“La música española está anquilosada», dijo, con cierta vehemencia –y un gin-tonic en la mano–, mi buen amigo Kike. «Nadie innova hoy en día, ni siquiera en el mundo indie», sentenció. «Hombre, hay quien sí innova», contesté apurando mi copa. «Así, a bote pronto, innova El Guincho, innovan Pony Bravo, Standstill…». «El Guincho vale», contestó. «¡Pero es que El Guincho es raro de cojones!».
Cierta razón no le faltaba: muchos grupos –al menos, en los terrenos del pop y el rock– suenan a otros grupos, como si los inescrutables caminos de la música no admitieran nuevas vías creativas. Como si, ante el panorama de que todo ha sido ya inventado ya, pocos se tomasen la molestia de ir un poco más allá y buscar un sonido propio lejos de las influencias más evidentes. Como si todo lo que hoy nos venden como nuevo estuviera ya más que trillado. ¿Lo está? Puede que sí. Puede que a nadie le importe lo más mínimo.
[Nota de sinceridad con el lector]: escribo estas líneas en plena escucha para los medios de comunicación del nuevo disco de Amaral, Hacia lo salvaje. Por alguna razón, me ha venido a la mente la conversación de anoche con Kike. «¿Te ha gustado?», me preguntan a la salida. «Sí, sí. Muy en su línea», contesto. «Lo van a petar». Y así lo creo.
No es ningún secreto que el espacio que dedica la televisión de este país a la música es ínfimo, paupérrimo, casi inexistente. En los últimos tiempos hemos sido testigos de la desaparición progresiva de la práctica totalidad de los programas que la tenían como protagonista. Algunos, como Fly Music, el único canal en abierto que ofrecía videoclips medianamente decentes, pasaron a mejor vida en un cortísimo espacio de tiempo. Otros, decanos como la MTV, han optado por transformarse a marchas forzadas en una cadena centrada casi exclusivamente en los más deleznables realitys. Actualmente, apenas La 2 hace un hueco a la música en horarios intempestivos con Los Conciertos de Radio 3 y Mapa Sonoro. Hoy día, progamas legendarios como La Edad de Oro o Aplauso tendrían muy pocas posibilidades de hacerse un hueco en la parrilla.
Da la sensación de que la música no interesa a la audiencia mayoritaria. ¿O sí? Puede que sí. Sólo hace falta revestirla de talent show al más puro estilo OT, Factor X o similares. Si es posible, además, salpicarla de cierto famoseo casposo, el cóctel ya resultará irresistible: la plebe acudirá fiel a la cita como moscas a la mierda.
Dado que los famosos ya han bailado, alguna lucidísima mente de Antena 3, ese canal que echa los Simpsons, ha ideado (o comprado a alguna cadena americana, lo mismo da) el originalísimo Tu cara me suena, un programa en el que varios famosos competirán para ver quién canta mejor, y que esta noche irrumpirá en el prime time de la cadena. Por el escenario desfilarán nombres como Santiago Segura, Josema Yuste, Carolina Ferre, Silvia Pantoja o Toñi Salazar. El jurado estará formado por Àngel Llàcer, Carlos Latre, Carolina Cerezuela y Mónica Naranjo. Insuperable. Por si fuera poco, la aberración estará dirigida por Manel Fuentes, uno de los tipos con menos gracia -y ya es decir- de entre los muchos que aparecen en radio y televisión creyéndose graciosos.
Lo más curioso del asunto es que tan brillante idea ya se le había ocurrido a alguien antes. Y encima, a los propios genios de Antena 3. Fue en 2006, se llamaba Cantas o qué y nació como respuesta al éxito de Mira quién baila. Sofía Mazagatos, Antonia Dell’Atte y Carmen Janeiro hicieron un ridículo tal que el programa sólo llegó a las dos emisiones. Será que no aprendieron la lección.
Hace tiempo que Jimmy Barnatán, al que los menos melómanos conocerán únicamente por sus faceta interepretativa en series, teatro y películas de toda condición, viene dando muestras de un desbordante talento musical. Lo demostró en un primer disco sorprendente, Black note (2010), lo ha venido corroborando con multitud de actuaciones en directo y ahora lo refrenda con After the blue times, su flamante nuevo álbum.
Jimmy es un enamorado de los sonidos más añejos del soul y el rythm and blues. Y como tal, domina con sorprendente facilidad registros vocales más propios de un negro de Alabama que de un joven madrileño. Y es que es muy posible que los que aún no hayan oído cantar al pequeño Jimmy se lleven las manos a la cabeza de puro pasmo.
Su nuevo disco es un viaje a las raíces de la música negra que gustará a los no iniciados y, al mismo tiempo, encandilará a los amantes del género, que encontrarán en sus canciones todos los ingredientes y clichés de un estilo cuyas líneas maestras no están precisamente al alcance de cualquiera. Mañana lo presenta en Madrid en un concierto exclusivo que, a su vez, servirá de pistoletazo de salida para una gira que le llevará por toda España.
