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El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de la categoría ‘Cine de autor’

Trueba y Almodóvar, ¿”boicots” o películas que no son comerciales?

Fernando Trueba

(Fernando Trueba durante la presentación del libro “Cámara Segura” en Madrid ©GTRES)

Fue el estreno lanzado con más copias el pasado fin de semana en los cines españoles, 340 (cinco más que Aliados, con Brad Pitt y Marion Cotillard), y uno de los rodajes más promocionados de los últimos meses. Pero el público, como ocurre con las urnas en época de elecciones, dio su veredicto y de manera tajante, el de “no interesa”. La reina de España, de Fernando Trueba, solo consiguió recaudar unos paupérrimos 387.000 euros.

Se ha hablado del “boicot” a su director por el polémico discurso que realizó en septiembre del pasado año al recoger el Premio Nacional de Cinematografía en San Sebastián y en el que, entre otras lindezas, aseguró que “Nunca me he sentido español, ni cinco minutos de mi vida”. Quizá una chanza del vitriólico director para derribar muros y fronteras, más allá de cualquier fanatismo nacionalista, proceda de donde proceda. Trueba se considera ciudadano del mundo. Sus palabras, entonces, llegaron acompañadas de algunos ejemplos (irónicos o no) que tampoco gustaron demasiado:

A mí, la palabra que más me gusta del diccionario es “nada” y luego “desertor”. Nunca he tenido un sentimiento nacional. Siempre he pensado que en caso de guerra, yo iría siempre con el enemigo. Qué pena que España ganara la Guerra de Independencia. Me hubiera gustado que ganara Francia. Nunca me he sentido español, ni cinco minutos. Siempre he estado a favor de las selecciones de los otros países, el único año que fui con la selección española fue cuando ganó el Mundial.

 

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‘Moonlight’, ¿la mejor película norteamericana del año y posible ganadora de los Oscar?

Moonlight 2016

( Detalle del póster de ‘Moonlight’ ©Plan B Entertainment / A24 )

Casi ninguna película puede presumir de contar con nada menos que un 99 sobre 100 de media en Metacritic (y lleva ya una valoración de 45 críticas de profesionales); en Rotten Tomatoes otra locura de media, 8,9 sobre 10 contabilizando 146 reseñas, y un 8,7 en IMDb.

Moonlight es la adaptación de la obra teatral escrita por Tarell Alvin McCraney (su título original es In Moonlight Black Boys Look Blue, “Bajo la luz de la luna los chicos negros parecen azules” en español) y es el segundo largometraje dirigido por Barry Jenkins. Relata la historia Chiron, un joven afroamericano que reside en una de las zonas más conflictivas de Miami, durante tres etapas de su vida, desde su infancia a la madurez. Una vida marcada por una madre drogadicta, su amistad precisamente con un traficante de drogas, el acoso escolar y, sobre todo, el descubrimiento de su homosexualidad. Es también una película, según sus defensores, que rompe estereotipos y mitos (la del “hombre negro fuerte y varonil”).

“Una dura mirada a la realidad norteamericana, y un poema escrito con luz, música y elocuentes expresiones de los rostros” (A.O. Scott en The New York Times)

“Una auténtica obra maestra americana y una de las mejores películas de la década” (Tirdad Derakhsani en Philadelphia Inquirer)

“Logra lo que parece imposible, y es hacer crecer una historia y sus personajes en un lugar y tiempo específico y, al mismo tiempo, hacerlo inmediatamente remarcable y universal” (Ann Hornaday en The Washington Post)

“Es una de las primeras posBoyhood películas independientes en tomarse seriamente la evolución de un hombre joven a lo largo del tiempo” (Peter Debruge en Variety)

“Transforma la rabia y la frustración en una intimidad sin adulterar” (Eric Kohn en Indiewire)

“Maneja con maestría temas universales como la propia identidad, la sexualidad, la familia y, sobre todo, la masculinidad” (Brian Tallerico en RogerEbert.com )

 

Moonlight 2016

( ©Plan B Entertainment / A24 )

Cada año los críticos norteamericanos suelen casi unánimemente concentrarse en elogiar una película, puede incluso que hinchen algo más de lo debido sus valoraciones para intentar atraer a un poco más de público hacia obras minoritarias que consideran extraordinarias: Pero, a este paso se van a cansar de ver a Moonlight entre los numerosos premios a la mejor película que las distintas asociaciones y gremios cinematográficos o de prensa especializada conceden a finales de año.

