfa: se entendieron desde el primer momento gracias al habla común de la fotografía.

RongRong & inri, las dos personas de países enfrentados por una ofuscación histórica cimentada en las siempre falsas premisas de la identidad nacional, son ahora una sola. Cuando se acostaron desnudos en la Gran Muralla china no dijeron una sola palabra. Entendían el silencio.

La pareja de fotógrafos acaba de ser galardonada con el gran premio especial de 2016 de la World Photography Organisation (WPO). Si se tienen en cuenta la identidad y los logros de los premiados anteriores —una patrulla de héroes del humanismo Eve Arnold, William Klein, Marc Riboud, William Eggleston, Mary Ellen Mark, Elliott Erwitt, Bruce Davidson, Phil Stern…—, no es desproporcionado intuir que RongRong & inri están en compañía de ángeles.

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Pósters gratis sobre cómo imagina la Nasa el turismo espacial futuro

Cuatro de los carteles 'espaciales' - Courtesy NASA/JPL-Caltech

Cuatro de los carteles ‘espaciales’ – Courtesy NASA/JPL-Caltech

El Jet Propulsion Laboratory, el departamento de ingeniería y diseño industrial de la NASA fundado en 1944 para el desarrollo de sistemas de propulsión y cohetería (también trabajan para el Ejército de los EE UU, aunque lo disimulan y escamotean información en sus plataformas online), acaba de lanzar 14 carteles de vistosa apariencia de la colección Visions of The Future (Visiones del futuro).

Desde el departamento dicen que la imaginación debe ser una «ventana abierta» y pretenden que los pósters funcionen como acicate para que la carrera espacial no pierda impulso. Han planteado la colección como si se tratara de una serie de carteles sobre destinos turísticos posibles. Todos usan los mismos reclamos —promesas de emoción y exotismo, garantía de experiencias únicas— que cualquier campaña de mercadotecnia del sector de vendedores de arcadias de los mayoristas de viajes.

Explican que se trata de mantener viva la llama y confiar en que los viajes espaciales son una frontera en la que todavía podemos soñar:

En la NASA nos esforzamos por ser audaces (…) para que algún día, con la ayuda de las nuevas generaciones de innovadores y exploradores, estas visiones del futuro puedan llegar a ser una realidad. Al mirar a través de estas imágenes los imaginativos destinos de viajes, recuerde que usted puede ser también un arquitecto del futuro.

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Una estudiante española comprime de forma magnífica los guiños cinéfilos de Los Simpson

La española Celia Gómez, de 22 años, que se autorretata con una precisión notable en la descripción que inserta en su perfil de Twitter: «Comunicóloga pelirroja adicta al cine y las series. Algún día tocaré a David Fincher», es la autora de un exquisito vídeo montaje donde empareja una treintena de escenas originales de películas con la recreación de cada una en la serie Los Simpson, la única familia de la que resulta imposible cansarse.

Con un montaje de gran dinamismo y sincronía con la banda sonora —acertadísima elección: Sing Sing Sing (With a Swing), la canción-nitroglicerina del nunca suficiemente alabado Louis Prima, interpretada por la orquesta de Benny Goodman en 1937—, la habilidad de Gómez es lograr que ambas partes de la pantalla partida  parezcan una sola en tempo narrativo y ritmo de edición.

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Un artista español hizo el «desnudo más atrevido jamás pintado»

"Salome" - Federico Beltrán Masses - Foto: TEFAF

«Salomé» – Federico Beltrán Masses – Foto: TEFAF

En 1929 un pintor español montó un escándalo en Londres al exponer el cuadro Salomé, donde la bíblica bailarina que, según tres de los evangelistas, consiguió que decapitaran a Juan el Bautista, se muestra en una explícita postura de entrega carnal o quizá de desesperada turbación cuando le entregan la cabeza del profeta del que estaba encelada.

Pese a que el pubis y la vulva de la modelo fueron deshechadas desechadas por el pintor con pacatería, los más conservadores de los críticos ingleses no escatimaron imprecaciones. «Es el desnudo más atrevido jamás pintado», escribió uno de ellos, acusando al artista de mostrar a una mujer desnuda «en una postura que ni el menor de los artistas hubiera intentado ilustrar».

El óleo, datado en 1919, fue pintado por Federico Beltrán Masses (1885-1949), nacido en Cuba en una familia española con suficiente holgura económica, como para que el hijo se lanzara a la gran vida, aprendiera no sólo el arte de la pintura, sino el de ser un animal de salones y alcobas y cultivara la amistad de algunas de las primeras estrellas de Hollywood —Chaplin, Valentino, la divina Joan Crawford, la todavía más ardiente Pola Negri…—.