En She loves the jazz, el primer single del disco, Barnatán se hace acompañar de la actriz Lola Dorado, cuya voz no tiene nada que envidiar a la del propio Barnatán. Un dúo de espíritu rockabill y sabor a destartalado motel de carretera, botella de burbon y kilométricas carreteras por la América profunda. Se me ocurren pocas maneras mejores de empezar bien la semana.
Once I knew a lady. Singing in a Motel bar. Moving her legs, touching the men. She wants to be a star… I arrived with my Cadillac car. To this “Heart Break” Motel. I got a bourbon, she got a scotch. And then I started to say… She love´s the jazz. She love´s the jazz. Yes, I wanna ride on her pillow. She just want a brand new man. Once I knew a big little man. Looking for me down stage. He was so lovely, cool and refined. I said “This man is mine” He loves the jazz. He just wanna ride on my pillow. I just want a brand new man. We love the jazz. We love the jazz. I just wanna ride on your pillow. I just want a brand new man. We will have a new sunshine for us. And we´ll dance with the notes of the jazz. I will swim the seven seas, darling. I will climb the mountains, baby. We will find the love in the jazz. We will have a new sunshine for us. And we´ll dance with the notes of the jazz. I will swim the seven seas, darling. I will climb the mountains, baby. We will find the love in the jazz. She loves the jazz. She loves the jazz. Yes, I wanna ride on her pillow. I just want a brand new man. He loves the jazz. He loves the jazz. He just wanna ride on my pillow. I just want a brand new man.
Cuando una gran banda toma la decisión de separarse, se producen de manera prácticamente infalible e instantanea dos reaccciones contrapuestas. Por un lado están los que se entristecen sobremanera y le dedican toda una retahila de parabienes: para los fans, nunca hubo ni habrá nadie como ellos. Por el otro, abundan los que creen que hace mucho que pasó su momento, que sus mejores discos vieron la luz hace ya demasiado tiempo y que, desde hace años, se dedican poco menos que a dar palos de ciego.
El caso de R.E.M. no ha sido una excepción. Y a pesar de que es cierto que sus últimos álbumes no están a la altura de obras maestras comoOut of Time o Automatic for the People, la mayoría de ellos mantuvieron el listón a una altura que ya quisieran para sí muchos de sus compañeros de generación, alguno de los cuales, dicho sea de paso, deberían tomar buena nota de cómo retirarse a tiempo y con estilo. R.E.M. lo han hecho.
Ayer se nos fue una banda única. Hoy su legado nos sigue perteneciendo a todos como parte de la banda sonora de nuestras vidas. Gracias por las canciones.
En una ocasión, un músico cuyos tiempos de gloria pasaron hace ya años me confesó que la única fuente de ingresos que recibía puntualmente eran los royalties por haber cedido su música a un famoso videojuego. “Ni SGAE, ni nada. Los únicos que pagan son los del Guitar Hero”, contaba. “Todos los meses, como un clavo”.
Hace años que los videojuegos generan más beneficios que otras industrias culturales históricas como el cine o la propia música. Y los artistas, especialmente los que tuvieron la suerte de exprimir la gallina de los huevos de oro que fue la industria discográfica durante la segunda mitad del siglo XX, son muy conscientes de ello. Por eso, y salvo contadas excepciones, las discográficas suelen poner todo tipo de facilidades. Y los artistas, encantados. Un ejemplo: en 2008, muchos se sorprendieron al leer la noticia de que Metallica había ganado más dinero licenciando sus temas para Guitar Hero que si hubieran sido número uno de ventas con Death Magnetic. Los tiempos parecían estar cambiando, y todo el mundo se quiso sumar al nuevo boom. Aparecieron decenas de títulos con la música como protagonista… y claro, la gente se cansó y la burbuja acabó por desinflarse.
Pese a ello, los videojuegos siguen siendo una buena fuente de ingresos para los músicos. La explicación es simple: los juegos son más caros y se piratean menos. Hoy en día sólo los muy melómanos somos capaces de pagar cinco euros al mes por un acceso ilimitado a Spotify, pero cualquier hijo de vecino abona religiosamente y sin rechistar 60 ó 70 euros por el juego de turno. La piratería afecta, pero es sustancialmente menor que la que aqueja al cine o la música. Y la imagen de la que goza la industria del videojuego entre el público es, hoy por hoy, bastante más positiva que la que arrastra la del disco.