También parece una de las más firmes apuestas de cara a los Oscar (las nominaciones se harán públicas el 24 de enero próximo). Y en esta edición, teniendo en cuenta que tanto el reparto como el director son negros, los premios de Hollywood no tendrán excusa para demostrar que el hashtag #OscarSoWhite es cosa del pasado.

Se estrenó el pasado 21 de octubre en Estados Unidos y su paso por diversos festivales, como Telluride, Toronto, Londres o Roma levantó una cantidad de elogios similares entre público y crítica. No lo tendrá fácil para llegar a estrenarse en otros países, en España todavía no tiene distribución, aunque para eso están también los Oscar.

Tráiler de ‘Moonlight’ (en versión original en inglés)

 

Cinco películas de cine de autor para este mes de noviembre

Entre los grandes estrenos previstos como el regreso al universo de Hogwarts que significará la primera de las ¿cinco? entregas de Animales fantásticos y dónde encontrarlos; la ciencia-ficción de calidad de La llegada (The Arrival) o el gancho de la pareja protagonista (divorcio al margen) compuesta por Brad Pitt y Marion Cotillard en la película de romance, intrigas y espionaje durante la Segunda Guerra Mundial, y años posteriores, de Aliados; las obras de cine de autor, o más independientes, intentarán hacerse con su hueco. Encontrarse con su público en la gran pantalla.

Han pasado el “examen” de su presentación en diversos festivales, y pese a que algunas de ellas ya se pueden encontrar por descargas “ilegales”, la verdad es que se hacen muy recomendables verlas en pantalla grande. Placeres cinéfilos a descubrir o alegrarnos de que tengan distribución entre nosotros.

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“Es un mundo extraño”. 30 años de ‘Terciopelo azul’

Terciopelo azul

Isabella Rossellini en ‘Terciopelo azul’

La música elegante, evocadora y sinuosa de Angelo Badalamenti mece una tela de terciopelo azul a modo de cortina. Es la primera imagen, y sonido, del cuarto largometraje de David Lynch. Son los títulos de crédito y pronto darán paso a escenas idílicas de una (ficticia) población norteamericana llamada Lumberton: unas preciosas rosas rojas contrastando con un cielo muy azul, bomberos que saludan amablemente a su paso o colegiales cruzando libres de temor un paso de peatones, hasta llegar a un hombre que está regando tranquilamente el jardín de su casa. Todo de postal.

No transcurrirá mucho más tiempo para revelarnos que junto a ese remanso de paz convive algo oscuro, siniestro y repulsivo (quizá tan asqueroso como fascinante). El hombre que riega el jardín sufre un repentino ataque al corazón, un perro se acerca y aprovecha para beber del chorro de la desbocada manguera, sin dueño que la sujete, un bebé andando solo y desorientado cerca y allí mismo, a unos pocos palmos del cuerpo caído, la cámara nos acerca hasta ese submundo escondido mostrándonos centenares de hormigas inmersas en la frenética actividad de su propio otro cosmos.

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Avance: Enamorarse del cine al ritmo de la música, ‘La La Land’

La La Land

( ©Summit Entertainment )

Captar la esencia de los sueños, de los deseos y frustraciones, a través del musical. Hubo un tiempo en que el musical era uno de los géneros predilectos de Hollywood (y junto al western, el género más genuinamente norteamericano), en los años 30, 40, 50 o 60. Hoy en día solo atraerían a un reducido grupo de cinéfilos a la gran pantalla. El musical no vende. Sin embargo, La La Land (y que no tiene nada que ver con la canción de mismo título interpretada por Demi Lovato), venda o no venda, atraiga espectadores o no a su causa, se posiciona como una de las películas más esperadas del año.

Su pareja protagonista, efectivamente, ya es para enamorar, Emma Stone y Ryan Gosling; una actriz igual de estimulante sea de pelirroja, rubia o morena que cantando y bailando (en este enlace, protagonizando el maravilloso vídeo Anna de Will Butler); y el chico más cool, por algo Drive es objeto de culto entre muchos de nosotros. Pero, lo mejor, es que tras las cámaras y firmando el guión, así que, cine de autor también en estado puro, está Damien Chazelle, un apasionado, ¡cómo no!, del cine y la música cuyo segundo largometraje, prácticamente su debut, fue una de las mejores películas, y de largo, de 2014: Whiplash.

