Para quien el nombre de Robert Moog le suene a chino, cabría decir que su aportación a la historia de la música ha sido absolutamente fundamental. Nacido en Nueva York en 1934, en 1964 presentó al mundo, junto al compositor Herb Deutsch, el Moog Modular Synthesizer, un instrumento electrónico capaz de generar un número prácticamente infinito de sonidos diferentes. Aunque durante sus primeros años de vida apenas se utilizó para componer jingles publicitarios, no tardó en llamar la atención de los músicos más avezados. Jean-Jacques Perrey y Gershon Kingsley fueron los primeros en grabar un disco con el moog, “The In Sounds From Way Out!” de 1966 (un álbum a cuyo título rendirían homenaje mucho después Beastie Boys). Otros, como la compositora Wendy Carlos, también hicieron sus pinitos tocando, con aquel extraño aparato, algunas de las piezas más conocidas de la música clásica.

Las inmensas posibilidades de aquel prodigioso aparato llamaron la atención de algunas de las bandas más inquietas del momento, que comenzaron a experimentar con la música electrónica en su versión más primitiva. Serían, sin embargo, los grandes grupos del momento, como The Rolling Stones, Simon & Garfunkel o The Doors los encargados de popularizarlo. De entre los más recordados usos del Moog, el que hicieron los Beatles en Because. Johnn Lennon había comprado el sintetizador durante un viaje a Nueva York y George Harrison fue el encargado de tocarlo. Podéis escucharlo en el puente del segundo 01:34 y al final del tema, a partir del 02:15.

Con la llegada del rock progresivo, ya en los 70, formaciones como Yes o artistas como Jean Michel Jarre contribuyeron enormemente a dar a conocer un instrumento que, además, contaba ya con una versión más pequeña, el mini-moog, de precio mucho más accesible. Pero fue a finales de la década de los 70 y a principios de los 80, con la llegada de la música electrónica propiamente dicha de la mano de Kraftwerk y, sobre todo, con la explosión del techno pop de grupos como The Human League, Ultravox o Depeche Mode, cuando el Moog se hizo con un papel absolutamente protagonista en la música popular. Su sonido invadió las radiofórmulas y definió toda una época.

Hoy por hoy los sintetizadores han evolucionado enormemente. Y sin embargo, quizá ninguno de ellos habría visto la luz de no ser por la aportación de Robert Moog. Infinidad de géneros, desde la psicodelia al metal, del rock progresivo a, por supuesto, la electrónica, le deben mucho. Y en un día como hoy, en el que hubiera cumplido 78 años de no ser por su triste fallecimiento en 2005, Google le rinde un más que merecido homenaje. Este blog no podía ser menos.

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Recientemente, uno de los fotógrafos de la revista Mondosonoro se enfrentó a uno de esos idiotas: Cass McCombs (en la foto), cantautor californiano que recaló en la sala Arena de Madrid para presentar su disco Humor risk. El colaborador, según cuenta en su columna Luis J. Menéndez, acudió a la cita para cubrir un evento cuyas condiciones estaban claras de antemano: sólo fotos durante las tres primeras canciones, y sin flash. Cumplió con lo acordado, pero por alguna razón el señor McCombs estimó que estaba más cerca de lo que debía. Y así, durante la primera canción, decidió propinarle una patada que de milagro no reventó la cámara. Pensó en denunciarle, pero no lo hizo, y finalmente optó por no publicar ninguna foto del concierto. Es lo mínimo.

La música crea ídolos. Personas a las que inevitablemente tendemos a endiosar, pues poseen el admirable talento de transmitir sentimientos a través de un lenguaje universal, único e incomparable. Pero ningún artista debería olvidar que sin su público no es nadie, y que una de las principales maneras de llegar a ese público son precisamente los medios especializados, cuyos colaboradores a menudo cobran poco o nada por su trabajo. Y es que hay mucho de pasión por la música en el oficio de colaborador. Pero ni toda la pasión del mundo da como para soportar a un idiota.