La reflexión viene al caso del lanzamiento, la próxima semana, de Fifa 2012. La nueva entrega de la saga tendrá una banda sonora de excepción en la que estarán The Hives, TV on the Radio, The Strokes, Cut Copy, Architecture In Helsinki o Crystal Castles, entre muchos otros, además de dos españoles: El Guincho y Macaco. Yo llevo años sin tocar la consola y siempre fui más de Pro Evolution (aquellos menús con bakalao chungo eran entrañables), pero he aquí una nueva y buena razón para apostar por un juego que promete. Los goles con buena música son más goles.
Hace poco, mis vecinos de ese gran blog que es Trasdós liaron una buena al afirmar que Wilco era la mejor banda de la historia después de los Beatles. Muchos pusieron el grito en el cielo. Otros (pocos) les dieron la razón. Algunos pensamos que fue ciertamente osado situarles tan arriba en la hipotética lista, pero que no andaban tan desencaminados. Es posible que Wilco no sea el segundo mejor grupo de la historia, pero sí uno de los más grandes de la última década. Porque pocos como ellos han encaminado en estos años tantos discos perfectos, sin apenas altibajos (desde Yankee hotel foxtrot, todo han sido dianas) y porque pocos como Jeff Tweedy y compañía han sabido dar forma a un lenguaje propio, lleno de referencias y al mismo tiempo puramente suyo. Sea como sea, y más allá de listas, posiciones y debates encontrados, nos gusta Wilco. Nos encanta Wilco.
A la espera de que salga el esperado The Whole Love el próximo día 27 (los más avezados ya disfrutaron la semana pasada de un streaming durante 24 h en su web), os dejo con el primer videoclip del disco, Born Alone. Que lo disfrutéis, aunque no penséis que estamos ante la segunda mejor banda del universo.
I have heard the wall and worried of the gospel
Ferry faust it crossed a void
I have married broken spoke charging smoke wheels
Spit and swallowed opioids
I am the driver at the wheel of the order Marching circles at the gate My eyes have seen the fury So flattered by fate
Tonight I’d rather count the warm fuse? Subtract the silence of myself I would rather choose a million mind of mystery
Be just the rigor for my health I wonder why strange rhymes overpower me Toss the chimneys in the sea I believe I’ve seen the finger To hide extremity
Please come closer to the feather smooth lens fry Sadness is my luxury Will you wear torn the cold come before I die More aware of it than me
Without the glowing stone The kids are unabashed Loneliness postponed My eyes deceiving glory I was born to die alone
En una ocasión, un buen amigo productor me comentó lo frustrante que resulta el hecho de que algunos músicos, cuando entran al estudio, pretendan grabar cosas que están fuera de su alcance. “A veces vienen guitarristas que emplean una tarde entera en grabar un solo”, me comentaba. “No es que me importe, pues yo cobro por horas, pero me parece ridículo”. Lo es.
La gran mayoría de discos de estudio están rodeados de un innegable aura de falsedad: profusión de arreglos innecesarios, correcciones a posteriori, tomas y más tomas hasta dar con la ejecución perfecta… El resultado, a menudo, hace parecer a las bandas infinitamente más virtuosas de lo que en realidad son, lo que produce sonadas decepciones entre sus fans cuando, a la hora de verles defender sus canciones en directo, comprueban hasta dónde son capaces de llegar realmente y sin ayuda de artificio alguno. Por eso valoro de forma especial los discos grabados con la banda al completo tocando en directo, como antaño y, en general, todos aquellos en los que el oyente puede apreciar claramente fallos e imperfecciones. Porque eso hace que suenen orgánicos, únicos y reales. Al fin y al cabo, y por el momento, la mayoría de la música sigue siendo cosa de humanos, no de máquinas.
Este miércoles, coincidiendo con el día en que la cantante británica de soul Amy Winehouse hubiera cumplido 28 primaveras, se estrena a bombo y platillo el último single que grabó antes de morir. Se trata de Body and Soul, un dueto que la artista hizo con su admirado Tony Bennett, y que ambos grabaron en los estudios londinenses de Abbey Road el pasado mes de mayo. El tema formará parte del disco de duetos de Bennett, que verá la luz la semana que viene, y en el que también han colaborado Lady Gaga, Alejandro Sanz o Michael Buble. Los beneficios que generen tanto el single como el videoclip irán a parar a la recién constituida Amy Winehouse Foundation, constituida hoy mismo por su padre, Mitch Winehouse, y que nace con el objetivo de luchar contra laa drogadicción.
