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El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de la categoría ‘Crónicas de cine’

‘Su mejor historia’, homenaje al cine en tiempos difíciles

BCN Film Fest

Su mejor historia (Their Finest)

( ©A Contracorriernte )

En Los viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, 1941), Preston Sturges se planteaba la conveniencia de la comedia en un país azotado por una grave crisis, la Gran Depresión, y poblado de gente requiriendo de otras necesidades y de las más básicas como alimento y techo. Y lo hacía para constatar que, efectivamente, era necesaria. El poder liberador y terapéutico de una sonrisa o carcajada en la pantalla también ayudaba a sus ciudadanos. La novela de Lissa Evans, en cierto modo, se preguntaba lo mismo, pero en otra tierra y contexto, el de la Inglaterra castigada durante la II Guerra Mundial por los bombardeos del ejército alemán y extendiéndolo al cine en general.

Curiosamente ha sido una directora danesa, Lone Scherfig, la encargada en poner en imágenes el libro de Evans. La reconocerán por títulos como Italiano para principiantes (2000) o An Education (2009), y su decisión artística ha sido otorgar deliberadamente a la película, ayudada por la labor del director de fotografía, Sebastian Blenkov, un aspecto pasado de moda, similar a ese primitivo technicolor de los años 40. Su mejor historia (Their Finest) es una recreación del pasado, también de un modo de entender y hacer cine, esencialmente a través de la historia de dos guionistas, Tom Buckely (Sam Caflin), especialista en argumentos, y una mujer, Catrin Cole (Gemma Arterton) contratada para que aporte sus “cursilerías” y toque femenino con el que realizar una película que contribuya a levantar la moral de sus compatriotas, especialmente la de las mujeres. Catrin destacará como una aguda y brillante dialoguista y sus dotes van más allá de lo que, una sociedad conservadora, tradicional y machista como la británica en la época podrían esperar de ella (“Muchos están esperando que termine esta guerra y las mujeres volvamos a nuestros puestos”, le dirá uno de los personajes”, el de Rachael Stirling encarnando a una mordaz ejecutiva lesbiana). Lee el resto de la entrada »

‘Un italiano en Noruega’ o… ¿de qué se ríen los italianos?

BCN Film Fest

Un italiano en Noruega (Quo Vado?)

( ©A Contracorriente )

Los italianos se ríen con sus costumbres y su forma de ser, con el contraste entre identidades y culturas que más conocen, las suyas propias. Un italiano en Noruega (Quo vado?, 2016) ha sido todo un fenómeno en taquilla en el país transalpino atrayendo a las salas de cine a diez millones de espectadores. De la misma manera, Bienvenidos al Norte (Bienvenue chez les Ch’tis) vendió en Francia el récord de veinte millones de entradas en 2008; o aquí mismo, Ocho apellidos vascos posee el honor de ser la película más vista en nuestras pantallas con 9,5 millones de espectadores en 2014.

Con cuatro películas juntos, desde Cado dalle nubi (2009), el tándem formado por Gennaro Nunziante, como director y guionista, y Checco Zalone, como actor y también guionista, han ido triunfando con cada estreno más y más en la taquilla de su país hasta tocar el cielo. Checco Zalone es todo un ídolo en Italia después del colosal éxito de Un italiano en Noruega o las desventuras de un funcionario público que se niega perder su puesto de trabajo fijo ni aunque sea a cambio de una tentadora indemnización por despido. Checco es el nombre también de los cuatro personajes cinematográficos que ha interpretado, y es su nombre artístico. El real es Luca Pasquale Medici, presentador, guionista, cómico, actor y compositor (siempre incluye algunas de sus canciones en las películas).

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‘Bajo la arena’, una muy recomendable película antibélica

Propuestas de cine

Bajo la arena (Land of Mine)

( ©Sherlock Films )

Buena película la de Martin Zandvliet. La ilustración de un desgarrador hecho histórico acontecido al término de la Segunda Guerra Mundial. Dos mil jóvenes soldados alemanes, apenas unos críos de entre 15 y 18 años, prisioneros de guerra y que fueron utilizados para tareas de limpieza, las de desenterrar con sus propias manos y desactivar las millares de minas que los nazis habían ocultado bajo la arena de la costa oeste de Dinamarca. La muerte apenas a 10 centímetros bajo tierra. Ellos, sus compatriotas, las habían puesto y ellos, los presos, debían quitarlas.