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Estos días el nombre de Jack White copa los medios por la reciente publicación de su debut en solitario, Blunderbuss. Cuando se cumple un año de la disolución del dúo que le dio la fama, Jack White se desmarca con un disco sobresaliente que le mantiene en la cresta de la ola. Su primer single, Sixteen Saltines, consta de varias frases que parecen dedicadas abiertamente a su antigua compañera de andaduras, Meg, a la que no ha vuelto a ver desde entonces. En concreto, el estribillo (“¿Quién está celoso de quién?”) parece referirse directamente a la lucha de egos que, se presupone, estalló en el seno del grupo. Mal rollo. Pero en lo que a nosotros concierne, otro riff explosivo perfecto para arrancar esta semana y que, precisamente, recuerda más que otros temas del disco al añorado dúo. Si estáis de puente, disfrutadlo. Si no, también.

She’s got stickers on her locker
And the boy’s number’s there in magic marker
I’m hungry and the hunger will linger
I eat sixteen saltine crackers then I lick my fingers

Well every morning I deliver the news
Black hat white shoes and I’m red allover
She’s got a big mailbox, that she puts up front
Garbage in garbage out, she’s getting what she wants

Who’s jealous who’s jealous who’s jealous who’s jealous of who?
If I get busy then I couldn’t care less what you do
But when I’m by myself I think of nothing else
Than if a boy just might be getting through and touching you

Spike heels make a hole in a lifeboat
Jumpin’ and waving, I’m talking and laughing as we float
I hear a whistle, that’s how I know she’s home
Lipstick, eyelash, broke mirror, broken home

Force fed, force mixed ’till I drop dead
You can’t defeat her, when you meet her you’ll be what I said
And Lord knows there’s a method to her madness
Bustin’ those jokes as I float in a sea of sadness

She doesn’t know but when she’s gonna sit and drink up a few
I’m sure she’s drinkin two, but wondering what for and who
And I’m solo rollin’. I’m one side off the boat.
Looking out, throwing up, a lifesaver down my throat
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Años atrás, cuando esta última sala cambió su denominación por la de la conocida marca de cerveza, recuerdo haberme empeñado en seguir escribiendo en el periódico “Sala Arena” cada vez que incluía uno de sus conciertos en la página de agenda. No tardaron en llegar las llamadas de los responsables de la firma quienes, no sin cierta indignación, me pedían encarecidamente que escribiese correctamente el nombre de la sala, pues la firma holandesa había invertido una sustanciosa cantidad de dinero para figurar en todas partes. “Se llama sala Heineken, no sala Arena”, me decían. Durante un tiempo, espoleado por su insistencia – también por mi animadversión a tan insípida cerveza- y por cierta dosis de rebeldía juvenil de baratillo, me negué a ello y seguí escribiendo la antigua denominación. Como si sirviese para algo. Al cabo de no mucho tiempo yo también acabé llamándola Sala Heineken. Casi todo el mundo lo hizo. Y no pasó nada.

Pese a que, de entrada, toda iniciativa destinada a fomentar la preservación de espacios culturales me parece digna de aplauso, tengo serias dudas respecto a esta nueva manera de “salvar” las salas, los teatros o los cines a base de patrocinios. Un buen amigo que trabaja en el mundo del celuloide me dice que estas operaciones le recuerdan “a películas y novelas de ciencia ficción en las que todo va encaminado al apocalipsis, como Blade Runner”.  Otro, pintor, opina que ” todas estas inicitativas son una prueba evidente del trato a la cultura y al patrimonio en España”. Y un tercero, que trabaja en una conocida discográfica multinacional,  se muestra convencido de que estas son “la unica salida para financiar un espacio cultural que de otra manera no se sostiene”.  Yo, por mi parte, no puedo evitarlo: Me incomoda la invasión del espacio público por parte de la publicidad. Me irrita la estrategia de los encargados del departamento de márketing de turno que, sentados en una mesa, intentan que su marca se asocie a fomentar la cultura, por éticamente reprobables que sean sus políticas de empresa. Simplemente no me gusta. Será que una parte de mí, la más ingenua, sigue pensando que la cultura se puede y se debe sostener exclusivamente por el interés que genera en los miembros de una sociedad.

Igual sólo es cuestión de recibir otras cuantas llamadas más y acabar por acostumbrarme a los tiempos que nos ha tocado vivir.

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Cuando el aire arrecia, me doy el homenaje de ir a trabajar en coche, bien acompañado por la música. Antes de arrancar, con el iPod en la mano, ya tenía muy claro qué disco quería escuchar hoy.

