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El cielo sobre Tatooine

Un travelling por el cine más actual con flashbacks al clásico.

Archivo de la categoría ‘Cine clásico’

“Es un mundo extraño”. 30 años de ‘Terciopelo azul’

Terciopelo azul

Isabella Rossellini en ‘Terciopelo azul’

La música elegante, evocadora y sinuosa de Angelo Badalamenti mece una tela de terciopelo azul a modo de cortina. Es la primera imagen, y sonido, del cuarto largometraje de David Lynch. Son los títulos de crédito y pronto darán paso a escenas idílicas de una (ficticia) población norteamericana llamada Lumberton: unas preciosas rosas rojas contrastando con un cielo muy azul, bomberos que saludan amablemente a su paso o colegiales cruzando libres de temor un paso de peatones, hasta llegar a un hombre que está regando tranquilamente el jardín de su casa. Todo de postal.

No transcurrirá mucho más tiempo para revelarnos que junto a ese remanso de paz convive algo oscuro, siniestro y repulsivo (quizá tan asqueroso como fascinante). El hombre que riega el jardín sufre un repentino ataque al corazón, un perro se acerca y aprovecha para beber del chorro de la desbocada manguera, sin dueño que la sujete, un bebé andando solo y desorientado cerca y allí mismo, a unos pocos palmos del cuerpo caído, la cámara nos acerca hasta ese submundo escondido mostrándonos centenares de hormigas inmersas en la frenética actividad de su propio otro cosmos.

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Doce perlas del cine erótico japonés

El imperio de los sentidos

( ‘El imperio de los sentidos ‘ )

Japón no solo nos ha dado grandes maestros como Kurosawa, Ozu, Mizoguchi, Kobayashi, Mikio Naruse o Hayao Miyazaki. También hay un buen puñado de clásicos que destacaron en el género erótico, y sin pixelar.

Varios autores de la década de los 60 y 70 del pasado siglo pusieron su granito de arena, y algo más, para romper los muros de los tabúes y crear un cine más libre y también más combativo, socialmente. Muchos de ellos se clasificaron dentro del subgénero japonés “pinku eiga” (también conocido en sus vertientes de “pinku violence” o “películas rosas”), por la proliferación de sus contenidos violentos y sexuales.

En España, el éxito más sonado fue el de El imperio de los sentidos cuyo título original, el de Ai no korîda, siempre me sonó un poco a lúbricamente gracioso (!). Aunque las más destacadas películas eróticas niponas no puedan considerarse precisamente así, divertidas, por grotescas o extremas que a veces sean sus historias.

Los protagonistas acostumbran a ser personajes atormentados, al borde de la locura; golpeados por las circunstancias de la vida o simplemente víctimas de una psicología compleja, en una comunión de placer y dolor, sexo y muerte. Un ejemplo, esta selección de títulos.

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No hay lugar para los segundones (‘Top Gun’, 1986)

Top Gun 1986

( ®Paramount )

“Caballeros, en esta escuela se aprende a combatir. No hay premio para el número dos”. Lo decían, muy chulos ellos, en Top Gun. Y puede que la frase hoy en día no tenga nada de leiv motiv. En estos tiempos de crisis, también de valores, la lucha es otra. Lo importante es sobrevivir, ir haciéndose un lugar en el mundo, aunque uno no sea el mejor.

Pero entonces, las consignas de Top Gun, lideradas por su gurú y fuera de serie “Maverick” (Tom Cruise), fueron recibidas de otra manera. No solo fue un taquillazo en medio mundo sino que también lanzó el estilismo que más ha perdurado de las chupas de cuero militares, potenció la venta de gafas Ray-Ban y multiplicó por cinco los voluntarios que se apuntaron a formar parte de las Fuerzas Aéreas de la Armada de Estados Unidos.

Tony Scott plasmó unas prodigiosas imágenes aéreas y una filosofía de vida tan sencilla como efectiva. Top Gun invitaba a ser el número 1, al buen rollismo entre compañeros, a defender la patria de los enemigos externos. Y todo ello recompensado con el ligarse a la rubia más impresionante del lugar (aquí materializada en Kelly McGillis), que además no tenía nada de tonta. El sueño de todo machote ¿hetereosexual?

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Vídeo: ¿Qué películas tienen la mejor fotografía?

2001 Una odisea del espacio

( ‘2001: Una odisea del espacio’ ©Warner Bros. )

Personalmente me resultaría imposible confeccionar una lista breve de los mejores trabajos de fotografía de la historia del cine. A Scout Tafoya, crítico de cine y colaborador de la web Fandor, seguramente también. Por ello decidió preguntar entre su colegas cuáles serían sus diez favoritas. En total, una encuesta entre 60 compañeros.

El resultado, las 12 más votadas, le ha servido para elaborar un montaje en vídeo titulado Which Movies Have The Greatest Cinematography?