El planteamiento es evidente. Muchachos, casi niños, que fueron dos veces engañados y condenados. Primero por su mismo país, bajo el yugo del régimen nazi, para alistarse. Ir al frente, a primera línea de combate, en una desesperada maniobra final ante la falta de hombres durante los últimos coletazos de la contienda. Prácticamente obligados algunos, embaucados con falsos sueños de heroísmo patrio los otros. Y luego, que los enemigos y la guerra no están para lindezas ni clemencias. En territorio extranjero es comprensible que los que sufrieron las atrocidades causadas por el ejército alemán encauzaran su odio en esos muchachos, cabezas de turco.

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Han pasado 41 años, Travis, y todo sigue igual (‘Taxi Driver’, 1976)

Sunset Boulevard

Taxi Driver 1976

( ©Sony PIctures )

Travis desenfunda el arma frente a su propia imagen reflejada en un espejo mientras ensaya la frase “¿Me estás hablando a mí?” (You talkin’ to me). Más adelante se cortará el pelo al estilo de los indios tomahawk; o ensangrentado, se apuntará a la sien con el dedo a modo de arma (como seguramente su creador, Schrader, se habría imaginado a sí mismo mil veces antes), deseando desaparecer. La soledad, la depresión y una sociedad que uno siente le ha fallado parieron a Travis Bickle, todavía una de las figuras cinematográficas más icónicas y controvertidas. Excombatiente de Vietnam reconvertido en un insomne que aprovecha su trastorno de sueño para trabajar como taxista. Un pobre diablo adicto a los cines porno, un desgraciado al que temer u odiar, alguien que espera que algún día “la lluvia” limpie las calles de todas la escoria que la habita: prostitutas, macarras, ladrones, asesinos, yonkis y corruptos; alguien ansioso por apretar el gatillo contra algún objetivo humano.

Está el Travis reaccionario, racista, neurótico y paranoico. Un perturbado mental en una sociedad igualmente enferma en una década, los setenta, donde en cine triunfaban otros justicieros urbanos del calibre del Harry el sucio interpretado por Clint Eastwood o el justiciero Paul Kersey encarnado por Charles Bronson, todos ellos trazando su recorrido por el infierno situado aquí en la Tierra. Pero a la vez está el Travis lleno de pureza y buenas intenciones. también el patán ignorante, el hombre obsesivo y algo corto de entendederas o el soñador que fabula (escribiendo cartas a sus padres) con lo que querría que fuera su propia realidad. Estremece por la facilidad con la que nos repele o atrae, con la que podemos llegar a detestarle o amarle porque también está la otra cara de la moneda. Ingenuo, inocente, alguien que pide cariño en su silenciosa angustia.

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¿Es el fin de las utopías? (‘Captain Fantastic’, 2016)

Propuestas de cine

Captain Fantastic 2016

( ©Fox / One Films )

Captain Fantastic, segundo largometraje de Matt Ross, también actor, de Sillicon Valley o American Horror Story, es una estupenda sucesora de aquella Pequeña Miss Sunshine que cautivó hace once años. No por especiales similitudes en su guion; pero sí en el tono, de comedia y drama, o por esa crítica nada velada a los modos de vida más superficiales de la Norteamérica actual o por su misma estructura, a partir de un cierto punto de la película, de road movie. Una Norteamérica, y léase igual cualquier país civilizado de occidente, descarriada y entregada a los placeres del consumismo y a los intereses de las grandes empresas.