Descubrí a Department of Eagles indagando en los proyectos paralelos de los miembros de esa banda fundamental e inclasificable que es Grizzly Bear. Su guitarrista y cantante, el inquieto Daniel Rossen, formó Department of Eagles junto a Fred Nicolaus en 2000, cuatro años antes de unirse a Grizzly Bear. Debutaron en largo en 2003 con The White and the Moon, al que siguió, en 2007, The Cold Nose. Es, sin embargo, su tercer y último trabajo hasta la fecha, el sobrecogedor In ear park (2008), el que más hondo me ha llegado. También uno de los que más vueltas ha dado en mi cabeza en los últimos tiempos. En él, Rossen da rienda suelta a lo que ya desarrolla en Grizzly Bear, aunque aportándole un aura por momentos más cálida y accesible. Por momentos llega incluso a recordar a Beatles y Beach Boys, aunque siempre manteniendo intacta su afición por los desarrollos impredecibles, sorprendentes, únicos.

Hoy arrancamos la semana con uno de los temas más luminosos del álbum, No one does it like you. Una auténtica maravilla a la que acompaña, además, un vídeo mágico.

Out in the morning come
You don’t need to ask an alibi
And in the morning comes
You don’t need to be so honest

And in the morning come
You don’t need to ask an alibi
And in the morning comes
You don’t need to breathe so easy

I laughed so hard I fell down
I cursed these lanes I walked on

No one does it like you
No one does it like you
I tried so hard
But no one does it like you
No one does it like you
But I tried so hard

I tried so hard
I tried so hard

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No, no se ha confundido el astuto lector. Este no es un nuevo post de mi compañera Rosy Runrún y su blog sigue esteando en el mismo sitio de este mismo diario. Pero hay que saber hacer de todo: quién sabe qué tipo de habilidades requerirá el periodismo del mañana.

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La noticia se suma a la alianza, el pasado mes de septiembre, de la plataforma del círculo verde con Facebook. Aquella integración desató no pocas quejas, pues implicó que para difrutar de la vertiente social de Spotify había que darse obligatoriamente de alta en Facebook. Muchos usuarios se quejaron también de la falta de privacidad, ya que la red social publicaba sí o sí todo lo que el usuario escuchaba. Pocos días después, y ante el aluvión de quejas, Spotify  habilitó la posibilidad de “escucha privada”.

Todo parece indicar que Spotify se está llevando el gato al agua en la trepidante carrera por dominar el mercado de la música en streaming. Mientras dicha competencia sea en beneficio del usuario, bienvenido sea. Ahora sólo queda exigir un reparto justo de los beneficios con los verdaderos responsables de que haya música en el mundo: los artistas. Pero esa es otra historia.

Como muestra, un botón. Aprovechando que mañana arranca gira en Madrid, os dejo con lo nuevo de Maika Makovski, Thank you for the boots.

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El caso de la banda que hoy nos ocupa, los belgas Creature With the Atom Brain, no es exactamente ese, pues di con su espectacular Transylvania buceando por Spotify. Y sin embargo, estoy convencido de que muchos son los nuevos fans que, estos días, nuestros protagonistas recaban gracias a su condición de teloneros en la gira de Mark Lanegan, al que muchos (muchos) tuvimos ocasión de ver anoche en Madrid. Ellos fueron los encargados de abrir un concierto sobresaliente, sobrio pero hipnótico, que sirvió de perfecto aperitivo para la posterior salida al escenario de Lanegan, al que acompañaron varios de los músicos de CWTAB como parte de su banda.

La música de Creature With the Atom Brain es oscura y adictiva. Lo suyo es el rock sucio y ruidoso, plagado de referencias a la psicodelia, con puntuales concesiones a la experimentación pero siempre teniendo en mente las canciones. Formados en Amberes en 2004, hasta la fecha han publicado dos discos, I am the Golden Gate Bridge, en 2008, y el citado y más que recomendable Transylvania (2009), además de los EPs previos (y más salvajes) The Snake y Kill the Snake. Ahora ultiman los detalles de su inminente nuevo trabajo, The birds fly low, que ve la luz este recién estrenado mes de abril.

Transylvania, el tema que dio título a su anterior álbum, fue uno de los que más brilló en su repertorio de ayer. Hoy nos sirve para arrancar esta semana tan corta. Que la empecéis con buen pie:

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