Echaremos de menos muchísimas, demasiadas, pero tampoco hay duda que entre las elegidas la dirección de fotografía fue magnífica.

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40 años de ‘¿Quién puede matar a un niño?’ (1976)

¿Quién puede matar a un niño? 1976

El pasado fin de semana volví a ver ¿Quién puede matar a un niño? No era para menos, este martes, 26 de abril, se cumplen 40 años de su estreno. Debo reconocer que cuando la visioné por primera vez, hace ya tiempo, no me gustó especialmente. Entonces seguramente no supe valorarla, o no estaba con la suficiente predisposición para apreciarla, porque cuatro décadas no solo me ha subyugado sino que me ha parecido que sigue manteniendo intactas sus cualidades.

Está ese aire setentero, y sus posibles defectos, para este relato en el que predominan las escenas con la pareja protagonista paseándose entre calles y estancias desiertas de una pequeña localidad costera, en las que no hay nadie; o sí, solo niños, y en la que los adultos parecen haber desaparecido repentinamente. Largas escenas plagadas de silencios, truncadas por ruidos puntuales, una llamada de teléfono, persianas que se cierran, extrañas risitas infantiles. Lejos del ritmo narrativo que uno esperaría hoy en día y, sin embargo, tanto la historia como la planificación de Narciso “Chicho” Rodríguez Serrador continúa siendo estupenda.

Hace 40 años la idea de unos niños asesinos resultaba tan aterradora como desconcertante; la infancia está más relacionada con la inocencia que con los actos atroces pese a que los niños, en su ingenuidad, no dejan de ser crueles. La temática tenía sus antecedentes, aunque escasos: El otro (1972), A las nueve cada noche (1967), Suspense (1961), El pueblo de los malditos (1960) o La mala semilla (1956); pero “Chicho”, basándose en la novela El juego de los niños, escrita por el gijonés Juan José Plans, le dio otra vuelta de tuerca plasmando una de las obras más emblemáticas del “fantaterror” español.

Un matrimonio británico, Evelyn (Prunella Ransome) y Tom (el actor australiano Lewis Fiander), ella embrazada de casi 7 meses y esperando su tercer hijo, viajan a un isla llamada Almanzora, cercana a Benavís, una población igualmente ficticia de la provincia de Tarragona (cerca de L’Ametlla de Mar), esperando pasar unas vacaciones al sol y, sobre todo, lejos del mundanal ruido. Calma y remanso. Sin embargo, en ese islote acaba de ocurrir un trágico suceso que pondrá patas arriba su escala de valores, el orden de las cosas y sus propias vidas.

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25 años del fallecimiento de David Lean

David Lean

( ©EMI Film / HBO )

Al británico David Lean siempre se le tildó de excesivamente “académico”, y seguramente así era su cine. Pero, esta sería una de las ocasiones en que el término no debería utilizarse de forma peyorativa.

Si buscáramos que habría aportado el cine de David Lean, cuál habría sido su principal innovación para merecer formar parte del Olimpo de los cineastas imprescindibles, requeriría de un libro entero. Por alguna razón no solo era un maestro de la narración sino también un apasionado de las imágenes. Sus películas, cada una, nos ofrecen puñados de ellas, de escenas y momentos inolvidables. Sin embargo, esa “aportación” podría resumirse, aún con el riesgo de ser demasiado esquemático, en que supo combinar como nadie lo más intimista con el gran espectáculo. Las tragedias más personales y humanas con las convulsiones e infortunios de los hechos históricos. El puente sobre el río Kwai (1957) y la II Guerra Mundial, Lawrence de Arabia (1962) y la rebelión árabe contra el imperio turco otomano, Doctor Zhivago (1965) y la Revolución Rusa. Las dos últimas con abundantes escenas rodadas en escenarios españoles.

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En un plano superior: Recordando la escena del beso en ‘Suspense’ (1961)

Suspense (The Innocents) escena beso

¿No fue el pasado 13 de abril el Día Internacional del Beso? Escenas de besos, en el cine, hay muchas. Que hayan perdurado, muchas menos. Por otra parte, no es que precisamente Suspense (The Innocents, 1961) vaya escasa de momentos, escenas y planos memorables, pues por alguna razón es una de las películas más perfectas que jamás se hayan rodado. Pero, este instante sorprende, sobre todo al espectador que vea por primera vez esta adaptación de la famosa novela Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw).

En la alcoba y rodeados de oscuridad, un niño de diez años, Miles, besa a su institutriz, Miss Giddens, en los labios. Lo hace con pasión, como lo haría un adulto preso de una irresistible atracción sexual. ¿Y ella? Pasa del desconcierto y asombro inicial a dejarse llevar, turbada. Sí. Una escena demasiado atrevida para su época, a inicios de los sesenta.