Poco después de grabar aquel tema, Amy ofreció la que fue su última entrevista:
La muerte de Amy Winehouse, como otras tantas de las ocurridas a lo largo de la historia de la música popular, está resultando un auténtico filón para la industria. Desde aquel fatídico 23 de julio, las ventas de sus discos no han hecho más que crecer. Primero volvió a situar su segundo trabajo, Back to Black, en el primer puesto de las listas británicas, tanto en su Inglaterra natal como en Alemania, Grecia o Francia. Poco después, las imparables ventas la situaron como la artista que más discos ha vendido en el Reino Unido en lo que va de siglo, superando a James Blunt. Y lo mejor está por venir: cuando vea la luz el tercer y póstumo álbum de la cantante, volverá a quedar claro que no hay nada como morir joven y en penosas o extrañas circunstancias para relanzar una carrera y convertirse un mito. Y es que la desaparición de Amy ha sentado realmente bien a muchos. Una pena que ella no pudiera volver de entre los muertos, como Meryl Streep en aquella inolvidable comedia de Robert Zemeckis, y darle a alguno el susto de su vida.
Una de las frustraciones -y al mismo tiempo, una de las grandezas- que experimenta todo amante de la música es la absoluta certeza de que, por mucha música que uno escuche, siempre será mucha, muchísima más la que quede por descubrir.
Yo descubrí a Lüger hace cosa de un año y medio, cuando su nombre llegó a mis oídos a través de mi amigo Rusti, que les había visto en directo en una pequeña sala de Madrid. Como en otras tantas ocasiones, el boca a boca funciona, a menudo tanto o mejor que algunos ambiciosos planes de promoción que venden humo disfrazado de grandes promesas. Aquí no había humo, sino sudor y canciones. La banda madrileña se labró la admiración de un número creciente de fans a base de curtirse en salas de todo pelaje, y la crítica no tardó en fijarse en ellos, especialmente a raíz de la publicación de su sobresaliente debut homónimo. Algunos los bautizaron como los nuevos representantes del rock progresivo español, aquel género que en los primeros años 70 vio nacer a bandas tan injustamente olvidadas como Máquina!, Lone Star o The Storm.
Lo cierto es que Lüger beben de influencias que van más allá. Por momentos suenan cerebrales, dejando entrever su gusto por el kraut de los Neu! más racionales. Otras son una apisonadora, como si John García y sus Kyuss hubieran pasado a hacerse cargo de la instrumentación. Y a menudo suenan lisérgicos, psicodélicos y espaciales como un poderoso viaje de LSD. Lo hacen apoyados en una producción brillante que ha conseguido resaltar sus innumearables virtudes.
Lüger vuelven ahora con un segundo álbum, Concrete Light (Giradiscos, Marxophone), que les confirma como una de las bandas más en forma de la capital. Por si fuera poco, y además de una cuidada edición en vinilo, ponen su disco a disposición del oyente a cambio de la voluntad a través de su página en bandcamp, lo que siempre es de agradecer. Y a finales de este mes emprenderán una gira por media España para presentar en directo Concrete Light. Será un buen momento de acercarse a ver a una banda con mucho que decir. Porque, afortunadamente, siempre queda música por descubrir.
Sept 29 – Valladolid – Porta Caeli
Sept 30 – Madrid – Shoko
Oct 7 – Barcelona – La [2] de Nitsa
Oct 8 – Tarragona – Sala Zero
Oct 13 – Santiago de Compostela – Sala Moon (con Telephones Rouges)
Oct 14 – Vigo – Mondo (con Telephones Rouges)
Oct 15 – Coruña – Playa Club (con TR y Disco Las Palmeras!)
Oct 20 – Bermeo – Ateneo Cultural Beleza Malandra
Oct 21 – Vitoria – Ibu Hots (con Los Nitxos)
Nov 25 – Gijón – Festival de Cine de Gijón en Sala Acapulco, Casino de Asturias (con Za)
Antes de verano, reflexionaba en esta misma columna sobre lo injusto de las condiciones que ofrecen las plataformas de streaming tipo Spotify a los artistas en materia de royalties por cada clic, e invitaba a sellos discográficos y artistas a alzar su voz contra un sistema que, a pesar de sus innumerables ventajas y su prometedor futuro, está lejos de ser equitativo para todos. Especialmente para los músicos, que paradójicamente siguen siendo los que menos dinero obtienen de la explotación de sus obras por parte de terceros.
Hace unos pocos días, Century Media (la más importante disquera europea de metal y un referente en cuanto a honestidad y buen hacer), retiraba todo su catálogo de Spotify con el objetivo de “proteger los intereses de sus artistas”, en una maniobra ciertamente controvertida que puede que imiten otros en un futuro no demasiado lejano. Pese a que muchos esperamos que la decisión sea reversible, Spotify debería tomar buena nota. Al fin y al cabo, en sus manos está perpetuar un modelo obsoleto o, por el contrario, reinventar la forma de consumir música para hacer de ella algo más democrático, accesible y rentable.
Soy un periodista y músico madrileño. Este es un blog para hablar de discos, conciertos, festivales... y de todo lo que surja relacionado con los sonidos que ponen banda sonora a nuestras vidas. Sin prejuicios ni poses. Porque la música es tan subjetiva como cualquier otro arte.
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