Sea Un americano en París, los viejunos musicales en blanco y negro de los años 30 protagonizados por Ginger Rogers o Fred Astaire, o la francesa Los paraguas de Cherburgo, La La Land es un homenaje a todo ese gran cine a través de la historia de amor entre un pianista de jazz y una aspirante a actriz en la ciudad de Los Angeles. Y por algo también los responsables del Festival de Cine de Venecia le han otorgado el honor de inaugurar el certamen, el día 31 de agosto.

La fecha de estreno prevista en Estados Unidos es para el 16 de diciembre; pero antes, el póster y el tráiler.Cantando y silbando, Ryan Gosling. A mí ya me tiene ganado.

 

La La Land poster

 

Las películas que más me han llamado la atención tras su paso por Cannes 2016

Cannes 2016 poster

( ©Cannes )

La edición número 69 del Festival de Cannes ya tiene Palma de Oro. El codiciado galardón, seguramente el más prestigioso entre el cine de autor, ha ido a parar, de nuevo, a manos del británico Ken Loach y su película I, Daniel Blake.

En cuanto al palmarés, ha sido un año marcado por la total disparidad de opiniones entre las elecciones del jurado oficial, que este año presidía George Miller, y las favoritas de los críticos. I, Daniel Blake gustó, pero sin entusiasmos, situándose en la parte media baja de la media de las puntuaciones.

O el exaequo a la mejor dirección para Cristian Mungiu por Bacalaureat y Olivier Assayas por Personal Shopper, esta segunda, una de las más silbadas en su proyección ante la prensa. Y el Gran Premio del Jurado para Juste la fin du monde, de Xavier Dolan, precisamente fue una de las peor valoradas en general.

Si desean, pueden comparar los premios de la sección oficial en la noticia con la tabla de puntuaciones de los críticos de Cannes.

Fuera de competición, han desfilado por allí los veteranos Spielberg con su película familiar Mi amigo el gigante, que aquí llega el 8 de julio, o Woody Allen con Café Society, protagonizada por Kristen Stewart y Jesse Eisenberg. Imprescindibles ambos. Dicen los cronistas enviados allí que ha sido una edición intensa, cargada de excelentes películas y sorpresas, buenas y malas. Sin embargo, de entre las numerosas películas presentadas no me resisto a destacar una docena de las que espero su estreno con más ganas.

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He visto al diablo (‘La bruja’, 2015)

La bruja (The Witch, 2015)

( ©Universal )

El cineasta Roman Polanski tuvo no pocos quebraderos de cabeza durante el rodaje de La semilla del diablo (Rosemary’s Baby). La prohibición de filmar dentro del selecto y “maldito” edificio de apartamentos Dakota en Nueva York, donde dicen que rondan varios espíritus (entre ellos el del legendario actor y muy aficionado a las sesiones de espiritismo, Boris Karloff), le limitó a rodar solo planos de exteriores. Lo peor es que las sectas satánicas acusaban al cineasta de que en su película exhibiría demasiados secretos sobre sus cultos. Hubo protestas de algunos de ellos, y amenazas de muerte.

Lamentablemente, Polanski acabaría pagando en sangre, aunque no con la suya. En agosto de 1969, Charles Manson y su funesta “familia” de acólitos tarados perpetraron uno de los crímenes más escabrosas que se recuerdan de la crónica negra del pasado siglo, matando a la esposa del director, la bellísima actriz y modelo Sharon Tate y a las cuatro otras personas que se encontraban en ese momento con ella en su mansión de Los Angeles. No es que los asesinatos fueran una represalia por La semilla del diablo, ni mucho menos, pero Manson había sido también uno de los que se había manifestado ante el edificio Dakota.

Con La bruja (The Witch), el debutante Robert Eggers ha tenido mejor fortuna. Un cuento diabólico ambientado en la Norteamérica de los pioneros del siglo XVII, en la Nueva Inglaterra de 1630, premiada con la mejor dirección en Sundance y sobre todo reconocida, incluso por los no adeptos al cine de terror, como una de las mejores propuestas de género de los últimos años. Al contrario que la de Polanski, su obra sí que ha contado con la inesperada “bendición” precisamente de una secta satanista, elocuentemente llamada The Satanic Temple, que incluso llegó a colaborar con la distribuidora A24 en Estados Unidos organizando diversos preestrenos y coloquios. Pero no se trata de una de esas sectas que incluyen sacrificios humanos y ceremonias sangrientas.