Deborah Kerr, que tenía 40 años cuando la película se estrenó en el Reino Unido, y en la que muy probablemente sea su mejor interpretación, encarna a la bella y ambigua heroína de la novela de Henry James. El niño tan encantador como inquietante está interpretado por el joven Martin Stephens de 12 años quien, curiosamente, el año anterior había intervenido en otra imprescindible obra maestra del género fantástico, El pueblo de los malditos (Village of the Damned, 1960).

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En un plano superior: ‘Breve encuentro’ (1945) – Simplemente, enamorarse

Breve encuentro (Screenshot) 1945

Difícil, muy difícil elegir una de las imágenes de Breve encuentro (Brief Encounter, 1945). Tenía varias pensadas y a punto para empezar a desarrollar y publicar. Pero, y como no podía ser menos tratándose de una de las cumbres del cine romántico, al final me he decantado por “el momento”. Me refiero al del nacimiento amoroso o, mejor dicho, el del reconocimiento del nacimiento amoroso. Ese preciso instante en el que uno se da cuenta de que… ¡oh! ¡está irremediablemente enamorado! Las pupilas dilatándose, un brillo especial en la mirada, una poderosa sensación de alborozo y excitación apoderándose de todo tu ser, el corazón latiendo a mil.

Es una película de emociones sinceras, pero contenidas en la pantalla, en la que una de las claves es su pareja protagonista, Laura (Celia Johnson) y Alec (Trevor Howard), personas normales y corrientes que facilitaban la identificación con el espectador. Una pareja de mediana edad que han ido coincidiendo en la estación del tren. Ella una ama de casa y él médico, ambos casados y con hijos. Adúlteros que no lograrán consumar su amor, viviendo los momentos más felices de su existencia, entre el éxtasis y los remordimientos.

Puesto que está narrada ante todo desde el punto de vista de su principal personaje femenino, el director, David Lean, la eligió a ella para éste, uno de los momentos clave. Mientras Alec (Trevor Howard) le habla de su profesión, de su idealismo, de la necesidad de la medicina preventiva y de palabras como “fibrosis”, “antracosis”, “silicosis” o “neumoconiosis”, a Laura todo le parece maravilloso, incluso estos términos que ni entiende ni desea entender. Con el rostro resplandeciente de ella y después de haberle exclamado “¡Pareces un muchacho!”, cómo si el hecho de enamorarse solo perteneciera a los más jóvenes, David Lean inicia un suave travelling hacia adelante, hacia Laura, mientras empieza a sonar la música, hasta excluir totalmente del encuadre al mismo Alec, dejando a Laura sola, junto con su íntimo y profundo “descubrimiento”.

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¿Pam Grier protagonizó ‘Alien’? Cómo serían los pósters si…

Alien - Poster con Pam Grier

La actriz de color Pam Grier, protagonista de películas de serie B de los 70, como Foxy Brown, y una de las musas de Quentin Tarantino, encarnando a la teniente Ripley en un Alien dirigido por J. Lee Thompson en… 1970.

Humphrey Bogart protagonizando Blade Runner, Sean Connery en El quinto elementoPeter Sellers se encuentra Atrapado en el tiempoMichael Jackson cabeza de cartel en Guardianes de la galaxia (¡esta es buena!) o Seven contando con otra pareja de actorazos: Henry Fonda y Sidney Poitier.

No es que alguien haya consumido algún tipo de sustancia alucinógena o que algún alumbrado ejecutivo de Hollywood lo hubiera considerado como posibilidad para un proyecto, simplemente es el arte del diseñador Peter Stults quien en su serie de pósters What if: Movies Re-imagined concibe carteles promocionales de películas como si éstas pertenecieran a antiguos filmes protagonizados por intérpretes míticos, y realizados por prestigiosos directores.

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Vídeo: Emotivo homenaje a Ray Harryhausen, maestro de los efectos especiales

Ray Harryhausen

Antes de la era digital había que ingeniárselas de otra manera para realizar los trucajes especiales. Uno de los grandes en cuanto a efectos visuales fue Ray Harryhausen, fallecido a la edad de 92 años, en 2013. Creador del Dynamation, una técnica de animación stop motion, sus trabajos han influido en varias generaciones, tanto de espectadores como de cineastas, y la magia de sus efectos, pese a que se note el truco, aún destila un encanto irresistible.

Simbad y la princesa (1958), El viaje fantástico de Simbad (1973), El gran gorila (1949), El valle de Gwangi (1969), La isla misteriosa (1961), Jason y los argonautas (1963) o Furia de titanes (1981), por citar algunos, figuran entre sus obras más reconocidas.

Y buena prueba de ello, de su arte e influencia, es el sentido tributo que le brindan Payton Curtis y Julianna Cox de MechanicalFarm.com en el vídeo titulado sencillamente Thanks Ray.

De la mano de dos objetos animados, una especie de sacapuntas con forma de cangrejo color naranja y un androide amarillo, recordamos algunas de las mejores escenas que ha dado “su cine” al ritmo de la canción Lady in Satin de Billie Holiday.

 

( Imagen cabecera vía highdefdigest.com )