Beltrán Masses también frecuentaba a otros seres humanos menos encantadores, como el villano mediático William Randolph Hearst que inspiró el Ciudadano Kane de Orson Welles y, en una jugada que no debió agradar demasiado a los Beltrán, orquestó la Guerra de Cuba al convencer a la opinión pública mediante patrañas y con la ayuda de otro intocable del gremio de la prensa, Joseph Pulitzer, de que el enfrentamiento bélico de los EE UU contra España era una cuestión de honor —figura en los anales el telegrama de Hearst a uno de sus enviados especiales que se quejaba de la tranquilidad en la isla y pedía permiso para regresar a casa: «Por favor, manténgase allí. Usted proporcione las imágenes y yo proporcionaré la guerra«—.

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¿Paisajes figurativos o pinturas abstractas?

'Silver' - Samantha Keely Smith - Foto: http://samanthakeelysmith.com

‘Silver’ – Samantha Keely Smith – Foto: samanthakeelysmith.com

No representa lugares reales, ni siquiera acude a ellos para inspirarse. Samantha Keely Smith tiene la ambición de transformar los estados de la mente en olas de varios metros que chocan contra riscos, lenguas de fuego, oscuridad geológica… El proceso es casi químico: sobre el lienzo, el estado emocional de la artista se transforma en un paisaje que sólo existe en su cabeza.

Cataloga las obras como abstractas, pero matiza que otros las definen como «paisaje semiabstracto». La duda está justificada: en las pinturas hay tormentas, erupciones volcánicas, luces en la lejanía tamizadas por la niebla, atmósferas teñidas… Siempre hay algo que resulta demasiado familiar como para rendirse y sentenciar «yo no veo nada más que una mezcla de colores».

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Una Polaroid al día desde los 22 años hasta la muerte a los 41

Primera y última foto del diario de Jamie Livingston

Primera y última foto del diario de Jamie Livingston

Entre la primera de las fotos, a la izquierda, y la última, hay una línea que no se interrumpe.

Entre la primera, el perfil eventual de dos muchachas, y la última, la perturbadora imagen doliente de alguien que presentimos enfermo de gravedad —el brazo abandonado, la mirada sin dirección, la bata lúgubre de los hospitales…—, hay seis mil fotos más, todas del mismo formato, todas tomadas con una de las mejores cámaras fabricadas por Polaroid, la SX-70.

Entre la primera, tomada el 31 de marzo de 1979, y la segunda, del 25 de octubre de 1997, transcurren algo más de 18 años y medio.

En la primera el fotógrafo tenía 22 años. En la última celebraba su 41º cumpleaños. Ese día fue también el de su muerte.

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Oscuros miedos secretos trasladados a viñetas

'Deep Dark Fears' - Fran Krause

‘Deep Dark Fears’ – Fran Krause

«Siento que moriré de viejo algún día y que, justo cuando yo ya no exista, se inventará algo asombroso, y me lo perderé por completo». «Cuando uso gotas para los ojos, me preocupa que hayan cambiado la botella por una de Superglue y los ojos se me queden pegados para siempre». «Cuando vamos en coche tarde por la noche y veo uno igual al nuestro, me preocupa, cuando pase a nuestro lado,  que en su interior haya una versión de nosotros con la mirada vacía».

El ilustrador, dibujante de cómics y animador estadounidense Frank Krause invita a compartir temores, fobias, neurosis y experiencias incómodas a cualquiera que necesite confesarlas. Él, a cambio, las trasladará a viñetas. Deep Dark Fears (Miedos oscuros y profundos) es el microblog donde las difunde.

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Cuatro fotos de Lewis Hine con retratos superpuestos de muchos niños-obreros

Lewis Hine - Foto: dominio público

Lewis Hine, niños obreros, 1908-1911 – Foto: dominio público

«Quiero mostrar lo que debe ser corregido, corregir lo incorrecto. Quiero mostrar lo que debe ser visto«. Lewis Hine (1874-1940) rechazaba la cámara de fotos como artilugio para alcanzar lo celestial, la obra de dios en la Tierra. Prefería retratar el infierno.

Primer fotógrafo social por convencimiento y terquedad, optó por desdeñar la teoría que había aprendido estudiando Sociología en tres universidades pagadas de su bolsillo —era huérfano y debió trabajar desde crío— y dedicarse a hacer fotos sobre la parte de atrás de la sociedad de los EE UU en los albores del siglo XX, cuando las cuentas de resultados de la revolución industrial alcanzaban cúspides millonarias gracias al trabajo infantil.

En la obra aún palpitante de Hine hay niños mendigos, inmigrantes tratados como objetos por las autoridades, personas buscando comida en los cubos de basura, talleres ilegales donde se empleaba mano de obra infantil, obreros construyendo en condiciones heroicas los rascacielos que simbolizaban el progreso…

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