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¿Cuáles son los mejores momentos de Antonio Banderas en cine?

Antonio Banderas

( Antonio Banderas durante la presentación de ‘Altamira’ ©GTRES )

Hace unos pocos días, la conocida web The Guardian, con sede en Londres, dedicaba uno de sus artículos a Antonio Banderas. Concretamente, y ante el estreno en el Reino Unido de Knight of Cups, lo nuevo del director Terrence Malick, elaboraba una lista eligiendo los “cinco mejores momentos” de entre todas las películas del actor malagueño.

Por si era necesario, y pese a la poca repercusión que está teniendo en nuestros cines su más reciente película, Altamira, una demostración más de que la estrella de Antonio Banderas ha brillado, y sigue brillando, más allá de nuestras fronteras. Las obras en las que interviene son motivo de noticia. Y es más, entre los comentarios que suscitó la publicación online había más de 50. Los internautas recordaban, además de los cinco que destacaba The Guardian, otras de las interpretaciones más reconocidas del actor.

Y, ¿cuáles eran los momentos, aunque más bien se refería a películas, que destacaba el autor, el londinense Benjamin Lee? Pues, dos de las pertenecientes a su etapa “almodovoriana”, también la que significó su debut en Hollywood, la otra un remake y la quinta toda una superproducción. Concretamente son La ley del deseo (1987) y La piel que habito (2011); Los reyes del mambo (1991) (su presentación en sociedad en el mundillo de Hollywood fue apadrinado nada menos que por Madonna); Desperado (1995), remake de El mariachi, ambas dirigidas por Robert Rodriguez; y La máscara del zorro (1998), junto con Anthony Hopkins y una Catherine Zeta-Jones que encandiló al público.

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¿Qué películas ver en la Fiesta del cine?

Capitan-America-Civil-War-2016

( ©Marvel/Disney )

La Fiesta del Cine, así la llaman desde hace ya diez años. Entradas a 2,90 euros, desde este mismo lunes, día 9 de mayo, hasta el miércoles 11. Un chollo con el que recuperar el placer de ver películas en pantalla grande y para el que solo hay que registrarse en la web oficial.

Cada uno deberá buscar y rebuscar entre las propuestas que más le llamen la atención, o le hayan recomendado. Por mi parte les lanzo una lista de sugerencias, hasta un total de 12, entre lo más florido del cine de autor, blockbusters y cine español actualmente en cartelera (alguna quizá no por demasiado tiempo). Títulos que destacan, aunque solo sea para

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Almodóvar polémico. Un repaso a los momentos más controvertidos de su cine

Pedro Almodóvar

( Almodóvar en los Goya 2015 ©EFE )

Julieta, protagonizada por Adriana Ugarte y Emma Suárez, se estrena este viernes, 8 de abril, y será el largometraje número 20 de la filmografía de Pedro Almodóvar. Han pasado 36 años desde su debut en Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, una puesta de largo que dejaba clara su visión de cómo hacer cine y de autor. Lo que evolucionaría serían sus primeros pasos desde el cine underground y la inspiración punk a una puesta en escena estilizada y sofisticada.

Almodóvar, siempre polémico, nunca dejando indiferente, reflejando su España contemporánea de manera colorista, grotesca, escandalosa y surrealista; más aldeana que cosmopolita, a caballo entre el humor más casposo y el melodrama más desatado. Poseído por una cinefilia y cinefagia voraz. Esperando romper tabúes.

Un cine absolutamente necesario que evidentemente no podía contentar a todos los sectores de público. No faltan los que le acusan de hacer siempre películas de “putas y maricones”, y es que el director calzadeño decidió darle voz y protagonismo a los personajes que creía estaban más necesitados, a los que el cine siempre dejaba en un lugar que no molestaran, en la indeferencia, la ignominia o la bufonada, a la sombra de los focos. Sin embargo, su telón de fondo siempre es el mismo: los laberintos inescrutables del corazón humano.

Y con Almodóvar, de una forma u otra, también se espera que le acompañe siempre la controversia. Estas cuatro décadas han dado para mucho. Repasemos algunas de las mayores polémicas suscitadas con sus películas (que no con el caso de “los papeles de Panamá“), un arte en el que se graduó precozmente, ya desde su debut en ese lejano 1980 y que le llevarían desde las correrías de la movida madrileña a obtener un par de Oscar.

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