Letreros en la carretera rezan textos como “Inmigración o invasión” y los supermercados ponen hilos musicales en los que suena la melancólica música de Titanic. Unos ciudadanos están contentos, otros adormecidos y otros permanentemente cabreados con todo. Y si la sociedad corrompe, que diría Rousseau, el Capitán Fantástico del título, Ben (gran Viggo Mortensen), es el cabeza de familia de una prole de seis hijos, equitativamente repartida en tres varones y tres chicas, que ha fundado su peculiar y reducida comunidad antisistema, decidido aislar a sus retoños de la mezquindad de los humanos. Regresar a una forma de vida más primigenia e ingenua. Retomar el mito del buen salvaje criando a sus hijos como superdotados, tanto en mantenerse físicamente en forma como en cuanto a cultura y conocimientos.

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Vitaminas en forma de musical (‘La La Land’, 2016)

Propuestas de cine

La La Land 2016

( ©Universal )

Porque queremos entrar dentro de la pantalla y meternos en la piel de esos personajes, vivir sus historias sean de cine o nuestras series preferidas, esperando que por muchas desgracias o tragedias el final sea feliz, y si no lo es que al menos sirva para enmendar errores o de espejo para otros de lo que somos. Porque Woody Allen rompió esa “cuarta pared”  mezclando las estrellas inalcanzables de la gran pantalla con el espectador llano sentado en su butaca en La rosa púrpura de El Cairo (1985), y varias décadas atrás Buster Keaton ya lo había hecho con El moderno Sherlock Holmes (1924). Y porque desde ese crucial instante en qué se oyó la voz de Al Jolson en El cantor de jazz (1927), el público debió sentir por primera vez que la relación de cercanía con esos personajes de la pantalla era mayor, había imagen y ahora también sonido, palabras y música a su alrededor.

Y porque había nacido el musical, el género más genuinamente cinematográfico, el que durante varios años desde la aparición del sonoro el público identificó con películas. Y por duras que fueran las cosas en ese cine de a finales de los 20, o de la década de los 30, 40 o 50 no había nada que una canción (buena o mala) o número musical no pudiera arreglar.

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¿Qué sería la vida sin una pizca de locura? (‘Toni Erdmann’, 2016)

Propuestas de cine

Toni Erdmann 2016

( ©Golem )

Una simple peluca y una dentadura postiza. Una transformación que no engañaría a nadie pero que nos sirve para el juego de cambio de rol y de recuperación de sentimientos y cariños paternofiliales perdidos que nos propone Toni Erdmann. Ante cuestiones de peso como ¿Eres feliz? ¿Me quieres? o ¿Cuál es el sentido de la vida? la comedia existencialista de la alemana Maren Ade evita un tratamiento plomizo aún metiendo a sus dos personajes protagonistas en una historia de cocción a fuego lento.

Para quien no lo sepa, Toni Erdmann está siendo la sensación en los últimos meses entre la crítica y la prensa especializada, de hecho desde que se estrenó en mayo pasado en Cannes. Se está llevando todos los premios importantes y es la película del momento entre los cinéfilos, la que deben amar o aprender a apreciar si uno no desea quedarse fuera de juego, arrinconado en el grupito de rezagados que no se enteran de nada. Cine de autor en mayúsculas y tercer largometraje de una excelente conocedora del cinéma d’auteur gracias a su trabajo como productora. Así que habrá que andarse con pies de plomo porque tanta expectativa puede provocar sus consiguientes efectos secundarios en forma de mayúscula decepción, y además de más de dos horas y media, que es lo que dura.

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Una fábula sobre la belleza de la vida (‘La tortuga roja’, 2016)

Propuestas de cine

La tortuga roja 2016

( ©Karma Films )

La cuesta de enero, corrupciones políticas, terrorismo yihadista, líderes mundiales que amenazan con poner patas arriba las siempre delicadas relaciones nacionales o internacionales… olvidémonos por un momento de todo. Mejor pongámonos en plan zen e intentemos volver a la esencia de todo. Michaël Dudok de Wit, un artista holandés apasionado de la animación, y ganador de Oscar por el corto Padre e hija (Father and Daugther, 2000), ha puesto toda su sabiduría, con sus más de 60 años a cuestas, para debutar en el largometraje.

A su criatura la ha llamado La tortuga roja (La tortue rouge) y la ido paseando por diversos festivales internacionales de cine seguramente consciente que gran parte de su público lo tendría allí, no en una multisala. Haciendo gala de la recuperación de esa esencia, de Wit ha creado una película que se sustenta en las imágenes, y en la música, sin diálogos ni palabras. Cine mudo, en color y en blanco y negro para las escenas nocturnas. Es más, decidió que habría un único personaje humano (tal vez un par más), pero en principio le valía básicamente con uno y una isla desierta. Un náufrago que cada vez que intenta escapar de su aislado reducto natural se topa con una extraña fuerza de la naturaleza que se lo impide, la tortuga roja del título.

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‘La llegada (Arrival)’: Descifrando un par de mensajes “extraterrestres”

Propuestas de cine

La llegada (Arrival) 2016

( ©Sony )

Hay que aplaudir la valentía de una película como La llegada (Arrival). Colar entre la programación de un gran número de multisalas lo que es más una propuesta de cine filosófico que un blockbuster que pueda agradar fácilmente. Ni siquiera su misma fotografía, de colores apagados, o una música de acordes desconcertantes y fríos creada por el islandés Jóhann Jóhannsson pretende impresionar o presentarse como especialmente atractiva. Es lo que ofrece el canadiense Denis Villeneuve (el “elegido” para esa esperada secuela de Blade Runner), no demasiado lejos de Enemy, su película más psicológica e íntimamente hermética hasta el momento o del cine de Terrence Malick.

Doce naves aparecen repentinamente en otros tantos puntos del planeta. Allí, quietas, estacionadas e intentando establecer metódicos y limitados contactos con los humanos por alguna inescrutable razón. Una avanzadilla alienígena dotada de una tecnología y conocimientos demasiado superiores también supone una amenaza para la humanidad. Y es que en nuestra historia, el pez grande (el mejor armado) se come al chico. El ejército de los Estados Unidos recurrirá entre sus especialistas a reclutar a una experta en lingüistica, “una de las mejores del mundo”, Louise Banks (Amy Adams) para descifrar el por qué están allí esos alienígenas y, lo más importante, conocer cuáles son sus intenciones. Basándose en una historia corta, La histoira de tu vida, escrita por Ted Chiang, es la mejor puesta al día y con vida propia de Encuentros en la tercera fase de Spielberg o Contact de Robert Zemeckis.

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‘Que Dios nos perdone’, la opción de un buen thriller

Entre los estrenos de este fin de semana hay dos que muy probablemente se llevarán la mayor parte del pastel de la taquilla. En fechas tan cercanas a Halloween el terror de Ouija: El origen del mal, y que tiene el poltergeist añadido de situarse a años luz, en cuanto a calidad, de su predecesora de 2014, atraerá a muchos espectadores; luego está la nueva adaptación de un superhéroe de Marvel, quizá no tan carismático como otros, pero que puede convertirse en una de las sorpresas cinematográficas de la temporada, es Doctor Strange (Doctor Extraño) y con el atractivo extra de tener como protagonista a Benedict Cumberbatch. Pero, a estas dos buenas opciones otra es darle una oportunidad a un thriller de factura española, Que Dios nos perdone.

Podría pasar desapercibida. Y es que está el precedente de otro thriller excelente como es Tarde para la ira, el inmejorable debut como director de Raúl Arévalo, que obtuvo grandes críticas, mejores recomendaciones aún a través de tuits y, pese a todo, pasó por nuestra cartelera sin pena ni gloria y, para más inri, con la mancha de que el título español más taquillero de las últimas semanas fuera… Cuerpo de élite. Y esto aterroriza, pensar que una notable película, y hecha aquí, pueda pasar sin suscitar interés entre el público. Que Dios nos perdone, dirigida por Rodrigo Sorogoyen ( que empezó a destacar con su segundo largometraje, Stockholm, en 2013), actualiza y lleva a nuestro contexto el cine negro, un género tan reconocido y que, sobre todo durante los años 40 y 50, dio algunas de las mayores obras maestras del cine norteamericano.

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